tag:blogger.com,1999:blog-1882230452775829932024-03-18T13:59:00.557+01:00Aficionada al ArteTraduction en espagnol par Pili Ospina Silvain de "Amateur d'Art", le blog du journal Le Monde par Lunettes Rouges.
Andanzas por algunas exposiciones.PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.comBlogger772125tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-29846663474088276692024-03-14T17:41:00.000+01:002024-03-14T17:41:12.027+01:00Eros y Tánatos (Vasco Araujo)<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">13 de marzo de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wpcomstaging.com/2024/03/13/eros-et-thanatos-vasco-araujo/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-family: verdana; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLRXeWwqcL9uNfs4M8BqKsmJzk_zG1kBhBOHPXaxFEiAZ665csTbfiPySAIacYDGSNJIqTb1MBot1M8OBxNYxp0oUrVDdQvlp3kMGnRXTC3JqQ-goP3StBguJAcgXtLMtHsLySP1gosQKjlT9sPJxZGgpxOtLfv8Pmyeiy6Q6c1T4SkxY3nZp6CteBzzdT/s859/20240312_191420.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="859" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLRXeWwqcL9uNfs4M8BqKsmJzk_zG1kBhBOHPXaxFEiAZ665csTbfiPySAIacYDGSNJIqTb1MBot1M8OBxNYxp0oUrVDdQvlp3kMGnRXTC3JqQ-goP3StBguJAcgXtLMtHsLySP1gosQKjlT9sPJxZGgpxOtLfv8Pmyeiy6Q6c1T4SkxY3nZp6CteBzzdT/s16000/20240312_191420.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Vasco Araújo, Eros e Thanatos, vista de la exposición.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">De entrada, un taller de escultura. Unos quince soportes metálicos que sostienen estatuillas de terracota. Como si lo alumnos acabaran de salir habiendo dejado sus obras inacabadas. ¿Inacabadas? Si, porque en los pequeños soportes rocosos ninguno de los personajes tiene cabeza. Todos tienen el cuerpo claramente cortado, guillotinado: sin cara la identificación es imposible, podríamos ser cada uno de ellos. Están desnudos y solamente podemos distinguirlos por sus características sexuales: senos pesados, huevos y penis bien visibles, o vulva aparente, algunas veces. En cada trípode, un duo, a veces un trío. Como a los acéfalos les faltan caras expresivas y tenemos que concluir a través de la postura de los cuerpos, qué relación une a esos personajes: </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">lucha o deseo?, </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">combate o sexo? </span><span style="font-family: verdana;">¿se trata de un </span><span style="font-family: verdana;">cunnilingus o de una mordedura? </span><span style="font-family: verdana;">¿aquel brazo está, estrangulando o acariciando? </span><span style="font-family: verdana;">¿aquel</span><span style="font-family: verdana;"> gesto de la mano es violento o es tierno? </span><span style="font-family: verdana;">¿Amor o Muerte? </span><span style="font-family: verdana;">¿Eros o Tánatos?</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBthY-OOTBQntu9hKFCMcgvkFgZAUf7HvQ-XK1QKOiuqhuT-4k9Kqf1ursy-hDxUAYSfYymiSS3-dry40eG3CSyLFRGlrd7Ckc96WwyZDHi3z7cIjGaqY1l9Ebzcih7wIe4_nupx6XtW9B7czt0VdZ5xwuGCFSDFU2QGd-dlXVlBhbLU2vMh-cxXCQSZK1/s717/20240312_191520.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="717" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBthY-OOTBQntu9hKFCMcgvkFgZAUf7HvQ-XK1QKOiuqhuT-4k9Kqf1ursy-hDxUAYSfYymiSS3-dry40eG3CSyLFRGlrd7Ckc96WwyZDHi3z7cIjGaqY1l9Ebzcih7wIe4_nupx6XtW9B7czt0VdZ5xwuGCFSDFU2QGd-dlXVlBhbLU2vMh-cxXCQSZK1/s16000/20240312_191520.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Vasco Araújo, Eros e Thanatos, vista de la exposición.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Aunque la técnica y los medios son diferentes de sus obras anteriores, este trabajo se sitúa bien en la línea del recorrido de <b><a href="http://vascoaraujo.org/upcoming" target="_blank">Vasco Araújo</a></b>, quien hace años que nos conduce en la exploración persistente de la ambigüedad, ya sea a través de la <a href="https://lunettesrouges1.wpcomstaging.com/2008/11/11/une-seule-voix/" target="_blank">palabra</a> circular, de la <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/01/under-volcano-vasco-araujo.html" target="_blank">metáfora</a> del volcán, del <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2019/06/vasco-araujo-un-artista-de-palabras_20.html" target="_blank">desdoblamiento</a> o del <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/05/de-la-invisibilidad-del-negro-vasco.html" target="_blank">desvío</a>. Aquí, pocas palabras, al contrario de obras precedentes: la hoja de sala remite a <a href="http://www.art-drawing.ru/gallery/category/1660-gian-lorenzo-bernini" target="_blank">Bernini,</a> el carnet de trabajo que suplanta el catálogo, hacia </span><span style="font-family: verdana;">Cesare Pavese</span><span style="font-family: verdana;"> (<i><a href="https://sysprv.com/leuco.html" target="_blank">Diálogos con </a></i></span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://sysprv.com/leuco.html" target="_blank">Leucò</a></i>) y hacia el maravilloso <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Konstant%C3%ADnos_Kav%C3%A1fis" target="_blank">Cavafy</a>, pero entendemos el pensamiento del artista en torno a la ambivalencia entre el Amor y la Muerte, inspirada por un ensayo brillante de la joven investigadora brasileña </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://periodicos.ufpb.br/index.php/letraseideias/article/view/48875/31777" target="_blank">Flávia Valéria Salviano Serpa Rojo.</a></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY4mhK6ry5BWlinbWry989RRRTUqSnGHrltgpQzbidc8mqpMSG22NnUsQ5HerEo1ix43BLb4OPylTa60fiHjzxHC0ODaLtxCdALCMY2r6e-933SxEEXHWoRGL_CaRu-ZFTlXGHxd57sTFqyjbVxyYK_x6TX33hrhJZrga6ItyWr8xBg0MSbOdxBC9ZmiPB/s1765/20240312_191558.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1765" data-original-width="1292" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY4mhK6ry5BWlinbWry989RRRTUqSnGHrltgpQzbidc8mqpMSG22NnUsQ5HerEo1ix43BLb4OPylTa60fiHjzxHC0ODaLtxCdALCMY2r6e-933SxEEXHWoRGL_CaRu-ZFTlXGHxd57sTFqyjbVxyYK_x6TX33hrhJZrga6ItyWr8xBg0MSbOdxBC9ZmiPB/w468-h640/20240312_191558.webp" width="468" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Vasco Araújo, Eros e Thanatos, vista de la exposición.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En efecto, las estatuillas evocan la pulsión de vida y el atractivo por la muerte que Freud teorizó en <i><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1s_all%C3%A1_del_principio_de_placer" target="_blank">Más allá del principio del placer</a>. </i>Y quizá su fusión en la «pequeña muerte» apreciada por <a href="https://www.planetadelibros.com/libro-las-lagrimas-de-eros/375224" target="_blank">Bataille</a>. Lo que nos remite a Bernini y a<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89xtasis_de_Santa_Teresa" target="_blank"> Santa Teresa</a> en éxtasis (por lo menos según <a href="https://e-diccionesjustine-elp.net/wp-content/uploads/2019/10/Seminario-Otra-vez-Encore.pdf" target="_blank">Lacan</a>: «Y sí: ¡qué goza, de ello no cabe duda! Y </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">de qué goza?»). </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Tendremos aquí a una Teresa acéfala? no lo creo, tampoco a la tan sensual </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89xtasis_de_la_beata_Ludovica_Albertoni" target="_blank">Ludovica Albertoni</a>. Pero podemos reconocer a<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Eneas,_Anquises_y_Ascanio_(Bernini)" target="_blank"> Eneas y Anquises</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/El_rapto_de_Proserpina" target="_blank">El rapto de Proserpina, Apolo y Dafne</a>; en cuanto a los demás, no lo sé, pero me parece que al contrario de lo que dice la hoja de sala, otros artistas inspiraron a Araújo: </span><span style="font-family: verdana;">Giambologna con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9rcules_y_el_centauro_Neso" target="_blank">Hércules y el Centauro</a>, Pollaiolo con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9rcules_y_Anteo_(Antonio_Pollaiuolo,_Bargello)" target="_blank">Hércules y Anteo</a>. Salvo Eneas, cuestiones de violación, de secuestro y de violencia. Es en el centro de arte <a href="https://appleton.pt/square-now/" target="_blank">Appleton</a> en Lisboa, hasta el 6 de abril. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSVU6rRfZ5hEawxIcuhjwjZX3d2BN8RkrCk8oW7IEgjSKCGWNMlQqn1jsh6bSyQ0CDRPUlm-l9_nwhJ8Gv0t6bJmvd64uw0EUXKoakqBGgeEH0r06FCI6cQP3vCeewbgznXDgWFBPbaRFNDxRL1QvrIrfSavfdICpHq8G8cXWZcl0-OXvb15SNK_ApFJ85/s600/20240313_124553.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="407" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSVU6rRfZ5hEawxIcuhjwjZX3d2BN8RkrCk8oW7IEgjSKCGWNMlQqn1jsh6bSyQ0CDRPUlm-l9_nwhJ8Gv0t6bJmvd64uw0EUXKoakqBGgeEH0r06FCI6cQP3vCeewbgznXDgWFBPbaRFNDxRL1QvrIrfSavfdICpHq8G8cXWZcl0-OXvb15SNK_ApFJ85/s16000/20240313_124553.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Enzo Cucchi, Mezzocane, vista de la exposición.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Coincidencia, al día siguiente, vi la exposición de otro artista inspirado por la Antigüedad, el italiano transvanguardista </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Enzo_Cucchi" target="_blank">Enzo Cucchi</a></b> (en <a href="https://www.culturgest.pt/en/whats-on/mezzo-cane/" target="_blank">Culturgest</a> hasta el 30 de junio): dibujos, lienzos grandes, y también una serie de esculturas pequeñas presentadas en muretes que toman de nuevo mitos antiguos que evocan a Pan, los ángeles, las sirenas y muchos otros, con profusión de calaveras. Un trabajo mucho más cargado, más simbólico y menos sobrio que el de Vasco Araújo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-31567874877606344882024-03-09T19:07:00.003+01:002024-03-09T19:07:51.201+01:00Ser un hombre (macho)<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">4 de marzo de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/03/04/etre-un-homme-male/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWGiViSfy_lJQkhjjcr3I2gCmvcHJ1TviZnWLl5wtLbonruCdnXhHm0V1e28FSRIifm0Yub6nii_KDWAPM0DMWu6YaG3o6PXNRr8vLMs9Zdsbl1ehtKNFt80CcZ4oT8rPN6caHesiS4m1YNhqAQXGS0iStXKZHuE-ZTJmBoIsR8N5tI1rQ77-aen1cXfAB/s600/anna-et-bernhard-blume-aus-prinzip-grausamkeit-1997-1998-galerie-christophe-gaillard-paris_brussels.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWGiViSfy_lJQkhjjcr3I2gCmvcHJ1TviZnWLl5wtLbonruCdnXhHm0V1e28FSRIifm0Yub6nii_KDWAPM0DMWu6YaG3o6PXNRr8vLMs9Zdsbl1ehtKNFt80CcZ4oT8rPN6caHesiS4m1YNhqAQXGS0iStXKZHuE-ZTJmBoIsR8N5tI1rQ77-aen1cXfAB/s16000/anna-et-bernhard-blume-aus-prinzip-grausamkeit-1997-1998-galerie-christophe-gaillard-paris_brussels.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">(Anna &) Bernhard Blume, Aus « Prinzip Grausamkeit », (Del «<a href="https://www.studocu.com/gt/document/universidad-de-san-carlos-de-guatemala/literatura/el-principio-de-crueldad-clement-rosset/75384272" target="_blank">principio de crueldad</a>») 1997/98, collage de polaroids, 43x31cm</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A través de unas cuarenta fotografías de alrededor quince artistas, la exposición </span><span style="font-family: verdana;">« <a href="https://christianberst.com/exhibitions/exhibition-335" target="_blank">Comme je me voudrais « être</a> » » - «Como me quisiera «ser»», elaborada por <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Marc_Donnadieu" target="_blank">Marc Donnadieu</a> para la <a href="https://christianberst.com/" target="_blank">galería </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://christianberst.com/" target="_blank">Christian Berst</a> (hasta el 6 de abril), cuestiona las identidades masculinas, mezcla artistas considerados «marginales» (seis) y artistas contemporáneos reconocidos. Las identidades se expresan a través de signos y códigos, algunos que se aceptan y otros (la mayoría) que transgreden. La mayoría de las fotografías que presentan son autorretratos, el narcisismo es una pulsión escópica frecuente, y sabemos hasta qué punto la auto representación es un tema de predilección tanto por razones prácticas como sicológicas. Por supuesto, es posible como «<a href="https://christianberst.com/artists/le-fetichiste" target="_blank">el Fetichista</a>» definirse no al representarse sino implícitamente, a través de sus obsesiones, proyectándolas en la imagen, pero es una excepción. Las identidades presentadas aquí son complejas, incluso atormentadas y la sexualidad está omnipresente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinRtPF8ofZoVUjtT3rM97OJqrSgX2wWT1tn1NDomAH546R7LDbFMoRevye22138CUXn2abDgNriE_8WitHgXl3jGKhav3pph-ThLJXhpMRwrcUnbRwozRyPr2OeWL_1YAN5uM4umZ2dwe4WCDTciQttKKAw_NnFuKufOL53nu7Y_2MtHhk3AXwnHP-CkDB/s772/tomasz-machcinski-sans-titre-2005-photographie-noir-et-blanc-tirage-vintage-9.1-x-7.2-cm-courtesy-de-la-galerie-christian-berst-art-brut.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="772" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinRtPF8ofZoVUjtT3rM97OJqrSgX2wWT1tn1NDomAH546R7LDbFMoRevye22138CUXn2abDgNriE_8WitHgXl3jGKhav3pph-ThLJXhpMRwrcUnbRwozRyPr2OeWL_1YAN5uM4umZ2dwe4WCDTciQttKKAw_NnFuKufOL53nu7Y_2MtHhk3AXwnHP-CkDB/s16000/tomasz-machcinski-sans-titre-2005-photographie-noir-et-blanc-tirage-vintage-9.1-x-7.2-cm-courtesy-de-la-galerie-christian-berst-art-brut.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tomasz Machcinski, S.T., 2005, positivado analógico de la época, 9.1×7.2cm</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El travestismo y/o el disfraz es un tema que está sembrado, incluso que domina toda la exposición, desde las poses triviales de <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/02/soy-amo-este-traje-mas-estetico-marcel.html" target="_blank">Marcel B</a><span><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/02/soy-amo-este-traje-mas-estetico-marcel.html" target="_blank">ascoulard</a> hasta las imágenes escandalosas de <a href="https://galeriegaillard.com/artists/14-pierre-molinier/exhibitions/" target="_blank">Pierre Molinier</a>, pasando por el travesti de los años 30 <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Barbette_(performer)" target="_blank">Barbette</a> (fotografiado por <a href="https://www.roger-viollet.fr/photographer/gaston-paris-151" target="_blank">Gaston Paris</a>) y por los disfraces multiformes de </span></span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://christianberst.com/artists/tomasz-machcinski" target="_blank">Tomasz Machcinski</a></b></span><span style="font-family: verdana;"> (<a href="https://lumieredesroses.com/expositions/zorro" target="_blank">Zorro</a>). Casi deduciríamos que es imposible definirse sin adoptar un personaje, negándose y sobrepasándose, para volverse a inventar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw7YXylurONJn3qRzjFFa4-JDH9JiPxd7EArNKkIeijnAcSg_Rt2iVavhUV-52Dy7Az75VpLhpWlV3e4KUjFvgr_4oaUNgN7VEVU2fVR2iM7wMh62m_hC5tgGewPdHcrRnW4wTUT23e_GZuYNMpuMibB9iwcTU89qmBtVH8d5Qz3YB7FmavUu-BhMeMJto/s769/lewis.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="769" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw7YXylurONJn3qRzjFFa4-JDH9JiPxd7EArNKkIeijnAcSg_Rt2iVavhUV-52Dy7Az75VpLhpWlV3e4KUjFvgr_4oaUNgN7VEVU2fVR2iM7wMh62m_hC5tgGewPdHcrRnW4wTUT23e_GZuYNMpuMibB9iwcTU89qmBtVH8d5Qz3YB7FmavUu-BhMeMJto/s16000/lewis.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Henry Lewis, Autorretrato, 1978, imagen similar a las de la exposición</span></i></span></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Con un enfoque en paralelo otros se definen escondiéndose, disimulándose, no detrás de un disfraz, sexuado o no, sino detrás de una máscara, ya sea auténtica como </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://paviotfoto.com/artistes/anna-bernhard-blume/" target="_blank">Bernhard Blume</a></b></span><span style="font-family: verdana;"> (aquí sin Anna, arriba) y el demasiado desconocido <b><a href="https://henrylewis.net.au/" target="_blank">Henry Lewis</a></b>, o imaginaria como <a href="https://christianberst.com/artists/jorge-alberto-cadi" target="_blank">Jorge Alberto Cadi</a>. Es también una manera de afirmarse y lo hacen a través de velos, máscaras, códigos más o menos accesibles. Y con frecuencia al llegar a ese estado, el cuerpo y la cara ya no son sino materia prima, una herramienta plástica despegada de la persona del artista (en ello <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2019/03/un-juego-de-55-cartas-jorge-molder.html" target="_blank">Jorge Molder</a> es maestro). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb02LwiXHQW40fziFqfkPvmDvFcZO-n8OSXMMXBOmWqQuwYmiqv2AtWehwap5RjRzNPrDeFINf1v0ONZqju-ZTQm1eMTvFRugANocuexo_Xc73uoEKSOSB8yF6QnEXUiIIrbCRrDs2CYamfIrgy6nGfwttJDtQ1e2cBxe1GMolGPxsOHLKkwVf588vR4f6/s774/pln215.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="774" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb02LwiXHQW40fziFqfkPvmDvFcZO-n8OSXMMXBOmWqQuwYmiqv2AtWehwap5RjRzNPrDeFINf1v0ONZqju-ZTQm1eMTvFRugANocuexo_Xc73uoEKSOSB8yF6QnEXUiIIrbCRrDs2CYamfIrgy6nGfwttJDtQ1e2cBxe1GMolGPxsOHLKkwVf588vR4f6/s16000/pln215.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-family: verdana; font-size: small; text-align: left;">Lubos Plný, Reconstrucción #18, 2003, positivado analógico sobre papel foto mate orilla adornada con cinta ruban Kraft, 61.5x51cm</i></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A las <i>performances</i> fotográficas de <a href="https://henrylewis.net.au/project/body-art/" target="_blank">Henry Lewis</a> les hacen eco aquellas, más radicales de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://christianberst.com/artists/lubos-plny" target="_blank">Lubos Plný</a></b>, que somete su cuerpo a operaciones físicas, como abrirse la piel de la cara y los brazos cuando se cose, </span><span style="font-family: verdana;">experiencias que</span><span style="font-family: verdana;"> documenta sistemáticamente. El dolor es para él un acto de purificación. Pero, en esa cuenta hubiéramos podido incluir a los activistas vieneses o a Orlan (si la exposición no fuera únicamente masculina, y nos habría encantado ver los fracasos de <a href="https://www.artbrut.ch/fr_CH/auteur/touilleux-bernadette" target="_blank">Bernadette Touilleux</a> o las fantasías de <a href="https://www.carlhammergallery.com/artists/lee-godie" target="_blank">Lee Godie</a>). En resumen, es un tema muy pertinente, con un ámbito sexo/género/queer interesante pero posiblemente demasiado dominante en relación con otras pistas posibles. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNsBFhgUsxUMTxdbS-CEKgNLIErvfIvh5pdhOcJz9RhnoZ6PDKNpAJLRuemEhXVcvKpqU3WrkoEW0J7wBrqeyF7e5jHLcbLD0cHCYZGS4uVcEpE-fl6Jj5DH10CkhcOVORndQYLXrZyW_2A7ds-BCjVvK_rZgJHlDGetsRacS6AZtujwU2ySldmcvbJ5l2/s600/farnood-esbati-sans-titre-circa-2020-encre-sur-papier-25-x-35-cm-courtesy-de-lartiste-et-de-la-galerie-christian-berst-art-brut.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNsBFhgUsxUMTxdbS-CEKgNLIErvfIvh5pdhOcJz9RhnoZ6PDKNpAJLRuemEhXVcvKpqU3WrkoEW0J7wBrqeyF7e5jHLcbLD0cHCYZGS4uVcEpE-fl6Jj5DH10CkhcOVORndQYLXrZyW_2A7ds-BCjVvK_rZgJHlDGetsRacS6AZtujwU2ySldmcvbJ5l2/s16000/farnood-esbati-sans-titre-circa-2020-encre-sur-papier-25-x-35-cm-courtesy-de-lartiste-et-de-la-galerie-christian-berst-art-brut.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Farnood Esbati, S.T., hacia 2020, tinta sobre papel, 25x35cm</span></i></span></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En frente, en el espacio principal de la <a href="https://christianberst.com/exhibitions/exhibition-338" target="_blank">galería</a>, los dibujos de </span><span style="font-family: verdana;"><b>Farnood Esbati,</b> iraní, autista «Asperger» tienen un dinamismo impresionante: los trazos se empujan, llevan prisa, se tambalean y de pronto construyen playas grandes blancas. Se pone uno a respirar a su ritmo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-55751987286622817592024-03-01T06:59:00.000+01:002024-03-01T06:59:02.310+01:00 We teach life, Sir.<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">27 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/27/we-teach-life-sir/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKS_9N9g3Nr9DqaoS0ANvDL98orA0WiBI1fIdBl6dezear5mmG_X1fotuNo_xpJ4TJnobuqNz4d6D0xRlC1MeOPDsjXAYsyNb3e54h54nZhOiiadgw5CXiLwsP-MPHiKlhCQ3oXXbFWjwWP3tjNB-svosvlU-yMmZYNlnWMOx_Mzfo39wWIbCnjokP1U7l/s600/20240224_175311.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKS_9N9g3Nr9DqaoS0ANvDL98orA0WiBI1fIdBl6dezear5mmG_X1fotuNo_xpJ4TJnobuqNz4d6D0xRlC1MeOPDsjXAYsyNb3e54h54nZhOiiadgw5CXiLwsP-MPHiKlhCQ3oXXbFWjwWP3tjNB-svosvlU-yMmZYNlnWMOx_Mzfo39wWIbCnjokP1U7l/s16000/20240224_175311.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Yazan Khalili, Apartheid monochromes, 2017, acrílica sobre lienzo</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Estamos en una época en la que es vital no aceptar el genocidio, el apartheid, la colonización, son tiempos en los que no resistir a la cobardía de nuestros gobernantes y no denunciar la hipocresía de los medios dominantes, siempre del lado de los poderosos, de los ocupantes, sería criminal y cómplice (hay que leer los raros y valientes revelaciones de esa hipocresía, en el <a href="https://www.monde-diplomatique.fr/2024/02/HALIMI/66560" target="_blank">Diplo</a> o en la página <a href="https://www.acrimed.org/Israel-Palestine-le-7-octobre-et-apres-1-un" target="_blank">Acrimed</a>), tiempos en los que defender, desfilar, firmar peticiones, dar dinero parecen a la vez indispensables e impotentes, tiempos en los que no hay que dejar de hablar de Palestina para por lo menos conjurar el horror. Y ¿En dónde está el lugar del arte? </span><span style="font-family: verdana;">¿Tiene que abanderarse y ponerse a la cabeza? </span><span style="font-family: verdana;">¿Los artistas deben producir obras bien claras que denuncien los crímenes? </span><span style="font-family: verdana;">¿Deben estar al «servicio de la revolución» o, en el caso, de la Resistencia? </span><span style="font-family: verdana;">¿Un arte demasiado comprometido, demasiado simplista, demasiado al servicio de una idea, por muy válida que sea, no es un arte un poco bastardo, flojo y para nada convincente? </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4ddOi-LEvXYDSF-JWpQ1x9RG9KWW5hjVB1zkfUEolprIHLb93cIKKeSZts_CbAXngC3qdQiEEDeWfwU9DUGd0njt0gnipSFLmYuNux0fDExst-i5k7zSphnBonuQ8atx1y9pSYeDuwCwp8EIGBShrkmM_r9IyrIr8GVmgkddJcJBsvGsfrIze1Jff4n77/s600/47_img_4954w.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="448" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4ddOi-LEvXYDSF-JWpQ1x9RG9KWW5hjVB1zkfUEolprIHLb93cIKKeSZts_CbAXngC3qdQiEEDeWfwU9DUGd0njt0gnipSFLmYuNux0fDExst-i5k7zSphnBonuQ8atx1y9pSYeDuwCwp8EIGBShrkmM_r9IyrIr8GVmgkddJcJBsvGsfrIze1Jff4n77/s16000/47_img_4954w.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Yazan Khalili, de la serie Cracks Remind me of Roadkills, 2014, diapositiva</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Son las preguntas que se hace una <a href="https://www.ciajg.pt/detail-eventos/20240224-terra-estreita/" target="_blank">exposición</a> (hasta el 28 de abril) en el norte de Portugal, en Guimarães (ciudad emblemática de la fundación del país) inspirada por el poema de <a href="https://www.festivaldepoesiademedellin.org/es/Diario/poemas_darwish.html" target="_blank">Mahmus Darwich</a> «La tierra se estrecha para nosotros». La exposición fue organizada con el patrocinio del colectivo </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.unground.pt/uncommon-ground/" target="_blank">Uncommon Ground</a>, que ya expuso el <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/12/el-regimen-israeli-de-ocupacion-archivo.html" target="_blank">archivo de </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/12/el-regimen-israeli-de-ocupacion-archivo.html" target="_blank">Ariella Aïsha Azoulay </a>y montó esta otra <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/02/palestina-alfombras-limones-ocupacion.html" target="_blank">exposición </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/02/palestina-alfombras-limones-ocupacion.html" target="_blank">sobre Palestina</a>. Bastante documentación, libros, mapas, testimonios, y, el día de la inauguración, una larga charla con la destacada periodista <a href="https://www.publico.pt/2024/02/24/mundo/opiniao/fim-israel-palestina-estado-2081492" target="_blank">Alexandra Lucas Coelho</a>, cuya calidad de reportajes sobre Palestina es incomparable (muy por encima de los de Le Monde...). Pero ante todo reúne a seis artistas palestinos, uno japonés y uno francés; sus obras datan, claro, de antes de la guerra actual, pero no pierden nada de la fuerza y la pertinencia. Para ellos, la manera de evitar la obligación de un arte demasiado comprometido al tiempo que siguen siendo pertinentes y objetivos, pasa a través de la ironía y el desvío. Cómo mostrar cosas sencillas pero portadoras de tal carga crítica que se vuelvan radicales y explosivas. Son artistas que hablan del apartheid, del exilio, de la esperanza (aunque parezca imposible), de la historia de la depuración y de la resistencia resiliente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXIrQ5xGs0RNmwOdSVcKL-hR7xtRDj1Ha8uOPg7GCAGFmuv53Dkx-jdhIhF8dXrvtklIisXgxxe3-z8g9xX8eeGTeYpfm7ZQRjEom7dGuwO7euT3g9_WJI6mDUBjLYmjvj_DQi9db-1asHVUB65d7xSSRTawSjtd2sBKYBM-nnP2IPVF4gT1oSjSt22Lli/s600/20240224_174403.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="323" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXIrQ5xGs0RNmwOdSVcKL-hR7xtRDj1Ha8uOPg7GCAGFmuv53Dkx-jdhIhF8dXrvtklIisXgxxe3-z8g9xX8eeGTeYpfm7ZQRjEom7dGuwO7euT3g9_WJI6mDUBjLYmjvj_DQi9db-1asHVUB65d7xSSRTawSjtd2sBKYBM-nnP2IPVF4gT1oSjSt22Lli/s16000/20240224_174403.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Taysir Batniji, S.T., 1998-2021, maleta y arena</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="http://www.yazankhalili.com/" target="_blank">Yazan Khalili</a></b> (en la parte superior) no muestra sino seis placas monocromas, una obra que parecería a priori bastante lejos de esta realidad. Se trata de los colores de los documentos de identidad a los que los palestinos tienen derecho y que son emitidos por las autoridades de ocupación. Los colores son en función del lugar de nacimiento, de residencia y de su situación: un sistema arbitrario de clasificación y control para impedirles la libre circulación y un acceso igualitario a los servicios públicos. Seis paneles monocromos para nombrar el apartheid: una evidencia. Aquí arriba, una maleta llena de arena: con una economía de medios increíble, </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.taysirbatniji.com/" target="_blank">Taysir Batniji</a></b> nombra el exilio. No hay necesidad de frases grandilocuentes, únicamente este objeto sencillo: «Mi patria es una maleta». <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/exilio-y-mediacion-cuadriculas-y.html" target="_blank">Él</a>, que no puede volver a Gaza desde hace años, <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/03/taysir-batniji-borrados-desgarrados.html" target="_blank">él</a>, que perdió a una parte de su <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2018/08/el-exilio-de-los-batniji-arles-1.html" target="_blank">familia</a> asesinada recién por las bombas, es siempre de lo más moderado en su expresión, uno de los maestros del desvío (su serie de <a href="https://www.taysirbatniji.com/project/gh0809-2010/" target="_blank">anuncios inmobiliarios de casas bombardeadas </a>no está aquí pero sí está presente en nuestra mente, claro); también muestra discretamente, lo que es (o mas bien lo que era) la vida cotidiana en Gaza, con su video «<a href="https://www.taysirbatniji.com/project/gaza-diary-2001/" target="_blank">Diario de Gaza</a>» y con sus fotografías (tan conocidas) de los «<a href="https://www.taysirbatniji.com/project/fathers-2006-2/" target="_blank">padres</a>» en sus tiendas. Acaba de publicar este libro,<i> </i></span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://loosejoints.biz/products/disruptions" target="_blank">Disruptions</a></i>, imágenes del impedimento, de la traba impuesta por la ocupación a la comunicación íntima y familiar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcZKjGbG8-rrLljHx_-WPy9kYQsGZztWAGzmtlOBYYkdT81_tMkouNEXq_k5VFdELyoH1aBqt3pVD9VWdpJ4fw8QC9GKVTAOp_hiMmaQmA9dQKmP45s4SwG_slApuC2TpmSApLWi_OoOLs4PtLbUPcqN-3iQXo59bJ9BD1rI4QgYWDPgUDQv5PzQ-wpUdz/s600/02-jerusalem-floor-magprint.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcZKjGbG8-rrLljHx_-WPy9kYQsGZztWAGzmtlOBYYkdT81_tMkouNEXq_k5VFdELyoH1aBqt3pVD9VWdpJ4fw8QC9GKVTAOp_hiMmaQmA9dQKmP45s4SwG_slApuC2TpmSApLWi_OoOLs4PtLbUPcqN-3iQXo59bJ9BD1rI4QgYWDPgUDQv5PzQ-wpUdz/s16000/02-jerusalem-floor-magprint.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Larissa Sansour, Nation Estate, 2012, film</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Ironía y desvío es también el propósito de la película de ciencia ficción de <b><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Larissa_Sansour" target="_blank">Larissa Sansour</a></b>, </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Nation_Estate" target="_blank">Nation Estate</a> </i>(recuerdo la <a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2011/12/20/pour-mon-amie-larissa-sansour-qui-vient-detre-censuree-et-exclue-par-lacoste-du-prix-lacoste-elysee/" target="_blank">censura de Lacoste </a>en el Museo del Elysée...): el estado de Palestina existe al fin pero no es sino un rascacielos rodeado de colonias, en el que vive todo el pueblo palestino, cada ciudad en un piso (Jerusalén en el 13, Ramallah en el 14, Belén en el 21). Todo es modernísimo y de diseño, bajo un sistema de control de identidad y de comportamiento permanentes. Y por las ventanas se ve </span><span style="font-family: verdana;">Al-Aqsa a lo lejos, inaccesible. Nos dice la esperanza imposible. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8M1U0mxlAb168PKgOZmx8qHyOnvZmpWvEAK1afU6r5fmOsFirttXS3yk4ExC01xE3wXPIUDLd9m9a9RNIcvXSNeijDvDo9OmMIvsaih9o1t69sHgR8in9r3rqpxviEYY3gyHsNZC1ql9wv2Sf6vpgWi2DuqStwgoIfcsoXRf1i2EMWfaaORQfJHc7V0ry/s602/20240224_184722.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="602" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8M1U0mxlAb168PKgOZmx8qHyOnvZmpWvEAK1afU6r5fmOsFirttXS3yk4ExC01xE3wXPIUDLd9m9a9RNIcvXSNeijDvDo9OmMIvsaih9o1t69sHgR8in9r3rqpxviEYY3gyHsNZC1ql9wv2Sf6vpgWi2DuqStwgoIfcsoXRf1i2EMWfaaORQfJHc7V0ry/s16000/20240224_184722.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bisan Abu Eisheh, Playing House / Bayt Byoot, 2008-2011, objetos y mapas, <a href="https://www.ccb.pt/macccb/colecao-teixeira-de-freitas/" target="_blank">col. Teixeira de Freitas</a></span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Los objetos también hablan de ocupación. </span><span style="font-family: verdana;">Taysir Batniji reunió <a href="https://www.taysirbatniji.com/project/man-does-not-live-on-bread-alone-2-2012-2013/" target="_blank">jabones</a> en los que gravó <a href="https://www.taysirbatniji.com/wp-content/uploads/2017/03/5_-English-version_IMG_0025-1-830x502.jpg" target="_blank">una frase</a> de la declaración de los derechos del hombre. </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.cairn.info/revue-multitudes-2004-1-page-191.htm" target="_blank">Jean-Luc Moulène</a> fotografió algunos objetos palestinos. </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://qantara.de/en/article/documenta-15-and-anti-semitism-yazan-khalili-%E2%80%93-artist-misunderstood" target="_blank"><b>Yazan Khalili</b></a>, mirando el suelo observó unas grietas en el asfalto o la piedra que se parecen al mapa de Palestina, desde el río hasta el mar (arriba). </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://cream.ac.uk/people/bisan-abu-eisheh/" target="_blank">Bisan Abu Eisheh</a></b> hizo un trabajo de arqueólogo: bajo la ocupación la arqueología es puesta al servicio del sionismo para construir una ficción que justifique la colonización. En cuanto a </span><span style="font-family: verdana;">Abu Eisheh, él hace la arqueología de la Nakba, las casas palestinas destruidas constantemente por las autoridades ocupantes, para robar más y más tierra; estudia los vestigios y los expone en vitrinas de museo. He aquí las piedras y baldosas procedentes de las casas demolidas junto a su ubicación: entran al museo, nadie podrá decir «yo no sabía». Él dice la historia, la de la depuración étnica. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb7onnE8JoM7MeYWMJdxw5O7r6MQNIlnlmzhc8G4yiq7DN0nkKs75PsdG3SH4ldaXfcpKOYqU3LIm7AzNJjNY53mI-DktRc0ajoMM91-ZAkGvAzYujexx1a-RrB2Tcod9OBMH-lpGj1ZuZtpL7hchxQ92YE9KIDcD2-WTQBo-KDwjbxkW8634zDIB152ni/s600/jacir.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="453" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb7onnE8JoM7MeYWMJdxw5O7r6MQNIlnlmzhc8G4yiq7DN0nkKs75PsdG3SH4ldaXfcpKOYqU3LIm7AzNJjNY53mI-DktRc0ajoMM91-ZAkGvAzYujexx1a-RrB2Tcod9OBMH-lpGj1ZuZtpL7hchxQ92YE9KIDcD2-WTQBo-KDwjbxkW8634zDIB152ni/s16000/jacir.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Emily Jacir, de la serie Where We Came From, 201-03, textos y fotos, col. Teixeira de Freitas</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Si los <a href="https://www.benjiboyadgian.com/variations-on-a-map" target="_blank">mapas</a> de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.benjiboyadgian.com/" target="_blank">Benji Boyadgian</a></span><span style="font-family: verdana;"> y las fotografías de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.aljazeera.com/news/2016/5/22/ryuichi-hirokawa-from-kibbutz-to-gaza" target="_blank">Ryuichi Hirokawa</a> son más documentales, lo que podemos llamar la <i>performance</i> de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Emily_Jacir" target="_blank">Emily Jacir</a></b> nos recuerda también que nadie puede ser indiferente: en 2001-2003, Jacir, que puede circular libremente gracias a un pasaporte extranjero, cumple (o intenta cumplir) los anhelos de los palestinos cuyos desplazamientos son limitados (ya sean los exiliados que no pueden volver, los cisjordanos o gazatíes que no pueden desplazarse libremente), y ellos le transmiten un deseo: a muchos les gustaría una foto de la casa de la que sus padres o abuelos fueron expulsados en el momento de la depuración étnica de 1948, con el ruego de que les transmita una carta a los ocupantes; otros le piden simplemente que riegue un árbol que recuerdan, o que encuentre primos que no volvieron a ver. Ella nombra la resiliencia, la resistencia, el <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Sumud" target="_blank">sumud</a>. El deseo aquí, más poético, le pedía a Jacir que fuera a la orilla del mar al atardecer </span><span style="font-family: verdana;">a encender una vela</span><span style="font-family: verdana;">. Nada puede representar mejor la réplica de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://blissonature.wordpress.com/2011/11/17/rafeef-ziadah-we-teach-life-sir-text-transcription-lyrics-words-of-poem/" target="_blank">Rafeef Ziadah</a>: </span><span style="font-family: verdana;">« We teach life, Sir ».</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-31098120838951816812024-02-27T08:55:00.001+01:002024-02-27T08:55:58.025+01:00 Cruz-Filipe : cuestiones de lo real<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">26 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/26/cruz-filipe-questions-du-reel/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3g_aYOJt-ZhePTEgel4Pt_ntCm_BSVcgeGTu0WWtGYxVmVJix17-U2zJ4CM6UT8HDpwNW9DLqlJUjG6QKeeuSAx_Ly4hfLvK3KbTfB55BT86-S_qlUtgXcenEkLgVAi0Ac0wbgvLNAmDACIDiUzQWPBww-oAf7yu66x-Ru4zWudpGbXOFxHKdANtpxEfn/s600/69_24590_cruz-filipe_17p1828.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="407" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3g_aYOJt-ZhePTEgel4Pt_ntCm_BSVcgeGTu0WWtGYxVmVJix17-U2zJ4CM6UT8HDpwNW9DLqlJUjG6QKeeuSAx_Ly4hfLvK3KbTfB55BT86-S_qlUtgXcenEkLgVAi0Ac0wbgvLNAmDACIDiUzQWPBww-oAf7yu66x-Ru4zWudpGbXOFxHKdANtpxEfn/s16000/69_24590_cruz-filipe_17p1828.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Cuestiones de lo real, 1976, 117x172cm, col. CAM Gulbenkian</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Se piensan pintores, se piensan fotógrafos: fue una exposición en el <a href="https://www.parismuseescollections.paris.fr/fr/ressources-bibliographiques/ils-se-disent-peintres-ils-se-disent-photographes-exposition-presentee#infos-principales" target="_blank">ARC (</a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.parismuseescollections.paris.fr/fr/ressources-bibliographiques/ils-se-disent-peintres-ils-se-disent-photographes-exposition-presentee#infos-principales" target="_blank">MAMVP)</a> en 1981. Y los vínculos entre fotografía y pintura datan de la invención misma de la fotografía. Entre los pintores que se volvieron fotógrafos, con frecuencia por falta de talento, y las fotografías para pintores de Atget, el diálogo ha sido constante entre las dos artes, o mejor, entre el gran arte que era la pintura y el arte menor de la fotografía «humilde servidora de las artes», como decía Baudelaire; y la obra de referencia sobre ese diálogo es sin duda la de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://editions.flammarion.com/peinture-et-photographie/9782081486324" target="_blank">Dominique de Font-Réaulx</a>, hasta 1914. Si en nuestros días sigue habiendo diálogo, adquiere una dimensión nueva con </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://whatart33.blogspot.com/2012/08/richter.html" target="_blank">Gerhard Richter</a>, naturalmente, y también con otros artistas que combinan los dos medios, no como simple reproducción sino de manera creativa. Es el caso por ejemplo de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.lizziecalligas.com/442606319.html?" target="_blank">Lizzie Calligas</a> (celebrada por <a href="https://www.flusserstudies.net/sites/www.flusserstudies.net/files/media/images/2-calligas.jpg" target="_blank">Vilém Flusser</a>), y, lo descubro con el artista portugués <b><a href="https://pt.wikipedia.org/wiki/Cruz-Filipe" target="_blank">Cruz-Filipe</a></b> (nacido en 1934), que exponen en la <a href="https://gulbenkian.pt/agenda/cruz-filipe-modo-de-ver/" target="_blank">Fundación Gulbenkian</a> (hasta el 15 de abril). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNPeLklgGMTF2qnkEYEsH7X_n-dg70aoCMWGuqaOnxcOmVpAfyQVE6z8VtYjmxIRUiE4nTNtfC69Fg0efaks_V1vCG1pONjSPaniBiysHBpcL1XvqkbdKLontKG2llRh9xkgwghxhJuPToQxfLOv2g52vcbqA0vEAOQ-TcIA3YUg1hqIttQ2jRVUjidN76/s600/10964.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="405" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNPeLklgGMTF2qnkEYEsH7X_n-dg70aoCMWGuqaOnxcOmVpAfyQVE6z8VtYjmxIRUiE4nTNtfC69Fg0efaks_V1vCG1pONjSPaniBiysHBpcL1XvqkbdKLontKG2llRh9xkgwghxhJuPToQxfLOv2g52vcbqA0vEAOQ-TcIA3YUg1hqIttQ2jRVUjidN76/s16000/10964.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, A medida comun das mais humildes coisas (La medida común de las cosas más humildes), 1972, 95x141cm, col. CAM Gulbenkian</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El artista proyecta fotografías en lienzos foto sensibilizados que después pinta. Sus obras más antiguas con fotografías en blanco y negro, como pegadas en los cuadros recuerdan a maestros antiguos, italianos o flamencos y con frecuencia expresan con fuerza el contraste entre las dos artes, los dos medios. Así, de un bodegón con gaita, botella y jarra (sobre el cual parece que flotara un fuego fatuo) emerge el rostro pensativo y sensual de una joven con la piel cubierta de gotas finas de agua, como una alegoría, un </span><span style="font-family: verdana;">sutil </span><span style="font-family: verdana;">memento mori. Una ventana en el interior del cuadro, una fotografía de su taller visto a través de la ventana cerrada (arriba) superpuesta en un bodegón con instrumentos de música, es como un juego de ecos, una puesta en abismo, metáfora de su arte: cuestiones de lo real, en efecto. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgJ61-GN8F6moUIrZ_yLpt4kcX-LTY_aPSu96Z-jkgbeUaXnAi0IVSAWN0CFwaB8qzmzOjB47IjvPjOXb_6woOA3-grUPDDvhD7gJp3W6cnQPKFLM3vV7sq71RfZM4kDwujsJEgRCymwvOl2Yt3vAMdJtD_EGTCfl3fgbX2tTholqvkAtwvCyBYvg2hJz9/s800/74_24592_cruz-filipe_17p1830.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="599" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgJ61-GN8F6moUIrZ_yLpt4kcX-LTY_aPSu96Z-jkgbeUaXnAi0IVSAWN0CFwaB8qzmzOjB47IjvPjOXb_6woOA3-grUPDDvhD7gJp3W6cnQPKFLM3vV7sq71RfZM4kDwujsJEgRCymwvOl2Yt3vAMdJtD_EGTCfl3fgbX2tTholqvkAtwvCyBYvg2hJz9/s16000/74_24592_cruz-filipe_17p1830.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Orden de las visibilidades, 1988, 56x43cm, col. CAM Gulbenkian</span></i></span></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Luego pasamos a motivos más complejos en los cuales la imagen fotográfica, una vez proyectada y repintada, llega a interactuar con las formas mismas de la pintura. Entonces aparecen cuerpos, rostros y con frecuencia manos. Son las manos las que ritman las composiciones, por ejemplo en esta obra, inspirada quizás en <a href="https://hotelkafka.com/blogs/Escher/uploaded_images/Parmigianino_Selfportrait-736895.jpg" target="_blank">Parmigianino</a>, y en la cual las manos resbalan, acarician, designan y construyen una ilusión que, a través de <i>Orden de las visibilidades,</i> </span><span style="font-family: verdana;">1988, 56x43cm, col. CAM Gulbenkian</span><span style="font-family: verdana;">, linda con ciertas incongruencias visuales del surrealismo (Magritte, por ejemplo). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi11xiTTdf_3KuU3fCXWaA5JOWx82LJxXP1ZBoXfbr8pA5VV7rO56AWhsdezOB2G8bH4FbnJsMkQIoPJJ5leU07B8EbwK0m8l9XA1B0-jMc4JTIAYqxSu4WnKLYePzvks2Pvxdt0dZbnvjXK3oKRYnbguSLJIvFv8ZjCGaWxWMrrMdjnUYu1ZLWT8_IFwM1/s804/20240222_114717.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="804" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi11xiTTdf_3KuU3fCXWaA5JOWx82LJxXP1ZBoXfbr8pA5VV7rO56AWhsdezOB2G8bH4FbnJsMkQIoPJJ5leU07B8EbwK0m8l9XA1B0-jMc4JTIAYqxSu4WnKLYePzvks2Pvxdt0dZbnvjXK3oKRYnbguSLJIvFv8ZjCGaWxWMrrMdjnUYu1ZLWT8_IFwM1/s16000/20240222_114717.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Teatro dos sentidos (Teatro de los sentidos), 1991, 91x67cm, col. part.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Manos y cuerpos femeninos se encuentran. Si una mujer formal mira un Vermeer, otra más audaz, rodeada de manos y pies masculinos, parece fundirse en los brazos de un caballero del Renacimiento. Cada uno de esos lienzos nos dice que hurguemos en nuestra memoria visual para que busquemos en qué cuadro vimos aquel jubón, aquel corpiño, aquel pie o esta mano, y también nos hace vibrar al unísono de las confrontaciones visuales e intenta contarnos una historia de amor, sexo, violencia. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2PhXqpeVVTGWfi16vUDuFRbwbSIInH6siVnzdhTIHYnA_iIeiWi9Rov_1VC7avJzDuKI_ANIfjCoA_mQ3DVBTYucQp1EBSzBdWC02FLOFwNyIJ_HByKXeS8sVHUqwq_E9E0ubTQ0gjdBhPI0Ag1TQA73HpSplVE7uRM7xhLJhaFOm1FaHmUA_nk4LiWAZ/s600/20240222_114819.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="414" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2PhXqpeVVTGWfi16vUDuFRbwbSIInH6siVnzdhTIHYnA_iIeiWi9Rov_1VC7avJzDuKI_ANIfjCoA_mQ3DVBTYucQp1EBSzBdWC02FLOFwNyIJ_HByKXeS8sVHUqwq_E9E0ubTQ0gjdBhPI0Ag1TQA73HpSplVE7uRM7xhLJhaFOm1FaHmUA_nk4LiWAZ/s16000/20240222_114819.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Meditaciones sobre la inquietud, 2004, 102x145cm, col. Maria do Céu Soares Machado</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Unas áreas verticales enmarcan un cuerpo de mujer, primero desnuda y arrodillada, luego vestida con suntuosidad. Todo intento de narración sería en vano: ¿se estará escapando de la imperiosa mano masculina? </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">O se tratará de una transformación, una sublimación? Cada uno de esos cuadros es un refugio de fantasmas. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwT6eEJduWlz1tZl2e7Xjaa0fV02Ox_gVbWJ7PsgLkSFdeV_KcBgfuqj6pfQaSnxX_Yl1Z4z_GiIpZvIhIL3ML7Z85ZXAUUmPmZ5OH61SXY9rOLjTLPeNKVqt2kSWzLR0TGcM6qcKjQxB0lxGj5Iqv0xXR6af1aK8ZeLIbDaVL9U-UBdNOZg8K3P6GB0gY/s600/20240222_114856.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwT6eEJduWlz1tZl2e7Xjaa0fV02Ox_gVbWJ7PsgLkSFdeV_KcBgfuqj6pfQaSnxX_Yl1Z4z_GiIpZvIhIL3ML7Z85ZXAUUmPmZ5OH61SXY9rOLjTLPeNKVqt2kSWzLR0TGcM6qcKjQxB0lxGj5Iqv0xXR6af1aK8ZeLIbDaVL9U-UBdNOZg8K3P6GB0gY/s16000/20240222_114856.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Otro sueño, 1977, 75x117cm, col. del artista</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Qué decir de esta mano que soba sin dulzura un seno que adivinamos reticente mientras que a la izquierda la manga de un traje suntuoso se apoya indolente? </span><span style="font-family: verdana;">¿Quiénes son esos hombres? </span><span style="font-family: verdana;">¿Qué los une?</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIrohmVt3osCVsTTrgrFv9A4qX-ZQ3aEyb4NWPc81EvGoFZrX1z5Pi93dBwJ816QAkwUTU7ujDSFr2D9SuXJkKTJS5IIOBxRKdkbRa408H5-FwS6qaWqd3qKK56jcye54B6v-NmoFFbFlkBZPieTCvIEqQRLfR9R7cDvr1OX8GtHbdTBia64W6zB0kDPMR/s799/20240222_115312.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="799" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIrohmVt3osCVsTTrgrFv9A4qX-ZQ3aEyb4NWPc81EvGoFZrX1z5Pi93dBwJ816QAkwUTU7ujDSFr2D9SuXJkKTJS5IIOBxRKdkbRa408H5-FwS6qaWqd3qKK56jcye54B6v-NmoFFbFlkBZPieTCvIEqQRLfR9R7cDvr1OX8GtHbdTBia64W6zB0kDPMR/s16000/20240222_115312.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, La extranjera, 1997, 146x114cm, col. Fernando Saavedra</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y esta mujer fragmentada, cara y cuello, seno, y un hombro del que no percibimos la articulación y apenas las manos, abajo: mujer descompuesta que se ve a través de una reja, una máscara, que surge de lo oscuro ante los ojos del voyeur. <span> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhir_PUKZPVJEmThv99EQLFlAY752aheX-mgf_zTamNdU-qODevT4PRulg9029duEZzgpw1W7NzNhrYGojiROuvWf-t7tv5C65ztQgjr2_61pP4P550XBi2Da1xckosHR5RWlJUkWSiim-_tS9Am6douMtIXOv08jTyJLm6hhOJ84_HbvBLNepy6_n7NRX9/s795/20240222_115140.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="795" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhir_PUKZPVJEmThv99EQLFlAY752aheX-mgf_zTamNdU-qODevT4PRulg9029duEZzgpw1W7NzNhrYGojiROuvWf-t7tv5C65ztQgjr2_61pP4P550XBi2Da1xckosHR5RWlJUkWSiim-_tS9Am6douMtIXOv08jTyJLm6hhOJ84_HbvBLNepy6_n7NRX9/s16000/20240222_115140.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Punto culminante, 1994, 148x110cm, col. CGD</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A veces el negro ocupa todo el lienzo, o casi, y aquí solamente vemos dos manos, unas manos masculinas, manos poderosas bajo un cielo atormentado. Cruz-Filipe construye así un universo fantasmagórico, onírico, inquietante: sus fantasmas toman cuerpo en figuras antiguas, vestidas de oropeles de la historia del arte para venir a asediar </span><span style="font-family: verdana;">mejor</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">los espíritus y prevenir el olvido. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifN6nhHfQlHHYh26_UlOvI1q7ZxNBoXbr2RZHze4MRj-Y4eJSxQa6ch1QI0vbn4RnMYZb5z9eH8WOT68GEPlwU6xGGRXIvioM5cfJAIZ4pDCWY7uQ-3BAQuwy_OdmLft4ZMc_2JxPr33pSapzeOKGDsVHc3G3e9U5u2dQ876Sp9AYf4e-7VfFfE6t0jzgu/s600/10842.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifN6nhHfQlHHYh26_UlOvI1q7ZxNBoXbr2RZHze4MRj-Y4eJSxQa6ch1QI0vbn4RnMYZb5z9eH8WOT68GEPlwU6xGGRXIvioM5cfJAIZ4pDCWY7uQ-3BAQuwy_OdmLft4ZMc_2JxPr33pSapzeOKGDsVHc3G3e9U5u2dQ876Sp9AYf4e-7VfFfE6t0jzgu/s16000/10842.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, O espelho (El espejo), 1984, 36x28cm, col. CAM Gulbenkian</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La otra parte de su trabajo que muestran en la exposición (26 de los 57 lienzos) sigue mezclando pintura y fotografía (pero esta vez imprime en el lienzo fotos digitales) con motivos de paisajes, algunos son el fruto de viajes en el Ártico y en África, otros salen de su imaginación. Formalmente es un trabajo más acabado, pero sin la carga psíquica de sus retratos, con menos emoción y sensualidad, me parece. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbQp__V_rkicBNlpggUksZ1j3gaRds6jCo6xDJxnT-fiksPAsDwfqL8xE__HcAEEhAj2lD4AO-BTrLF9U8DEI8oelXCRAriec9XA4ld8o3Afw7oSoHeSZ1rD3PIaTN0E-S-m_PTh-FfqVo2lsyQw3sYr09LGL6DgtFgUhODzb7LY45wVfomioJcfgQaZMm/s867/20240222_115048.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="867" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbQp__V_rkicBNlpggUksZ1j3gaRds6jCo6xDJxnT-fiksPAsDwfqL8xE__HcAEEhAj2lD4AO-BTrLF9U8DEI8oelXCRAriec9XA4ld8o3Afw7oSoHeSZ1rD3PIaTN0E-S-m_PTh-FfqVo2lsyQw3sYr09LGL6DgtFgUhODzb7LY45wVfomioJcfgQaZMm/s16000/20240222_115048.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Cruz-Filipe, Transparência (Transparencia), 2018, 145x102cm, col. del artista</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Pero somos sensibles a la dimensión romántica de sus pinturas-paisajes y a la búsqueda de lo sublime, a la luz atmosférica de algunos lienzos. Coquetea más fácilmente con la abstracción al despegarse del motivo para construir formas minerales, marinas o nubes ilimitadas, en donde se es incapaz de reconocer cualquier realidad. El resultado de un proceso a través de cuatro siglos de historia del arte. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Bonito catálogo (solamente en portugués), recibido en servicio de prensa</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-6710055178677284492024-02-22T20:03:00.002+01:002024-02-22T20:03:46.419+01:00¿Es el mundo un refugio? (Valérie Jouve)<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">21 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/21/le-monde-est-il-un-abri-valerie-jouve/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaUivYiZZTBukvPoMIUY6qJS2HMgixmqrQo3FbfEtctG-hILOGp0s_hnVsA81I4URrHLnEDBsMBlET0d-D6aNxzVQfmabJiamHLMELuiS25HItnmzZnMUAwD_QYKLSaFiVT2-TXYFAXRn0s48a381Rsz73S_cCXf7Q2Dx8eyDGaRpq5xeDja4aYjiwwstb/s600/117296-sans_titre_les_fac_ades_2020-2023_sans_titre_les_personnages_avec_abu_hassan_2009_adagp_paris_2024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="341" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaUivYiZZTBukvPoMIUY6qJS2HMgixmqrQo3FbfEtctG-hILOGp0s_hnVsA81I4URrHLnEDBsMBlET0d-D6aNxzVQfmabJiamHLMELuiS25HItnmzZnMUAwD_QYKLSaFiVT2-TXYFAXRn0s48a381Rsz73S_cCXf7Q2Dx8eyDGaRpq5xeDja4aYjiwwstb/s16000/117296-sans_titre_les_fac_ades_2020-2023_sans_titre_les_personnages_avec_abu_hassan_2009_adagp_paris_2024.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Valérie Jouve, S.T. (Las Fachadas), 2021 & S.T. (Los Personajes con Abu Hassan), 2014, impresiones chorro de tinta </span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En su exposición en el </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.cpif.net/fr/programme/valerie-jouve-monde-abri" target="_blank">CPIF</a></span><span style="font-family: verdana;"> (hasta el 14 de abril), <b><a href="http://www.valeriejouve.com/" target="_blank">Valérie Jouve</a></b> afirma y no interroga como yo en el título. De dolmenes inspirados a conjuntos de edificios, de casas palestinas a una finca velavia, de muros de concreto o metal a rocas en bruto, del campo a la ciudad, Valérie Jouve compone con armonía en dos <a href="https://www.cpif.net/fr/programme/valerie-jouve-monde-abri" target="_blank">paredes paralelas</a>, un montaje sinfónico de refugios posibles que completan y acompañan unos árboles, flores, e incluso, una novedad en su trabajo, tres cielos atormentados. Combina sabiamente desde la imagen en la entrada y a lo largo de toda la <a href="https://www.cpif.net/media/cpif/117296-dp_jouve.pdf" target="_blank">exposición</a>, lo roto y lo liso, lo mate y lo brillante, lo pulido reciente con lo rugoso antiguo; toda una enciclopedia de formas y texturas desde la prehistoria del Aveyron y la antigüedad omeya hasta las barras de edificios de nuestros tristes alrededores. De una pared a la otra como en una partitura, las imágenes se responden, se crean correspondencias y complicidades, se construye un espacio mental y emocional con una fluidez sofisticada, sin cronología ni clasificación. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuPeIwiqv6dqyINR6epERgoDjkARYi-mt_p5XucDRu0cb5KTgjDPFYlAH-aOgvegpX2-A1ZMTaLxxB2MDV69Zm1vAV8gonIQ7R3AWsRAPQBHXW2qqNEXqkts2MObeU9fk5vhH5nVipZ-MA1F0kq1ij423S6WrgY7irbYdTX8rs8-8F55qkw2EaTFFV7obJ/s600/bis.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="560" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuPeIwiqv6dqyINR6epERgoDjkARYi-mt_p5XucDRu0cb5KTgjDPFYlAH-aOgvegpX2-A1ZMTaLxxB2MDV69Zm1vAV8gonIQ7R3AWsRAPQBHXW2qqNEXqkts2MObeU9fk5vhH5nVipZ-MA1F0kq1ij423S6WrgY7irbYdTX8rs8-8F55qkw2EaTFFV7obJ/s16000/bis.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Valérie Jouve, S.T. (Las Ruinas), 2014 & S.T. (Las Arquitecturas – Las Ruinas), 2011, C-prints</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">¿Estaremos protegidos? De la lluvia y el viento, quizás, pero ¿</span><span style="font-family: verdana;">y de la violencia? </span><span style="font-family: verdana;">¿de la guerra y la destrucción? Tres personajes teatralizados, dos mujeres y una jovencita parecen humanizar el paisaje, surgen en medio de lo mineral y miran a lo lejos. Pero nuestra mirada es atraída hacia el fondo de la sala, allí se superponen dos fotografías (arriba): la más grande es una fachada con ritmo de edificio modernista, tal vez <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Patrimonio_de_Le_Corbusier_de_Firminy-Vert" target="_blank">Le Corbusier </a>en la ciudad natal de la artista; pegada encima y ocultando una parte, un hombre de brazos cruzados, mirada dura, frente deformada y que nos mira fijamente. Lo llaman Abu Hassan, padre de Hassan, como acostrumbran en la región (el autor de estas líneas fue llamado Abu Skandar, padre de Alejandro). Es palestino al igual que el <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Khirbat_al-Mafjar" target="_blank">Palacio de Hisham</a> (aquí arriba), una ruina majestuosa dominada al fondo por una estación radar del ejercito de ocupación (fotografía yuxtapuesta aquí a uno de nuestros edificios destripados que desvela los colores vivos de sus intimidades), también son palestinas las puertas de las casas cuyas imágenes, en viñetas, acompañan otras fotografías de construcciones grandes. ¿Estará protegido actualmente Abu Hassan? </span><span style="font-family: verdana;">¿Estará</span><span style="font-family: verdana;"> en lugar seguro? Su mirada y postura nos dicen su resistencia, su </span><span style="font-family: verdana;">«<a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Khirbat_al-Mafjar" target="_blank">soumoud</a>»</span><span style="font-family: verdana;"> como dicen allá, la capacidad para seguir contra viento y marea. Y de repente la actualidad del genocidio hace que la exposición se llene de emoción, de tragedia, de rabia; y podemos llorar, sin tapujos. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDcuTR2F61EAowcfsgaccj0OsYRzP977JeiEzv6J65yULTam7revaGof3cC-zx4IA4fsKHrXKLdUAhXzk0hBMGHSTKW-U8fTxxrf-BH5eAcWs6n6dut9Rb4RHTmlHtqgG7EWbqZ6yhd8ctEoTcVZvnnuSwwq9qF3JA21CDVegHKICACP8ovgDg6L5KjfE5/s600/20240209_121357.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDcuTR2F61EAowcfsgaccj0OsYRzP977JeiEzv6J65yULTam7revaGof3cC-zx4IA4fsKHrXKLdUAhXzk0hBMGHSTKW-U8fTxxrf-BH5eAcWs6n6dut9Rb4RHTmlHtqgG7EWbqZ6yhd8ctEoTcVZvnnuSwwq9qF3JA21CDVegHKICACP8ovgDg6L5KjfE5/s16000/20240209_121357.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Valérie Jouve, S.T. (Las Rocas, Las Arquitecturas, Los Muros), 2022-2023, impresiones chorro de tinta </span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Procedente de la sociología y de la antropología, primero fotógrafa para arquitectos, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Val%C3%A9rie_Jouve" target="_blank">Valérie Jouve</a> había hecho exposiciones exitosas en Rennes, el Centro Pompidou, el </span><span style="font-family: verdana;">MAC/VAL, el <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/06/cuerpos-en-resistencia-resistencia-de.html" target="_blank">Jeu de Paume</a>,</span><span style="font-family: verdana;"> en Saint-Etienne, pero ésta es verdaderamente su exposición más personal, la más íntima, lo que contribuye también a la carga emocional. Todo su trabajo se orienta hacia la búsqueda de sentido, de equilibrio entre las personas y el medio: </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">cómo estamos en el mundo? Da testimonio también, en la sala vecina, su película sobre una mujer errante <a href="https://www.cpif.net/media/cpif/117296-cpif--2024-vale_rie-jouve-018.jpg" target="_blank">Puerta de Aubervilliers</a>, en los baldíos en donde la naturaleza se le impone al concreto: emblema del encuentro entre espacio natural y paisaje urbano. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Próxima exposición en la <a href="https://www.xippas.com/exhibitions/valerie-jouve-du-temps-un-souffle/" target="_blank">galerie Xippas</a>. Foto 1 cortesía del CPIF.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-91546298939978080452024-02-21T19:00:00.000+01:002024-02-21T19:00:08.991+01:00 Bertille Bak, el humor que hace mover montañas<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">20 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/20/bertille-bak-lhumour-qui-fait-bouger-les-montagnes/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOr73_EjdiuOF-FssQrD0vu8IqOPOX3b8gQqkFdYyulq0PTqVdFgA4_OufbD6nyndyed7lnA3FkKkBGqSTrH_G-bRh71-fHjgtFji8Q1YdqujiBFdQHQDlu-M7AAdN-t_0hP-ils2ndwmMpvcjHL8cltg1OKzD23KtJB6iL4DiwPr1uW0XUMrfN8l3zm_M/s600/20240212_114145.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="358" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOr73_EjdiuOF-FssQrD0vu8IqOPOX3b8gQqkFdYyulq0PTqVdFgA4_OufbD6nyndyed7lnA3FkKkBGqSTrH_G-bRh71-fHjgtFji8Q1YdqujiBFdQHQDlu-M7AAdN-t_0hP-ils2ndwmMpvcjHL8cltg1OKzD23KtJB6iL4DiwPr1uW0XUMrfN8l3zm_M/s16000/20240212_114145.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bertille Bak, Abus de souffle, 2024, video, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Obviamente se pueden pronunciar discursos indignados vehementes sobre el abandono de las casas de mineros, sobre la especulación colonial o la marginalización de los gitanos, pero </span><span style="font-family: verdana;">en lugar de gritar, </span><span style="font-family: verdana;">el talento de <b><a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Bertille_Bak" target="_blank">Bertille Back</a></b> (<a href="https://jeudepaume.org/evenement/exposition-bertille-bak/" target="_blank">Jeu de Paume</a> hasta el 12 de mayo)</span><span style="font-family: verdana;"> consiste más bien en hacernos sonreír: con frecuencia, su humor mordaz pero mitigado con ternura y humanidad nos conmueve. Ya escribía yo hace unos diez años, a propósito de su trabajo, entre ficción y etnografía, «sumaba un cuidado especial con las personas y las situaciones, un humor sensible, discreto y delicado y la preocupación subyacente </span><span style="font-family: verdana;">de búsqueda formal</span><span style="font-family: verdana;"> siempre presente.» Bertille Bak altera las normas predeterminadas al tiempo que construye confianza y complicidad con los objetos de su estudio. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZDZ46E91JxA3MoThtvK_XIGfW41s9w7lVFei8Pjseg_L3rttn8d_fFmMB6DI2J_7w3UmLHv8oG28hnsFmUC6I_JQHK2Lv1ZvC5jRWQnAAG7bbxlFY_U5F-Im-0Kgj50dRw1obMx0miSs9AqI-tPe9kWpXl5sOXElHLUwSDOWGMqZ7v_pxzaVVwwzTck4s/s600/20240212_110332.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="363" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZDZ46E91JxA3MoThtvK_XIGfW41s9w7lVFei8Pjseg_L3rttn8d_fFmMB6DI2J_7w3UmLHv8oG28hnsFmUC6I_JQHK2Lv1ZvC5jRWQnAAG7bbxlFY_U5F-Im-0Kgj50dRw1obMx0miSs9AqI-tPe9kWpXl5sOXElHLUwSDOWGMqZ7v_pxzaVVwwzTck4s/s16000/20240212_110332.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bertille Bak, Las Complacientes, 2014, marqueterías de pelo, marcos de metal, cada uno 17.5×22.5x5cm, serie de 35 piezas únicas.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Aquí todo va distorsionado: disecciona los soportes para que se vean unas entrañas que contienen cajas de emboladores bolivianos o pantallas rojas que disimulan imágenes pornográficas sacadas de las cabinas de unos marineros (la artista se hizo contratar en un </span><span style="font-family: verdana;">Seamen’s Club para hacerse amiga de los marineros) y que muestra apenas un segundo; los títulos de las obras son juegos de palabras, cambios de sentido (la exposición «flash» de fotos porno disimuladas se llama <i>La Marea expuesta por sus solteros, incluso</i>; el ballet de adolescentes que trabajan en las minas se llama </span><span style="font-family: verdana;"><i>Mineur Mineur -</i>en francés minero y menor se escriben igual-; y <i>Abuso de fuelle</i></span><span style="font-family: verdana;"> habla de fuelles para chimenea y aspiradores); y algunos de los objetos presentados ya son distorsiones, como por ejemplo las marqueterías hechas con pelo de marinero y que representan banderas de conveniencia (<i>Las Complacientes</i>, claro, aquí arriba).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEQDkSEvQKhWE0Ab-XlZR_bZwHYcFTpfBtsoZpUFLSOaVWTXYgiH9D-07ZJc4Ur3KTB6sZGgDpu4985BD1EkC_IHTn7zYCffzbt_jQ2lNfdJEjB_CWLzMpiyM4z1pO_RaBIF7KXXGWBVGPMURIlZDMHkIcTuloAUD64YcUsh74CMPfKqBM6DKixSFIkPOz/s600/boussa-from-the-netherlands_b.-bak.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEQDkSEvQKhWE0Ab-XlZR_bZwHYcFTpfBtsoZpUFLSOaVWTXYgiH9D-07ZJc4Ur3KTB6sZGgDpu4985BD1EkC_IHTn7zYCffzbt_jQ2lNfdJEjB_CWLzMpiyM4z1pO_RaBIF7KXXGWBVGPMURIlZDMHkIcTuloAUD64YcUsh74CMPfKqBM6DKixSFIkPOz/s16000/boussa-from-the-netherlands_b.-bak.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bertille Bak, Boussa from the Netherlands 3, 2017, video, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">También distorsiona la acción y crea un absurdo cómico, a la manera de Maldoror o de Dada: un equipo de hombres aspira el aire en una playa (arriba), las jóvenes marroquíes que salen de la planta </span><span style="font-family: verdana;">de pelar camarones</span><span style="font-family: verdana;">, cantan <i>La Internacional</i> en neerlandés, disfrazadas de sirenas y con bandera tricolor terciada; y los emboladores (emboladoras) de La Paz desfilan al compás montados en latas de conserva (aquí abajo).</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaqsLKrMKYoD8hjV3H9PJ2YFT5Rnep92qeIaMWUeeucF3RnNka9JUL4o8h9oYX1FcExzHYlsUj1IJGxjy7sZ7FVXpycWSLcUmuX6ORSJbsg6aWBMYVuMsACob1bfGnNGAeQFM756LRFJLry55NnZVnXe3J5geiyHt8PoyEu3N-WZGe_Ol3C-o5lP6xEMBQ/s600/20240212_114027.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="309" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaqsLKrMKYoD8hjV3H9PJ2YFT5Rnep92qeIaMWUeeucF3RnNka9JUL4o8h9oYX1FcExzHYlsUj1IJGxjy7sZ7FVXpycWSLcUmuX6ORSJbsg6aWBMYVuMsACob1bfGnNGAeQFM756LRFJLry55NnZVnXe3J5geiyHt8PoyEu3N-WZGe_Ol3C-o5lP6xEMBQ/s16000/20240212_114027.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bertille Bak, La Brigadia, 2018-2024, video, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">También hay luchadores con traje tradicional de las altas montañas andinas, y </span><span style="font-family: verdana;">–posiblemente la escena más trágica puesto que la más actual, la más emblemática de nuestro mundo </span><span style="font-family: verdana;">podrido</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">– un cursillo de entrenamiento deportivo para pasar la frontera ilegalmente y en el que se aprende a caminar entre campos sembrados vestido del mismo color (abajo) o a contorsionarse para esconderse debajo del capó de un camión: las actrices son inmigrantes que están pidiendo asilo en Francia y que han sufrido la precariedad y el exilio; filmado en el horrible </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.google.com/search?q=presentacion+del+campo+de+gurs&rlz=1C5CHFA_enFR835FR835&oq=presentacion+del+campo+de+gurs&gs_lcrp=EgZjaHJvbWUyBggAEEUYOTIHCAEQIRigATIHCAIQIRigAdIBCDc0MTZqMGo3qAIAsAIA&sourceid=chrome&ie=UTF-8#fpstate=ive&vld=cid:f6776b75,vid:vEifekAinBE,st:0">Campo de Gurs</a>,</span><span style="font-family: verdana;"> embrujado por la memoria de los republicanos españoles de 1939, y la de otros internos (entre ellos </span><span style="font-family: verdana;">Hannah Arendt y <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2019/04/charlotte-salomon-vida-o-teatro-mitos-o_19.html" target="_blank">Charlotte Salomon</a>, en calidad de alemanas, o sea enemigas, en mayo de 1940). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbpT53Z_C7hcxmb-BZdc-l3jNlL6a6QFx90Yncf8qvUtyAjlU2VMkVXzQVSTQBB3FaFyZKFHsAHHIkDqPMafrvTgHQi_ag-DYKSmI9EzU5D-XOprLnX94VJmzvBjSD4ai_TtEFInjzIGaPDHoDYbY9kVH0Ugg4C_zM_QoD9ooJKM83MQA2MOnTGELWGtcD/s600/8.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbpT53Z_C7hcxmb-BZdc-l3jNlL6a6QFx90Yncf8qvUtyAjlU2VMkVXzQVSTQBB3FaFyZKFHsAHHIkDqPMafrvTgHQi_ag-DYKSmI9EzU5D-XOprLnX94VJmzvBjSD4ai_TtEFInjzIGaPDHoDYbY9kVH0Ugg4C_zM_QoD9ooJKM83MQA2MOnTGELWGtcD/s16000/8.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Bertille Bak, Figuras impuestas, 2015, video, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">¿Habrá que reír o llorar? </span><span style="font-family: verdana;">¿Reír para no llorar? Bertille Bak se registra en la tradición de los humoristas de las catástrofes, y el Campo de Gurs nos hace pensar inevitablemente en el genocidio en curso en Gaza, y pensamos en uno de los mejores ejemplos actuales de humor ácido, el </span><span style="font-family: verdana;">«<i>stand-up</i>» </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.bassemyoussef.xyz/" target="_blank">Bassem Youssef</a>. Como él, ella lo hace con arte y discreción, con empatía y mirada crítica, con una gracia que disimula la violencia subyacente: así podemos mover montañas, </span><span style="font-family: verdana;">quizás. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Fotos 3 et 5 cortesía del Jeu de Paume</i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-19167159223600118762024-02-20T10:26:00.001+01:002024-02-20T19:50:53.925+01:00 Tina Modotti, reducida<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">15 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/15/tina-modotti-en-reduction/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiA-vJJca2K1eMqPWR5SuyY5DwfuvSGw45dKYRzBh5cOYV25cF6ofbB7R5ljaVe0ZEMZI6SZwDkV2jfUoC39hBpp9W9o90_ae5zuakJf3miWEo9c5aRbK6l3twKsrmCtmEdvMTje13Sz6o8X2TE0xpUyYuoUeOSS5J0_eNsyrHnpUx9vF7xqKubtpDUAl1h/s828/20.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="828" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiA-vJJca2K1eMqPWR5SuyY5DwfuvSGw45dKYRzBh5cOYV25cF6ofbB7R5ljaVe0ZEMZI6SZwDkV2jfUoC39hBpp9W9o90_ae5zuakJf3miWEo9c5aRbK6l3twKsrmCtmEdvMTje13Sz6o8X2TE0xpUyYuoUeOSS5J0_eNsyrHnpUx9vF7xqKubtpDUAl1h/s16000/20.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tina Modotti, Tanque nº1, 1927, galerie <a href="https://throckmorton-nyc.com/project/tina-modotti/" target="_blank">Throckmorton</a>, NY</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Estoy feliz de ver que el <a href="https://jeudepaume.org/evenement/exposition-tina-modotti/" target="_blank">Jeu de Paume</a> vuelve a uno de los elementos que habían hecho su especificidad bajo la dirección anterior, la de presentar mujeres fotógrafas algo olvidadas por la historia del arte. </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Tina_Modotti" target="_blank">Tina Modotti</a></b> (1896-1942) tuvo una vida bastante extraordinaria: obrera en Italia, actriz en California, fotógrafa en Méjico, agente del Komintern desde Moscú, activista en la España republicana. De gran belleza, coleccionaba los amantes, de los cuales el más célebre fue Weston, quien la hizo pasar del otro lado de la cámara, de modelo (ver más abajo) a fotógrafa (vea, como <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2024/01/suzanne-valadon-la-verdad-sobre-el.html" target="_blank">Suzanne Valadon,</a> y otras), y que ella dejó cuando se lo había enseñado todo. Aunque los retratos de varios de ellos (su marido <a href="https://www.loc.gov/item/2008678883/" target="_blank">Robo Richey</a>, </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://jeudepaume.org/wp-content/uploads/2023/05/19.jpg" target="_blank">Diego Rivera</a>, <a href="https://64.media.tumblr.com/tumblr_maho5y8MdN1qffcgxo1_500.jpg" target="_blank">Pepe Quintanilla,</a> <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Julio_Antonio_Mella" target="_blank">Julio Mella</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Xavier_Guerrero" target="_blank">Xavier Guerrero</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Vittorio_Vidali" target="_blank">Vittorio Vidali</a>, salvo error) figuran en la exposición, ésta, púdicamente, no se extiende para nada sobre sus amores y borra la dimensión amorosa incluso erótica de su trabajo. Con una charada de auto descripción solía presentarse así: «<a href="https://www1.folha.uol.com.br/fol/cult/cu19053.htm" target="_blank">Tina Modotti. Profession: los hombres</a>»</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZfNYiLjNqPl73v-fKvc6_DKwpvMNYqbbm20goM83qIMUTuxXSX1xnzaPkc7guF0bcWr7XaLDTBFl6iIwf3kbtMjAA4tCjUhTnaN0X72qtTxRZt6f5T7Td0W1QocuVOR397qNIwzxGyy4S02u8hU6MLG11FSvGokrUJJCD2hE3P5tOzToGRO5JHb9rLbhM/s772/10.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="772" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZfNYiLjNqPl73v-fKvc6_DKwpvMNYqbbm20goM83qIMUTuxXSX1xnzaPkc7guF0bcWr7XaLDTBFl6iIwf3kbtMjAA4tCjUhTnaN0X72qtTxRZt6f5T7Td0W1QocuVOR397qNIwzxGyy4S02u8hU6MLG11FSvGokrUJJCD2hE3P5tOzToGRO5JHb9rLbhM/s16000/10.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small; text-align: left;"><i>Tina Modoti, Cables telegráficos, hacia 1924/25, col. <a href="https://fundaciontelevisa.org/" target="_blank">Fundación Televisa,</a> Méjico</i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Es que el objetivo de la exposición (presentada en <a href="https://www.fundacionmapfre.org/en/art-and-culture/exhibitions/historical/year-2023/tina-modotti/" target="_blank">Madrid</a> con una mezcla de vintage e impresiones recientes) es presentar principalmente la dimensión social y revolucionaria del trabajo de <a href="https://artsandculture.google.com/story/oAXBfvCdnhCKDQ?hl=es" target="_blank">Tina Modotti</a>. Sus obras formales, sobresalen desde todo punto y (es verdad, bastante influenciadas por Weston) están relegadas en el fondo de una sala. Las lineas de hilos eléctricos, <a href="https://www.artbook.com/blog-tina-modotti-biography.html" target="_blank">las flores</a>, <a href="https://awarewomenartists.com/wp-content/uploads/2017/05/tina-modotti_stairs-mexico-city_1924-1926_aware_women-artists_artistes-femmes-1500x1157.jpg" target="_blank">las escaleras</a>, los estudios de <a href="https://museoitaloamericano.org/artwork/modotti-tina-glasses-1925/" target="_blank">vasos</a> o de <a href="https://fr.muzeo.com/reproduction-oeuvre/la-machine-a-ecrire-de-julio-antonio-mella/tina-modotti#La-machine-%C3%A0-%C3%A9crire-de-Julio...-Tina-Modotti" target="_blank">máquina de escribir</a>, dan testimonio, me parece, de una calidad de composición mucho más elaborada que la de los retratos; calidad que vemos de nuevo en imágenes más tardías, como la vista descendente sobre los <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/834356" target="_blank">sombreros</a> de manifestantes. Para mí una de las mejor logradas es, arriba, el tanque n°1, dispositivo dominado por un hombre minúsculo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnFu9vOJc45034M6shNWlSNiJda6hrGR7bXgvmKQvThXWAz_JdQY6XRD8PV5sPByAeqTj_f_RFUNUelle9VHW_AM3UB9lXIzLCcB6oVxCKk54ckl37HBB-13Is67ndXf5jdaOb9OypgNek5LDnx6wZRMoiEhcUGEeltS6-ZSbSfUpPp6E93pUNtUtGYBXI/s718/17.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="718" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnFu9vOJc45034M6shNWlSNiJda6hrGR7bXgvmKQvThXWAz_JdQY6XRD8PV5sPByAeqTj_f_RFUNUelle9VHW_AM3UB9lXIzLCcB6oVxCKk54ckl37HBB-13Is67ndXf5jdaOb9OypgNek5LDnx6wZRMoiEhcUGEeltS6-ZSbSfUpPp6E93pUNtUtGYBXI/s16000/17.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tina Modotti, Manos de trabajador, hacia 1926/27, col. Fundación Televisa, Mexico</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En su trabajo social durante sus primeros años en Méjico, muestra no solamente empatía con sus sujetos sino un talento formal, por ejemplo en la fotografía de las manos, claramente uno de sus temas predilectos: ver también la fotografía de las <a href="https://www.arthistoryproject.com/artists/tina-modotti/hands-washing/" target="_blank">manos </a>de una lavandera. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYxm_KoBmqk-zdS8NKbAY4KmrRd65mE-8RuZxzhNSGvkMRrDxynNNAAhXa8I6N9q1ybZaOzdwEqMvFYWJvV_lqoqZqfAV7E7FVNbwOvopKPc2MhHPWdB5xme3P3LpwiJFh9Zq9_RtMV8FNyLmk0dGjjlPmQoght2Le4gUap0FPM6EGfDeEPxc-mReusZp6/s829/modotti.png" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="829" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYxm_KoBmqk-zdS8NKbAY4KmrRd65mE-8RuZxzhNSGvkMRrDxynNNAAhXa8I6N9q1ybZaOzdwEqMvFYWJvV_lqoqZqfAV7E7FVNbwOvopKPc2MhHPWdB5xme3P3LpwiJFh9Zq9_RtMV8FNyLmk0dGjjlPmQoght2Le4gUap0FPM6EGfDeEPxc-mReusZp6/s16000/modotti.png" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><p style="text-align: left;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i>Tina Modotti, Mujeres de Tehuantepec en el río, 1929, col. <a href="https://inba.gob.mx/" target="_blank">INBAL</a>, Mexico</i></span></p><div><br /></div><div><br /></div></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A partir de la ida de Weston y de la entrada de Modotti al Partido Comunista Mejicano (como una entrada al convento, dirá una de sus biógrafas), su trabajo cambia, tanto por los temas como por el estilo, se vuelve más documental y menos recreativo: «fotografías honestas» dice ella misma. Parece que pierde (incluso en su manera de vestir: falda negra, blusa blanca, moño estricto) todo lo que formaba su fantasía y encanto. Pero se siguen admirando sus fotografías de indigenas y en especial sus mujeres de </span><span style="font-family: verdana;">Tehuantepec, una <a href="https://matriarcados.com/comunidad-juchitecas/" target="_blank">comunidad matriarcal </a>de mujeres muy libres: algunos retratos son demasiado puestos, formales y rígidos, pero esta fotografía de arriba, algo confusa, que muestra a las mujeres con los niños a la orilla del río, transpira alegría y libertad, lo que la fotógrafa parece envidiar. Nunca hay hombres en esas imágenes.</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijxPkxeEHDxgf45kdvR9utALrZZ_hAUVSQUIbSbo0kx4DrIpzrJjEUOXX84Rj0slT4ts1L-3Z5NxWvQDddLsD1rO6hCUsxaaAwxWzWTvyW6g57Nn7ZhVskVLvt32E_GQAJrbfya5pv44Bknyh7JwIqvYPdZBO9zeX5jjZAguw2o0Jmw2XPBJhqRahImUGv/s702/15.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="702" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijxPkxeEHDxgf45kdvR9utALrZZ_hAUVSQUIbSbo0kx4DrIpzrJjEUOXX84Rj0slT4ts1L-3Z5NxWvQDddLsD1rO6hCUsxaaAwxWzWTvyW6g57Nn7ZhVskVLvt32E_GQAJrbfya5pv44Bknyh7JwIqvYPdZBO9zeX5jjZAguw2o0Jmw2XPBJhqRahImUGv/s16000/15.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tina Modotti, Hoz, maíz y cartuchera, 1927, col. Fundación Televisa, Mexico</span></i></span></td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">No podemos decir lo mismo de sus composiciones militantes, por ejemplo <a href="https://jeudepaume.org/wp-content/uploads/2023/05/1-708x900.jpg" target="_blank">la mujer con bandera</a> o esta yuxtaposición de la hoz (sin martillo), de la cartuchera (alegoría revolucionaria) y de la mazorca (que supone representa a Méjico), de una banalidad evidente. Modotti sólo fotografía durante siete años (alrededor de 400 imágenes conservadas), de 1923 cuando se instala en Méjico con Weston, en pleno «<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Muralismo_mexicano" target="_blank">renacimiento mejicano</a>», a 1930, cuando pasa brevemente por Berlín sin lograr imponerse como fotógrafa (ni de arte ni de reportaje), en una escena mucho más moderna y vivaz que la de Méjico. Y son esos siete </span><span style="font-family: verdana;">primeros años</span><span style="font-family: verdana;">, bastante formales, que dan testimonio de su genio, más que las numerosas imágenes «sociales» que presentan de forma lineal y monótona en cuatro de las seis salas de la exposición. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvHoDupTfKDAWVyDwtXSixw9rGglRbNDruJlpkv61Fi_tTNKNdLdygf13iL0ErpWPvYgmgwHrHr84P6bHs2b9ulACvFz3O3dcTAHvHLcMdP3drfJxxa5WHpFbzuiCuBCsEtlFLMZaStXI7rnBHzvXxh3yKvtLQHSFFSNvCmRTWy59v73pfRIwi36paAHJA/s600/20240212_120122.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="443" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvHoDupTfKDAWVyDwtXSixw9rGglRbNDruJlpkv61Fi_tTNKNdLdygf13iL0ErpWPvYgmgwHrHr84P6bHs2b9ulACvFz3O3dcTAHvHLcMdP3drfJxxa5WHpFbzuiCuBCsEtlFLMZaStXI7rnBHzvXxh3yKvtLQHSFFSNvCmRTWy59v73pfRIwi36paAHJA/s16000/20240212_120122.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Edward Weston, Desnudo (Tina en la terraza), 1923, <a href="https://ccp.arizona.edu/artists/edward-weston" target="_blank">Center for Creative Photography</a>, University of Arizona</span></i></span></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">¿Rebasó a su maestro </span><span style="font-family: verdana;">Edward Weston? Su foto de <a href="https://paragone.hypotheses.org/files/2017/12/tina-modotti-roses_.jpg" target="_blank">rosas</a> batió en 1996 el récord de la foto más cara del mundo en ese entonces, u$165 000 (<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_most_expensive_photographs" target="_blank">desde entonces</a>...). Pero más allá del mercado, ella supo aportar sin lugar a dudas un toque más humano, empático y encarnado a las fotos de Weston siempre distantes (excepto cuando la fotografiaba a ella). Es muy bueno volver a descubrir a una artista que fue ocultada durante mucho tiempo porque era mujer, porque era del «Sur global», porque era comunista. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Fotos 1, 2, 3 & 5 cortesía del Jeu de Paume</i></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-68550983885698961112024-02-12T13:46:00.001+01:002024-02-16T18:40:02.240+01:00La singularidad inquietante de las quimeras de Daniela Ângelo<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">8 de febrero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/02/08/linquietante-etrangete-des-chimeres-de-daniela-angelo/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS6VyZSBPsIiDZxhlOYebhmQJ9aKJdlQjK3MyNNSAhS5fMM6sJhDFTHnr8bidBpkwP96K6BB1KJbdrHIFqgi82G9ZO1ePEKPHbd8P2zW_IrYCvZeWvwny5fd0YyDV5rZTy0q4G7p5xyeMGTu1TLV1WMkOm7bzzS8WNOcQWPmTPFmBvRbDjTphoV7jSIqEm/s2046/3_sem-titulo_daniela-angelo_2024.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2046" data-original-width="1448" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS6VyZSBPsIiDZxhlOYebhmQJ9aKJdlQjK3MyNNSAhS5fMM6sJhDFTHnr8bidBpkwP96K6BB1KJbdrHIFqgi82G9ZO1ePEKPHbd8P2zW_IrYCvZeWvwny5fd0YyDV5rZTy0q4G7p5xyeMGTu1TLV1WMkOm7bzzS8WNOcQWPmTPFmBvRbDjTphoV7jSIqEm/w453-h640/3_sem-titulo_daniela-angelo_2024.webp" width="453" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Daniela Ângelo, S.T., 2024</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En esta <a href="https://galeriasmunicipais.pt/exposicoes/babuino-talisma/" target="_blank">exposición de fotografías</a> (hasta el 31 de marzo; la primera exposición individual de esta<a href="https://www.franciscofino.com/news/30-daniela-angelo-new-representation/" target="_blank"> joven fotógrafa</a>), más vale no querer apropiarse las imágenes demasiado rápido o querer entender de inmediato el tema y mucho menos la hechura. Hay que dejar que las formas surjan lentamente, que emerjan del fondo negro, que se le impongan al ojo, y luego dejar que se disuelvan, que se fundan en la penumbra. Hay que prepararse con paciencia para lo inesperado, lo extraño, lo incómodo, lo misterioso. En el piso de arriba, en una sala oscura, hay que reflexionar y callarse, dejarse penetrar por el centelleo del plumaje de una lechuza o por la mirada ciega de un busto egipcio, quizás ptolemaico. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEger2AnGTTkqUEi47VrQ06tHKIdWq0mtzOU5UhFcgCJIb94FW3ivGoIkFBmPG9_ajwGuQwS-ccLGtdoNLFkauWQi7GEtyY3uLKVhtOXcvDHr8QHM1HvWzYHiNjywCg8LY6FF_GyPkqFKarK9vaaTE_cbOebJKVj_fpRv6HEZVIZP29l_R-iz6pQaLFq_f_A/s698/2_sem-titulo_daniela-angelo_2024.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="698" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEger2AnGTTkqUEi47VrQ06tHKIdWq0mtzOU5UhFcgCJIb94FW3ivGoIkFBmPG9_ajwGuQwS-ccLGtdoNLFkauWQi7GEtyY3uLKVhtOXcvDHr8QHM1HvWzYHiNjywCg8LY6FF_GyPkqFKarK9vaaTE_cbOebJKVj_fpRv6HEZVIZP29l_R-iz6pQaLFq_f_A/s16000/2_sem-titulo_daniela-angelo_2024.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Daniela Ângelo, S.T., 2024</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Son imágenes que llevan una realidad concreta, la de los objetos fotografiados en los museos de historia, de arte o de ciencias naturales, a otra realidad mental, más misteriosa, más lenitiva, en la que las formas indecisas se redondean, se ablandan, se suavizan, se acoplan, como las sensuales «orejas» negras (los frutos del curubo) de las cuales emergen unos apéndices fálicos anaranjados. Aparecen unas luces en medio de un vidrio negro, se reflejan en una piedra rubia, brotan de una ventana, acarician unas joyas. La textura de los objetos se desmorona, los colores del vaso asiático rojo se deshacen, se fragmentan, se disuelven y se vuelven tan inconsistentes como las plumas de una lechuza disecada. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0M2ns72uRByryqL48XXfG_D_KahLPkSMV18EdcTpriJuuHzIH8_JnT454pOsLKn9rcm68b5ydmn7vitZWslTJWV35LMxUjQRhYfi54oPgMXLVZ24IDQ9RDShz_EmuQBPik0p1MR2j7IOFnQCsAtzXppC_lcHIZjocq19LtA2Hww0jRLxkaOM5275F8TtH/s763/1_sem-titulo_daniela-angelo_2024.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="763" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0M2ns72uRByryqL48XXfG_D_KahLPkSMV18EdcTpriJuuHzIH8_JnT454pOsLKn9rcm68b5ydmn7vitZWslTJWV35LMxUjQRhYfi54oPgMXLVZ24IDQ9RDShz_EmuQBPik0p1MR2j7IOFnQCsAtzXppC_lcHIZjocq19LtA2Hww0jRLxkaOM5275F8TtH/s16000/1_sem-titulo_daniela-angelo_2024.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Daniela Ângelo, S.T., 2024</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Enfrentada a la fría realidad, didáctica y normativa de los museos que visita, </span><span style="font-family: verdana;">Daniela Ângelo introduce una pizca de magia, de brujería, a través de tomas desfasadas, luces radicales, superposiciones de imágenes, a veces excavando en la película. Su rara capacidad para transformar lo real, para reubicarlo en un mundo quimérico, genera en el espectador una sensación de distanciamiento, una percepción virtual borrosa y alegre, una inquietante singularidad freudiana.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-87842954626917036172024-02-05T21:25:00.000+01:002024-02-05T21:25:09.591+01:00A la gloria de las mujeres (Maria Lamas)<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">27 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/27/a-la-gloire-des-femmes-maria-lamas/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCqd5JFJXEWybt0s1IMhAjjljkKfb7c-cgLE-LQN6ot_bOygRHfuSIzr3Zr2Yu0wQZNoNvKfjmBiK8zy-b8FKv66wK8dsOSJ0E9q6b9lpKrZR_mLFEOjh6HZc0XJ-lXrzBcOcip9bWTsd7qACm0442XKOtzf2yLjnhn2Vr9rBX3id_sfeI3omV7ZR0twqh/s600/img-7.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="485" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCqd5JFJXEWybt0s1IMhAjjljkKfb7c-cgLE-LQN6ot_bOygRHfuSIzr3Zr2Yu0wQZNoNvKfjmBiK8zy-b8FKv66wK8dsOSJ0E9q6b9lpKrZR_mLFEOjh6HZc0XJ-lXrzBcOcip9bWTsd7qACm0442XKOtzf2yLjnhn2Vr9rBX3id_sfeI3omV7ZR0twqh/s16000/img-7.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Maria Lamas, Una mujer de Salreu en una arrocera del río de Aveiro, 1948, p.180 del libro.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Lamas" target="_blank">Maria Lamas</a></b> (1893-1983) era periodista, traductora y escritora portuguesa de buena familia, que al principio escandalizó porque en 1913 (a los 20 años y con dos bebés) pidió el divorcio de su marido oficial, en una época en la que el divorcio (legal solamente desde que se acabó la monarquía en 1910), no era muy aceptado socialmente. Fue una de las primeras mujeres periodistas profesionales de Portugal, y después de una segunda separación (su segundo marido era un periodista monárquico), escribió mucho sobre los derechos de la mujer. Participó activamente en el <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Conselho_Nacional_das_Mulheres_Portuguesas" target="_blank">Consejo Nacional de Mujeres Portuguesas</a>, una asociación feminista de la cual fue presidente en 1945 y que el gobierno de Salazar disolvió. Después de un periodo más ambiguo pues fue decorada por el régimen (Oficial de la <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Orden_Militar_de_Santiago_de_la_Espada" target="_blank">Orden de Santiago y la Espada</a> en 1934), se opuso claramente a la dictadura a partir de 1945 y fue hecha presa tres veces </span><span style="font-family: verdana;">(1949, 1953, 1962),</span><span style="font-family: verdana;"> relegada en la Isla de Madera luego exiliada en Paris del 1962 a 1969 (en donde parece haber participado en Mayo del 68). Después de la revolución de los claveles en 1974, se une al partido Comunista y participa en el Congreso Mundial por la Paz (en la exposición figuran las fotos de ella con</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://fasciniodafotografia.files.wordpress.com/2018/12/maria_lamasfotobiografia19571.jpg" target="_blank">Zhou Enlai</a> y Hô Chi Minh).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4CLqyH4rtCdCsoJXpOfayUrtIif_hlKKcYHxlGHud-I_Q1ngdrd-tJRnTPzHx737G72Svn3IbakiIyLeDulyzu6Gn_IgAP8h495UF5c760rQp9qQAqfhX9FrPZSyTQQWrbKWjbrYwDDq6_9As8oPop3w3bQYpfyxB3NlM-jmJlYOKVAoD0jAbulsFHDPp/s845/20240125_113051.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="845" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4CLqyH4rtCdCsoJXpOfayUrtIif_hlKKcYHxlGHud-I_Q1ngdrd-tJRnTPzHx737G72Svn3IbakiIyLeDulyzu6Gn_IgAP8h495UF5c760rQp9qQAqfhX9FrPZSyTQQWrbKWjbrYwDDq6_9As8oPop3w3bQYpfyxB3NlM-jmJlYOKVAoD0jAbulsFHDPp/s16000/20240125_113051.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Maria Lamas, Niña de 4 años en la feria de Barcelos, lleva un delantal hecho por su madre, 1948-1950</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Entre 1948 y 1950, dirige y lanza el proyecto editorial <i><a href="https://fasciniodafotografia.com/2018/10/06/maria-lamas-as-mulheres-do-meu-pais-1958-2003/" target="_blank">Las Mujeres de mi País</a></i>, primero publicado en fascículos (480 páginas en total). Su objetivo era redactar en diez capítulos una descripción de la condición de las mujeres portuguesas (La campesina, La obrera, La mujer de la orilla del mar, la de la orilla del río, las empleadas y las profesionales, el ama de casa, la artista, la intelectual, las industrias domésticas y diversas actividades de la mujer del pueblo (el planteamiento final fue diferente, organizado sobre todo por regiones). Según el comisario de la exposición <a href="https://www.publico.pt/2016/06/07/ciencia/noticia/jorge-calado-e-o-premio-universidade-de-lisboa-2016-1734406" target="_blank">Jorge Calado</a> (un científico aficionado al arte y la literatura), ella no conocía ni el trabajo de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/August_Sander" target="_blank">Augusto Sander,</a> ni el programa de la </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.loc.gov/collections/fsa-owi-black-and-white-negatives/about-this-collection" target="_blank">Farm Security Administration</a>. El texto debía ir ilustrado con unas obras de arte y bastantes fotografías, ya sea de los fondos existentes, ya sea encargados para la ocasión; con unos cincuenta fotógrafos (entre ellos </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2014/07/artur-pastor-cierta-nostalgia-rural.html" target="_blank">Artur Pastor</a>, el sofisticado <a href="https://aarteemportugal.blogspot.com/2021/01/adelino-lyon-de-castro-1910-1953.html" target="_blank">Adelino Lyon de Castro</a> y el poco conocido <b>Julio Vidal</b>). Es sin duda la <a href="https://journals.openedition.org/cp/1970?lang=es" target="_blank">primera obra importante ilustrada</a> que se opone a la ideología oficial del país, la cual tendía a limitar a las mujeres al papel de ama de casa, señora de la casa, hada del hogar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzmlpajF62J6N_YyyMAv4vJszm_xQ9JvwyJDraSMwVkQbkGpCC9JN8lk5-2ZtkLgITXQOzIlsCfYxP5poMDYRnBd3C60ZJXSn93BdeH4R_Hx4uPWZH5uUjaryt9k40y17fKi1T7N_E1gmC_dBXvSusRvX9BAXLL6LMH5vlwKr9GQe5coZfrw8tAZXUdfJp/s600/maria-lamas_375_semcorte_16x9.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="415" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzmlpajF62J6N_YyyMAv4vJszm_xQ9JvwyJDraSMwVkQbkGpCC9JN8lk5-2ZtkLgITXQOzIlsCfYxP5poMDYRnBd3C60ZJXSn93BdeH4R_Hx4uPWZH5uUjaryt9k40y17fKi1T7N_E1gmC_dBXvSusRvX9BAXLL6LMH5vlwKr9GQe5coZfrw8tAZXUdfJp/s16000/maria-lamas_375_semcorte_16x9.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Maria Lamas, Transporte de wagons cargados de carbón, Minas de <a href="https://gondomar24.comunidades.net/pagina-sem-titulo2" target="_blank">São Pedro da Cova</a>, 1948-1950</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Insatisfecha con el corpus fotográfico existente, en desacuerdo con algunos autores (era conocida por su carácter colérico), y posiblemente descontenta de que todos los fotógrafos implicados fueran hombres, Maria Lamas decide, ya pasados los 50 años, volverse fotógrafa para completar la documentación fotográfica del proyecto. Novata (a veces vemos su sombra inadvertida, la imagen borrosa arriba) tenía un Kodak Brownie que le había regalado su yerno; se iba 15 días a las regiones más lejanas del país y luego volvía a Lisboa otros 15 para redactar un cuaderno y luego se volvía a ir. De más de 1000 fotografías del trabajo, 149 le son acreditadas y se estima que otras cincuenta mas o menos, no acreditadas, también son de ella. La exposición en la <a href="https://gulbenkian.pt/agenda/exposicao-as-mulheres-de-maria-lamas/" target="_blank">Fundación Gulbenkian</a> (hasta el 28 de mayo), cuyo comisario es Jorge Calado, presenta 67 de sus fotografías (casi todas «vintage»), además de variados documentos sobre Maria Lamas e imágenes de cinco otros fotógrafos del proyecto.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyIGsgiYPhq6_jKRPNzj4H5VYrykx0nKtvlMdMVGYVqRxEyI7qBUjiHjkyIxGja9EmeblZxAFqw_5V6tqaCp_si8RBYjmo8xdWDZg7Q_UabgkwnEUMcLutVdzQ6WFWwtGKBr5ibs8AZSlEOPOZDj393xEhrzx_XdeskyfQtbZp_2r_cTI8Kj0sb9CKaL6I/s828/20240125_120817.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="828" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyIGsgiYPhq6_jKRPNzj4H5VYrykx0nKtvlMdMVGYVqRxEyI7qBUjiHjkyIxGja9EmeblZxAFqw_5V6tqaCp_si8RBYjmo8xdWDZg7Q_UabgkwnEUMcLutVdzQ6WFWwtGKBr5ibs8AZSlEOPOZDj393xEhrzx_XdeskyfQtbZp_2r_cTI8Kj0sb9CKaL6I/s16000/20240125_120817.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Maria Lamas, « Tricana » típica de Aveiro, 1948-1950</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Las fotografías de Maria Lamas son de formato pequeño y algunas se han deteriorado un poco con el tiempo. Prácticamente no representa sino mujeres, y son mujeres del pueblo, en especial campesinas y mujeres de pescadores, algunas obreras; solamente tenemos dos fotografías urbanas entre ellas la elegante costurera de Aveiro aquí arriba. Casi siempre representa a las mujeres de manera frontal, de pie mirando al objetivo, posando, y en general con su herramienta de trabajo en la mano (o, con frecuencia sobre la cabeza); van vestidas con ropa de diario, sin representaciones folclóricas, y las fotografía en el lugar en donde viven o en donde trabajan, a veces con uno o más niños y siempre sin hombres (y cuando están presentes, representan el poder, por ejemplo el encargado de la mina de carbón, arriba). Las fotografías improvisadas son raras. Lo que enaltece es su estatuto de trabajadoras, su fuerza, y en paralelo la evidencia de su pobreza y discriminación. Muchas fotografías representan grupos de trabajadoras, la unidad y hermandad. En el libro (no en la exposición salvo dos excepciones) las imágenes van acompañadas de un largo metatexto, una nota explicativa y bastante detallada indica el pueblo, el caserío, pero nunca da el nombre de la persona fotografiada: es curioso, posiblemente con el ánimo de mostrar «tipos» (como Sander), pero la ausencia de nombre le quita dignidad a la persona fotografiada, niega, o en todo caso disminuye la dimensión del encuentro, del contrato civil (como dice <a href="https://press.princeton.edu/books/paperback/9781890951894/the-civil-contract-of-photography" target="_blank">Ariella Aïsha Azoulay</a>). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3awV0rSrJ8-k7ThD7_R-w-8LaonwIzKd2KVJxzDnwOyhriv31EefCSYv60qzREfFHE956NoJzJlAUPXTG8sEWOniNtNbGx-atNzZm7GAbLskfbhJz-l7Fh0EgNHrFIsr9vXLbnEsEUpJBNK5finDio7CqYjwxB_lRmXPNc_hXTPZOE4woHAcLCl7wMH0-/s600/20240125_121353.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3awV0rSrJ8-k7ThD7_R-w-8LaonwIzKd2KVJxzDnwOyhriv31EefCSYv60qzREfFHE956NoJzJlAUPXTG8sEWOniNtNbGx-atNzZm7GAbLskfbhJz-l7Fh0EgNHrFIsr9vXLbnEsEUpJBNK5finDio7CqYjwxB_lRmXPNc_hXTPZOE4woHAcLCl7wMH0-/s16000/20240125_121353.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Maria Lamas, montaje, 1948-1950</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Muy poca originalidad estética en sus fotografías: son poses directas y sencillas, salvo algunas raras excepciones, por ejemplo las dos mujeres que empujan un vagón de carbón observadas por el jefe (arriba) o esta mujer con su barca, hay una construcción diagonal dinámica de la imagen (abajo). Hay unos intentos </span><span style="font-family: verdana;">de montaje un poco</span><span style="font-family: verdana;"> torpes, como el grupo de mujeres de aquí arriba, aquellas mujeres bailando (los dos hombres de grupo inicial fueron eliminados) con unos músicos fotografiados en otro lugar y más o menos integrados en la imagen. Ninguna fantasía tampoco: comparemos con la imagen aquí abajo, una pareja de campesinos de <b>Julio Vidal</b> en la que la mujer que se funde en la paja introduce un embrión de relato, misterio y sofisticación, ausentes en las fotografías de Maria Lamas. Su trabajo sobresale desde el punto de vista socio-etnológico; sus fotografías documentales están ahí para ilustrar el texto sin llegar a ser verdaderamente un foto-libro. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUsjXdzJkjiJWB3KoNxWNphnGeILC89WvaFw-8ShDcA1QbBum-MimCOIOlbLuiqrCzMIbGJogZDVPuBh4MpFUgqQP64DJUx8MBKyphC3KG2LplvsGcTTpZBa14HCaJ6ae6Rm5gqMSp4O6UjtNjPbc-K9szcAT1l4tj5P5o8naNyK3TQ8ERRq7yhBnGJ40N/s847/img-9.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="847" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUsjXdzJkjiJWB3KoNxWNphnGeILC89WvaFw-8ShDcA1QbBum-MimCOIOlbLuiqrCzMIbGJogZDVPuBh4MpFUgqQP64DJUx8MBKyphC3KG2LplvsGcTTpZBa14HCaJ6ae6Rm5gqMSp4O6UjtNjPbc-K9szcAT1l4tj5P5o8naNyK3TQ8ERRq7yhBnGJ40N/s16000/img-9.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Julio Vidal, Cargando la paja de arroz, hacia 1947, página 191 del libro.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Su trabajo fotográfico estuvo en el olvido largo tiempo. El mismo Jorge Calado muestra ocho fotografías de ella en la muy buena exposición </span><span style="font-family: verdana;">« <a href="https://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2009/08/paris-au-f%C3%A9minin-o-cat%C3%A1logo.html" target="_blank">Au féminin </a>»</span><span style="font-family: verdana;"> en Gulbenkian Paris en 2009 (primera exposición en Francia sobre mujeres fotógrafas, seis años antes de la del <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/11/pero-me-estoy-recuperando-las.html" target="_blank">Museo de Orsay/Orangerie</a> en la que no estaba Maria Lamas pues post 1945), luego otras nueve en Dubaï en 2016. Yo descubrí su trabajo en 2021 en la exposición <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/11/pero-me-estoy-recuperando-las.html" target="_blank">Gulbekian sobre las artistas portuguesas</a>, escribía entonces que «iba en contra de la caparazón salazaro-católica impuesta entonces a las portuguesas» (también la mostraron en <i><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/12/una-historia-de-mujeres-fotografas.html" target="_blank">Tours en 2022</a></i>). La reseña sobre ella en <i><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/12/una-historia-de-mujeres-fotografas.html" target="_blank">Una historia mundial de las mujeres fotógrafas</a></i>, la redactó la historiadora de la fotografía <a href="https://www.jn.pt/3040862944/ensaista-e-professora-margarida-medeiros-morre-aos-66-anos/" target="_blank">Margarida Medeiros</a>, que acaba de morir. Los luso hablantes pueden leer esta crítica excelente de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.publico.pt/2024/01/26/culturaipsilon/noticia/fotografias-maria-lamas-conta-mulher-2078173" target="_blank">Lucinda Canelas</a> en <i>O Publico</i>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-1340226088118310112024-02-02T15:59:00.002+01:002024-02-02T16:01:32.360+01:00Jugar contra los aparatos, en Nantes<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">25 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/25/jouer-contre-les-appareils-a-nantes/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Esto no es una crítica de exposición sino una </span><span style="font-family: verdana;">recensión de la exposición que Xavier Navatte y yo imaginamos y organizamos en la galería municipal <a href="https://metropole.nantes.fr/sortir/vie-locale/culture/galeries-art/galerie-latelier" target="_blank">L'Atelier</a> en Nantes (hasta el 10 de marzo, cuenta <a href="https://www.instagram.com/latelier_villedenantes/" target="_blank">Instagram)</a>. Las cartelas de la exposición se toman aquí. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6or7tQ8eRqd8lg60Cy0II-x19BSfDr-kiO7-T_Hm9AnwR-Fs6CQ1uzzS4EGqsDoSjpREsQuZZbRZSbFkaqerNJUZu6GmN9wMGmNWNhJWezwOI3ADBm7bNzRPdLOioj2kWk4fIrzJA1FqJqkvDNEhTEIXkmojLljwON9dj2UUR6txOJESXhWMqHvU8JUPL/s871/affiche-1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="871" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6or7tQ8eRqd8lg60Cy0II-x19BSfDr-kiO7-T_Hm9AnwR-Fs6CQ1uzzS4EGqsDoSjpREsQuZZbRZSbFkaqerNJUZu6GmN9wMGmNWNhJWezwOI3ADBm7bNzRPdLOioj2kWk4fIrzJA1FqJqkvDNEhTEIXkmojLljwON9dj2UUR6txOJESXhWMqHvU8JUPL/s16000/affiche-1.jpg" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><b>Por primera vez en Nantes, una exposición presenta a 17 artistas que practican una fotografía llamada experimental. A pesar de su importancia en la historia de la fotografía, su inventiva y poética que se renuevan sin cesar, es una práctica que poco se muestra. Es una fotografía que recorre el siglo XX, desde las vanguardias de los años 20 hasta los surrealistas, y se desarrolla hasta nuestros días. Jugar contra los aparatos es una exposición que aspira a poner de relieve una práctica artística y hacer descubrir su vitalidad. </b></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><a href="http://photographie-experimentale.com/" target="_blank">La fotografía experimental,</a> es jugar contra los aparatos, es no respetar las reglas habituales de la fotografía, darle la espalda a las prácticas, fotografiar sin aparato o sin objetivo, desviar las normas de desarrollo o del revelado. Es ver en la fotografía no un medio para representar el mundo sino un soporte con el cual se puede jugar de diferentes maneras. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Los 17 artistas (entre ellos un duo) presentados en esta exposición (aquí abajo por orden alfabético) se distinguen entonces porque no respetan las reglas habituales de la fotografía convencional. La consideran como un conjunto de programas que todos los fotógrafos tienen que respetar: aparato fotográfico, objetivo, reglas para la toma, de desarrollo y de revelado. Algunos no tienen aparatos (la mayoría aquí), otros, un aparato sin objetivo, otros perturban a propósito, las reglas de funcionamiento de la fotografía, no respetan las normas establecidas en cuanto a la química, el proceso, la luz o el tiempo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Todos esos fotógrafos practican un enfoque autoreflexivo sobre lo que es la fotografía, con mucha frecuencia siguen procesos rigurosos, se desmarcan de la función puramente representativa de la fotografía, le dejan una parte al azar y aceptan perder algo del control. En definitiva, <b>juegan con y contra los aparatos</b>. Esta concepción de la fotografía experimental como medio para rechazar las reglas impuestas fue desarrollada por el filósofo checo-brasileño <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2s4-2Ykx_Eo" target="_blank">Vilém Flusser </a>en su libro</span><i style="font-family: verdana;"> <a href="https://fr.scribd.com/doc/256832960/Flusser-Vilem-Hacia-una-filosofia-de-la-fotografia-pdf" target="_blank">Hacia una filosofía de la fotografía</a></i><a href="https://fr.scribd.com/doc/256832960/Flusser-Vilem-Hacia-una-filosofia-de-la-fotografia-pdf" style="font-family: verdana;" target="_blank"> </a><span style="font-family: verdana;">.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhalwFXJWi9sm1BXti3GvkrEEU6ryKhWgfEUvfmgJEDpHkpE_VYTHJ4_PDzCwVZq954irY5nrYZdGfDitS1aVQjSdAtCUJ6Qem02tRCssp5AFv9do1AWqQMyxD1v_WyHVt5LGheKFKdoeyy_kn_HM2CAJrAmTS9sBvZCZ0DpFd5SbpQ6yHYbp18DNmU4wxY/s600/20240118_110328.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="330" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhalwFXJWi9sm1BXti3GvkrEEU6ryKhWgfEUvfmgJEDpHkpE_VYTHJ4_PDzCwVZq954irY5nrYZdGfDitS1aVQjSdAtCUJ6Qem02tRCssp5AFv9do1AWqQMyxD1v_WyHVt5LGheKFKdoeyy_kn_HM2CAJrAmTS9sBvZCZ0DpFd5SbpQ6yHYbp18DNmU4wxY/s16000/20240118_110328.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Morgane Adawi, 8 Superficies sensibles, 2014. Impresiones chorro de tinta sobre papel Epson, cada uno 20x20cm. Colección Marc Lenot. Foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2014/12/fotografia-o-posesion-morgane-adawi.html" target="_blank">Morgane Adawi</a></b> (1988) era estudiante de la Escuela Nacional Superior de la Fotografía cuando realizó este trabajo. Aquí, su cuerpo ya no es sencillamente motivo de representación sino un verdadero material para explorar, modelar, experimentar, con el fin de sentir los contornos, volúmenes, superficies y también las sensaciones y los límites de la percepción. Estas fotografías son improntas directas de sus senos y vulva que había untado con revelador fotográfico (después de haberse aplicado una crema protectora) antes de poner una hoja de papel fotosensible bajo luz inactínica (roja). </span><span style="font-family: verdana;">Un trabajo que interroga la feminidad, la sexualidad y la relación con el cuerpo, e insiste en la repetición del gesto y la implicación física hasta el agotamiento. También conlleva la reflexión sobre la impronta corpórea que podemos relacionar con las metáforas de la Verónica o el Santo Sudario. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdp1aLdl_7fTwWvzUkNjM7MxyUSlGjD5aCC80ptozYHEpJzwBgFojz1CM0dLYH-XSIlwFF74fcVRnEwBo_u_Ba5_c28u4C3jpS5N9ieIEBerzUu2UMaDRXpc-arzzuG_UvGjkwL2hDfmwDsuQX_VPdwQj0Z8zRBvwPD_rpojmC2p61j-82XCJ0cUY4HimS/s600/20240120_174322.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="591" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdp1aLdl_7fTwWvzUkNjM7MxyUSlGjD5aCC80ptozYHEpJzwBgFojz1CM0dLYH-XSIlwFF74fcVRnEwBo_u_Ba5_c28u4C3jpS5N9ieIEBerzUu2UMaDRXpc-arzzuG_UvGjkwL2hDfmwDsuQX_VPdwQj0Z8zRBvwPD_rpojmC2p61j-82XCJ0cUY4HimS/s16000/20240120_174322.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Patrick Bailly-Maître-Grand, 4 Las Gotas de Niépce, 2006. Impresión analógica 53x53cm. Préstamo galería Baudoin Lebon. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.baillymaitregrand.com/" target="_blank">Patrick Bailly-Maître-Grand</a></b> (1945) es de los fotógrafos experimentales franceses más importantes, no para de explorar nuevos procedimientos para ir más allá de la representación fiel de la realidad. En las Gotas de Niépce, el artista compone ópticas barrocas para las que utiliza gotas de gelatina alimenticia en lugar del lente de vidrio con el objeto de fotografiar un paisaje. Luego fotografía el mismo paisaje con un enfoque borroso y luego superpone las dos imágenes en un solo montaje. Una solución laboriosa que evoca los inicios de la fotografía, cuando todo estaba por descubrir con una caja, un pedazo de vidrio, la química y el azar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4xk0wjBTdgkPde5gPOw88UVzCfbhBWzmv70WyaqpAQOQar-M2lPoDsLhsJZ9ZbleWGCi7OJIJZXPJI71Nc1QjpZ7FunkcFu_lMLoRYJCO1QBGXLFQIbVp1ucdVRgKzn8rVTNo46QuyRzIZIPTkr9vxGhafs-0kT-lS0lYw4r2dcbLawozUR-CS4BGa-YR/s600/img_0460.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="439" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4xk0wjBTdgkPde5gPOw88UVzCfbhBWzmv70WyaqpAQOQar-M2lPoDsLhsJZ9ZbleWGCi7OJIJZXPJI71Nc1QjpZ7FunkcFu_lMLoRYJCO1QBGXLFQIbVp1ucdVRgKzn8rVTNo46QuyRzIZIPTkr9vxGhafs-0kT-lS0lYw4r2dcbLawozUR-CS4BGa-YR/s16000/img_0460.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Patrick Bailly-Maître-Grand, Las Gemelas, 1997. Impresión analógica, imagen 80x60cm. Colection Marc Lenot. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><i style="font-family: verdana;">Les Gémelles</i><span style="font-family: verdana;"> presentadas aquí son unas imágenes oscuras de viejos espejos, el duplicado de un par de monotipos directos, un negativo original y el positivo que se reveló por contacto, sin que sepamos cuál es cuál: entonces es imposible saber, por ejemplo, si el negro significa luz en el negativo o ausencia de luz en el positivo. En ese vacío opaco, ciego, misteriosamente, no se refleja ninguna imagen, el objetivo del fotógrafo es invisible por no sabemos qué artificio: no es una puesta en abismo sino una desaparición de la representación, un memento mori. La portada de la primera edición francesa del libro esencial de Vilém Flusser, <i><a href="https://etrillas.mx/libro/hacia-una-filosofia-de-la-fotografia_4391" target="_blank">Hacia una filosofía de la fotografía</a></i>, estaba ilustrada con dos <i>Gémelles</i>. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCk9qLtWRKvAYFSNFuGRUwudBCNE-SqHoOkeF6z01OAedz9lWPFaaQJVzJxfiVZT-g-VOTzpDa1FIiBKeg5Ux2LcCBiBrhZWyn0FbnYFMVbaTkyOAsN3Uz9OO3hGlgScVTNm-EWx0BVKveVQVf3IL9apbDeEdzdVh-eLMO8LK5wisJZ7q44yz8Zej9kwbM/s702/20240120_173726.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="702" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCk9qLtWRKvAYFSNFuGRUwudBCNE-SqHoOkeF6z01OAedz9lWPFaaQJVzJxfiVZT-g-VOTzpDa1FIiBKeg5Ux2LcCBiBrhZWyn0FbnYFMVbaTkyOAsN3Uz9OO3hGlgScVTNm-EWx0BVKveVQVf3IL9apbDeEdzdVh-eLMO8LK5wisJZ7q44yz8Zej9kwbM/s16000/20240120_173726.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Patrick Bailly-Maître-Grand, Las Hormigas, 2002. Revelado argéntico, imagen 60x50cm. Préstamo galería Baudoin Lebon. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Otras piezas de </span><span style="font-family: verdana;">Patrick Bailly-Maître-Grand son experimentos con insectos, moscas, hormigas, arañas. En la oscuridad del laboratorio, encerró a unas arañas entre dos placas triangulares de vidrio que puso directamente sobre papel fotográfico. Un flash es suficiente para fijar su sombra en el papel fotosensible y obtenir esta escritura coreográfica. Una vez las moscas proliferaron en casa del artista y capturó una buena cantidad en bandas de papel pegajoso suspendidas del techo: después puso las bandas transparentes saturadas de moscas muertas sobre papel fotográfico para obtener un fotograma cuya imagen puede evocar una partitura. Al dejar que se abran gusanos de mosca en un dispositivo de vidrio con papel milimetrado, el artista fotografía las moscas de manera aleatoria cuando se paran en el papel al azar de sus peregrinajes. Sólo una hormiga (arriba) puesta en una placa rodeada de agua se desplaza en su prisión milimetrada, buscando incansable una salida. El artista la fotografía a cada paso de su errancia y superpone las tomas verticalmente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiopV4LekQFUZ_W_Bn1UPhZ5zKUSa46pk8CZqFEq2a06H6GuaUBMs-asdQI71v5la6BJZhjbCQnFpJUTY9VDsZdUJ2AAQyR0vdcF3JGsUPvDNu7PKSVgI02ZNJ_zyqQI-1o2V7oAEI6IaaXPst1QDW7JJ085Eq9Z6OI2r5_suK0WWNNarfBN8Pxgl8IxXq5/s600/20240120_173658.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiopV4LekQFUZ_W_Bn1UPhZ5zKUSa46pk8CZqFEq2a06H6GuaUBMs-asdQI71v5la6BJZhjbCQnFpJUTY9VDsZdUJ2AAQyR0vdcF3JGsUPvDNu7PKSVgI02ZNJ_zyqQI-1o2V7oAEI6IaaXPst1QDW7JJ085Eq9Z6OI2r5_suK0WWNNarfBN8Pxgl8IxXq5/s16000/20240120_173658.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Rossella Bellusci, vista de la exposición, foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En las fotografías </span><span style="font-family: verdana;">diáfanas</span><span style="font-family: verdana;"> de <b><a href="https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/personne/cX44nrk" target="_blank">Rosella Bellusci</a></b>, artista italiana residente en Francia (1947), el tema se disuelve en una luz cegadora, tan fuerte que destruye la representación y solamente deja aparecer una vibración de trazos depurados, atenuados, evanescentes. Hay que contemplarlos largo tiempo para ver aparecer al fin el simulacro de una presencia en el umbral de lo visible. En las cuatro Líneas-Retratos de Audrey y de Malika (en las paredes laterales, difíciles de fotografiar), una luz deslumbrante vacía la cara de aquellas mujeres, vacía sus rasgos individuales, y al mismo tiempo exalta la pureza del óvalo. En cuanto a los tres </span><span style="font-family: verdana;"><i>Fluorescenze</i></span><span style="font-family: verdana;"> (al fondo), una figura procedente de la luz, sin rasgos ni contornos, suspendida en el espacio, parece avanzar o retroceder dependiendo de las disposiciones de la mirada. El halo que la aureola crea el movimiento de esa visión fugitiva. Si la luz extrema no destruye la imagen, en todo caso sí su representación y su visibilidad, para lograr una visión más esencial y mental más allá de la fotografía. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7f9P90D77iR3jHy9pTAFlVXpPWfxViwkSd5VeEeUQVax6fJsYA1HwTRyRmQPnIOq6oAnusY0jLjvgOUHl0KLkZID8RN2xfz0E8f_Lxyl-mIFnZwFPkQvRQFAAj4QAdDuR_PhmngX_cx-ROhhNUzmVcCnLXWV4NhrxAR4T94tpWif4YjJkjcBDY9dgYIQ/s745/20240120_174251.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="745" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7f9P90D77iR3jHy9pTAFlVXpPWfxViwkSd5VeEeUQVax6fJsYA1HwTRyRmQPnIOq6oAnusY0jLjvgOUHl0KLkZID8RN2xfz0E8f_Lxyl-mIFnZwFPkQvRQFAAj4QAdDuR_PhmngX_cx-ROhhNUzmVcCnLXWV4NhrxAR4T94tpWif4YjJkjcBDY9dgYIQ/s16000/20240120_174251.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><i></i><p></p><div style="text-align: justify;"><i><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana;">Christelle Boulé, Bluebell (Michael Pickthall, Penhaligon’s, 1978), 2016. Perfume sobre papel fotográfico Fujicolor Crystal Archive, fotograma único, 12x15cm. Colection Marc Lenot. Foto del autor.</span></span></i></i></div><span style="font-family: verdana;"><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La fotógrafa suizo-canadiense </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.christelleboule.com/work/parfums" target="_blank">Christelle Boulé</a></b> (1984) intenta representar lo inmaterial, captar lo invisible, revelar lo que percibimos sin ver. Fascinada por el olfato, quiere expresar en imagen la experiencia íntima y fugitiva de la percepción del perfume. En la cámara oscura, deposita una gota de perfume sobre el papel fotográfico, la reacción química que resulta produce formas espectrales que luego revela y fija. Así ha obtenido la imagen de cien perfumes e indica para cada uno el nombre de la «naríz» que lo inventó y que lo produjo, y la fecha de creación del perfume. A veces flota aún un leve olor sobre el revelado. Este es descrito así por el perfumero: «Un paseo en el bosque en medio de una alfombra de jacintos perfumados. Una verdadera felicidad.»</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiaCMCA1ZO2DqycKfK8xKQGMq8n0jorMx2gTWy1ne1pf5uhvs8B3IijkDkmaF_g5uaBNIrA4dXztwoxNDVnNiWHhqLNP5a1-xZuHigfqEZJ9Jzgfc13eTgfKhEs9wxmcNSYmwiR5XG4dHJ22SFsSW5pPvqI-IlbPQ6AhyphenhyphenVqPmOEY_qW-r5T1d_SAsmjlH4/s600/img_0453.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiaCMCA1ZO2DqycKfK8xKQGMq8n0jorMx2gTWy1ne1pf5uhvs8B3IijkDkmaF_g5uaBNIrA4dXztwoxNDVnNiWHhqLNP5a1-xZuHigfqEZJ9Jzgfc13eTgfKhEs9wxmcNSYmwiR5XG4dHJ22SFsSW5pPvqI-IlbPQ6AhyphenhyphenVqPmOEY_qW-r5T1d_SAsmjlH4/s16000/img_0453.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Évelyne Coutas, Thermogrammes, 1990 y 1991, vista de la exposición, foto H. Foucault</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWM5rzxXb0gwqJBg7sh9gsPQWqBuSPDbwog7kukd_jnQnFVyXxDkdhk0o_ORbYlZrB_ZMS04zpGxEt6rF1SxBWTnpAjmvrG2OT5yRPK5ZKlCbb33u0J3JLCOfuNUCQDM_NRXvZAhHdjMhyphenhyphent8f7f9DLJD8PLAgd4M-XbjeqAA9JvMAiGF9cD8FUP0f3wg46/s600/img_0454.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWM5rzxXb0gwqJBg7sh9gsPQWqBuSPDbwog7kukd_jnQnFVyXxDkdhk0o_ORbYlZrB_ZMS04zpGxEt6rF1SxBWTnpAjmvrG2OT5yRPK5ZKlCbb33u0J3JLCOfuNUCQDM_NRXvZAhHdjMhyphenhyphent8f7f9DLJD8PLAgd4M-XbjeqAA9JvMAiGF9cD8FUP0f3wg46/s16000/img_0454.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Évelyne Coutas, Images soufflées, 1992 & 2003, vista de la exposición. foto H. Foucault</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.evelynecoutas.net/" target="_blank">Évelyne Coutas</a></b> (1958) llegó a la fotografía como por accidente, sus experimentos fueron con frecuencia tanteos. Los Termogramas son imágenes obtenidas a partir de fotogramas a escala humana en los cuales ha puesto su cuerpo desnudo y sudoroso: crea no solamente una impresión luminosa del cuerpo sobre la superficie fotosensible, como en todo fotograma, sino también una reacción de las sales de plata con la transpiración. Las trazas evanescentes de este acontecimiento íntimo y efímero generan una </span><span style="font-family: verdana;">«scriptografía»</span><span style="font-family: verdana;"> del cuerpo. Al contrario de los fotogramas de objetos en los cuales el cuerpo humano no interviene para nada, aquí se convierte en objeto y sujeto, actor e imagen. Más íntimas aún son las <i>Imágenes sopladas</i> en las que el aire que emana de su boca es el que impresiona el papel fotográfico: acción en el culmen de la sensualidad, un beso fotográfico. El hueco enorme en lugar de la boca, los labios que articulan letras, es su manera de captar la energía de su cuerpo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4TMOjYq0EZMVtskpxKDVGIjKtFJhxeJ_EfIE-cJ5SmlZlOgPoW1v-SpxeM3oTRx5RhBJdar222HG2MV0hbchI5shkM9a6sfRHebEWyp2hHKYmXnz6kjkAzamdhTd41awRZehpWxXb-w-yFOo3rYiXafy-OeS4BebvV2RooBINYdX5Usl8_vmO0wRN5wqH/s730/20240120_174259.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="730" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4TMOjYq0EZMVtskpxKDVGIjKtFJhxeJ_EfIE-cJ5SmlZlOgPoW1v-SpxeM3oTRx5RhBJdar222HG2MV0hbchI5shkM9a6sfRHebEWyp2hHKYmXnz6kjkAzamdhTd41awRZehpWxXb-w-yFOo3rYiXafy-OeS4BebvV2RooBINYdX5Usl8_vmO0wRN5wqH/s16000/20240120_174259.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Flora Fanzutti, Infierno y paraíso, 2020. Quimigrama sobre papel foto argéntica, digitalizado luego, impresión chorro de tinta, 53x67cm. Colection Marc Lenot. Foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaTtRM0F7J7QfVE-Zz7N7CcLXLHgypCJObdAlktR5tg4sr-rm8uNvEKxFGrFOWLZdNtrqB_qqsjdz8SbnoT46YMwoXBi_uBO1JpWqqIL2_sCNfBmpA67IplRmZi_Mw_s8YNsKJtq_PwHC3YxlA-2XxX8HdclD3NmFHhjL1D46ytlHw5OLJ8TM_DwQGWTdg/s663/20240120_173605.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="663" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaTtRM0F7J7QfVE-Zz7N7CcLXLHgypCJObdAlktR5tg4sr-rm8uNvEKxFGrFOWLZdNtrqB_qqsjdz8SbnoT46YMwoXBi_uBO1JpWqqIL2_sCNfBmpA67IplRmZi_Mw_s8YNsKJtq_PwHC3YxlA-2XxX8HdclD3NmFHhjL1D46ytlHw5OLJ8TM_DwQGWTdg/s16000/20240120_173605.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Flora Fanzutti, 8 Vedute, 2021. Revelados únicos directos sobre papel argéntico, cada uno 9,5x12cm. Foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.florafanzutti.com/" target="_blank">Flora Fanzutti</a></b> (1983) explora los límites del medio fotográfico y las interacciones entre superficie y profundidad, mira la fotografía como una materia viva con la que dialoga. Trabaja directamente, manualmente con el material fotosensible y su gesto artístico invita los accidentes y los azares. <i>Infierno y paraíso</i> resulta de la reacción del papel fotosensible y de los estímulos químicos y mecánicos para crear formas originales que luego escanea y agranda con el fin de hacer surgir un paisaje mental. Las <i>Vedute</i> (vistas en italiano) circulares con contornos inciertos nacen de la exploración microscópica de la materia fotográfica, como una ventana abierta a un mundo misterioso a la vez real e imaginario, entre memoria, observación y manipulación del soporte fotográfico. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZCJZfTGva2gz0cW828E_H_TksgtWeeKD_zhQRLqOfh1ODcvLlb1MN0rlx-wwMlMwCC4owjUsLOqFgQD_vs3yS2c_wMcbD6qfSYZDXPmFgnOsyule7Uk8oi2UKjzlVFrNHo1iHtOS36q7aqweNjAwQTZ61QrUGqmYBwlOOuqydAzyWAryNhyi3nSnpjQSk/s600/20240120_173139.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="432" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZCJZfTGva2gz0cW828E_H_TksgtWeeKD_zhQRLqOfh1ODcvLlb1MN0rlx-wwMlMwCC4owjUsLOqFgQD_vs3yS2c_wMcbD6qfSYZDXPmFgnOsyule7Uk8oi2UKjzlVFrNHo1iHtOS36q7aqweNjAwQTZ61QrUGqmYBwlOOuqydAzyWAryNhyi3nSnpjQSk/s16000/20240120_173139.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Henri Foucault, The Transmissing, 2012. Conjunto de fotogramas analógicos únicos, 96 paneles de 50x60cm, sea 400x720cm. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Originalmente </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://oneartyminute.com/artistes/henri-foucault" target="_blank">Henri Foucault</a></b> (1954) es escultor, trabaja en los linderos de la fotografía y de la escultura, realiza fotogramas de cuerpos desnudos. La imagen que obtiene así es perforada para sustraer materia, un ahuecamiento que evoca la escultura en talla directa, y después la ubica sobre una imagen idéntica: la obra ya no es solamente una huella o una silueta sin perspectiva, sino que se transforma en un objeto fotográfico en tres dimensiones. La mordida de los huecos en la imagen sustituye la textura de la piel. La yuxtaposición de los aproximadamente veinte cuerpos que caen cabeza abajo crea una vibración luminosa, un movimiento continuo iridiscente. La tentativa escultural de darle volumen a la fotografía, de privilegiar la masa antes que el contorno del fotograma, corresponde a una búsqueda experimental según la cual la fotografía no es solamente medio y representación sino el lugar en el cual el material fotográfico se transforma en materia escultural. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQBMjpRavwOA_H7XvkeCXN5sdDXMmtSnio6z4fckVaPffKXHOfCQHxMTd7kz4pVkV8f16xZa1vNvPTDwklZqQa02Hp-TiKu44VV4MkfyfVSZWBzYhhM6y9GZQQM_Jf0Y3p-ZropYNjgBe7L6hecZkyF5peGT-MUEOTw2eSISNIYFQy4MlD3v2KL7FLbf3c/s775/20240120_174307.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="775" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQBMjpRavwOA_H7XvkeCXN5sdDXMmtSnio6z4fckVaPffKXHOfCQHxMTd7kz4pVkV8f16xZa1vNvPTDwklZqQa02Hp-TiKu44VV4MkfyfVSZWBzYhhM6y9GZQQM_Jf0Y3p-ZropYNjgBe7L6hecZkyF5peGT-MUEOTw2eSISNIYFQy4MlD3v2KL7FLbf3c/s16000/20240120_174307.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Raymond Hains, Solarisation,1952. Solarización sobre papel, 29,5 x 23,5 cm. Préstamo del Museo de artes de Nantes. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La fotografía es la base de la práctica artística de<b> </b></span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="http://indexgrafik.fr/raymond-hains-graphisme-et-photographie/" target="_blank">Raymond Hains</a> </b>(1926-2005). Precede su trabajo sobre los afiches y sus obras neorrealistas. Al descubrir la fotografía en 1944, se convierte en el asistente de Emmanuel Sougez y experimenta en su apartamento con fotogramas y solarizaciones que le muestra a André Breton; también construye mecánicas complejas para reflejar y distorsionar la imagen, usando espejos, pedazos de vidrio acanalados para desconstruir la luz, fragmentar la imagen y metamorfosearla en líneas abstractas. Esta solarización fue obtenida con una fuerte y breve exposición a la luz blanca durante el desarrollo en la sala de revelado. Resulta una inversión parcial de los negros y blancos para crear un resultado gráfico sorprendente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6JTvc8eQm5Vmm0r-2XuH7de9XOBp_iAt5OrrGetz928M4lCuO31KpDNzTh4KMBMk2ysB1XLLe0CrUFMmdMP_uyszQeYTlYfWWuyPsC2s5TgTI_HOgrNvsPRLvjVOd0iskKosVPOEBQji47OgpqwunG90Vijh2N-CZ7gSIFq3-7G0PaQpFPTYNZq35joLw/s600/20240120_174243.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="252" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6JTvc8eQm5Vmm0r-2XuH7de9XOBp_iAt5OrrGetz928M4lCuO31KpDNzTh4KMBMk2ysB1XLLe0CrUFMmdMP_uyszQeYTlYfWWuyPsC2s5TgTI_HOgrNvsPRLvjVOd0iskKosVPOEBQji47OgpqwunG90Vijh2N-CZ7gSIFq3-7G0PaQpFPTYNZq35joLw/s16000/20240120_174243.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Chuck Kelton, Thought on mountains and valleys, Resist & A view, not from a window, 2017-2019. Préstamo galería Miranda. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El artista estadounidense </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.galeriemiranda.com/exhibitions/past/alchemy-of-landscape/" target="_blank">Chuck Kelton</a></b> (1952) describe su planteamiento como una caligrafía química y cruza diferentes técnicas, especialmente fotograma y quimigrama, además de aplicar varias capas de productos químicos a veces caducados: reveladores, fijadores, blanqueadores, virados, como en el siglo XIX. Con frecuencia dobla el papel en dos y crea así una ruptura visual entre las dos partes de la hoja, como si fuera una linea de horizonte. Su trabajo es fruto de improvisaciones y de errores controlados, llevando el proceso hasta sus límites. Sus obras abstractas pueden evocar cañones, montañas, océanos, bosques, parecen pinturas al óleo, acuarelas, dibujos con pastel o carboncillo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcm8AyvJ_6c4J1_av2JKuDx8btavzXjQfFzwMDm4VWmTcBu2DVJVDezXZ6dpXwDvpYrIBDNCGI6XmFAtM3PzxuB2h0x1wftcUudYSEpudhEVesQ33VxTyMCP4pIN9qSmENVue76Oh1LzulaQxkPcYUY0QfKIlEBg_dWL7OHdFY1DAsWf8jAXNSRxiwT3r2/s625/20240120_173221.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="625" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcm8AyvJ_6c4J1_av2JKuDx8btavzXjQfFzwMDm4VWmTcBu2DVJVDezXZ6dpXwDvpYrIBDNCGI6XmFAtM3PzxuB2h0x1wftcUudYSEpudhEVesQ33VxTyMCP4pIN9qSmENVue76Oh1LzulaQxkPcYUY0QfKIlEBg_dWL7OHdFY1DAsWf8jAXNSRxiwT3r2/s16000/20240120_173221.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Jean-François Lecourt, de la serie La bala crea la imagen. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><span style="font-family: verdana;"></span><p></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><p></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS7Hi5aRhLHbVrKzJqIWsZLEa5PTuK9upBzMvxLBA2j5qpkw9mt-Nk1jsjMuEwSy_wADo_Yc-IP91yeEtmoOpicTTdmpiky8AzwPNfZ4mLF8G-9ZwfKL20xH2L8VGCgprWWozQby3jA2PR90z9KUaKa3HzW0e7aBKbokNiZWqrvql9g1zI6E0E9VfkqZuh/s775/20240120_173520.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="775" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS7Hi5aRhLHbVrKzJqIWsZLEa5PTuK9upBzMvxLBA2j5qpkw9mt-Nk1jsjMuEwSy_wADo_Yc-IP91yeEtmoOpicTTdmpiky8AzwPNfZ4mLF8G-9ZwfKL20xH2L8VGCgprWWozQby3jA2PR90z9KUaKa3HzW0e7aBKbokNiZWqrvql9g1zI6E0E9VfkqZuh/s16000/20240120_173520.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Jean-François Lecourt con Isabelle Johansson, de la serie La bala crea la imagen.Foto del auteur.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.ladiagonaledelart.com/photo/la-photographie-explosive-de-jean-franc%CC%A7ois-lecourt/" target="_blank">Jean-François Lecourt </a></b>(1958) construye una cámara oscura sin hueco con un papel fotosensible en la cara vertical del fondo, luego, frente a la caja, dispara con fusil, pistola o arco. El orificio creado por el impacto de la bala en la cara frontal es entonces el estenopo. El haz luminoso que obtiene así se proyecta en la superficie sensible y la impresiona; al mismo tiempo la bala (o la flecha) choca contra la cara del fondo y hace un hueco en la superficie sensible. El artista se queda inmóvil unos instantes, hasta que un asistente cubra la caja con una tela opaca para interrumpir la toma. El trazo mecánico del impacto se encuentra casi exactamente en el lugar del cañon del fusil en la fotografía obtenida. Esos autorretratos <i>performativos </i>son una experiencia de los límites del acto fotográfico y una forma de desarmar sus engranajes: el acto de violencia crea la imagen. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtcmZI5xTwOpvKRPACXtXK9OsBQGJmKFloGddy3Sh8_TSrFBnUQ-2VnBtZeqDWLq411GL4V4mhR7omQOt1BFRaxdux7549BwnTPLrXJEvU5uN_CCSbQUgc-k6eiolp3VD1ZBHZ7DPoWuzCm9Tc_UK_1eMaPYzYsVxZz8WwaIsUROWHIYo5gA9D_xvLqZF9/s821/20240120_173520-1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="821" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtcmZI5xTwOpvKRPACXtXK9OsBQGJmKFloGddy3Sh8_TSrFBnUQ-2VnBtZeqDWLq411GL4V4mhR7omQOt1BFRaxdux7549BwnTPLrXJEvU5uN_CCSbQUgc-k6eiolp3VD1ZBHZ7DPoWuzCm9Tc_UK_1eMaPYzYsVxZz8WwaIsUROWHIYo5gA9D_xvLqZF9/s16000/20240120_173520-1.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Nino Migliori, Ossidazione, 1953. Revelado analógico con oxidación química, 35.5x32cm. Colección Marc Lenot. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En paralelo con una carrera de fotógrafo documental, el italiano </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://fondazioneninomigliori.org/it/fondazione/chi-siamo/" target="_blank">Nino Migliori </a></b>(1926) ha sido uno de los pioneros de la experimentación fotográfica y en especial de las manipulaciones químicas de la imagen (también de los polaroids). Las primeras <i>Oxidaciones</i> las hizo por casualidad, con la curiosidad de ver el resultado de una mezcla de revelador y fijador en la bandeja de desarrollo. Con el propósito de no respetar las reglas establecidas ni la estética tradicional, quiere tomar el control en el momento del desarrollo y del revelado para afirmar la autonomía humana frente al dispositivo fotográfico. Fue uno de los primeros en rechazar el postulado de que la fotografía no debe ser sino una representación de la realidad. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLfI1M4COTCgRmf5uzsqGsZu7p0NNl7zJSvOTHFzK1Rqm8JmwrxOGV73_mq6UR-GZoVb0G7vRH3TkYj0G5c0ufLnnV07ARL2gQJlvJ-DO8890srMcnB6WjH3prgjZbJgcJI_zIquYyw1PUHq8H8n3V6G45_OPlITvgQV5lIIsvZSg_oSK-RknnOY6MiPU/s730/xavier-navatte-_les-reflets-reciproques_-120x146cm.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="730" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLfI1M4COTCgRmf5uzsqGsZu7p0NNl7zJSvOTHFzK1Rqm8JmwrxOGV73_mq6UR-GZoVb0G7vRH3TkYj0G5c0ufLnnV07ARL2gQJlvJ-DO8890srMcnB6WjH3prgjZbJgcJI_zIquYyw1PUHq8H8n3V6G45_OPlITvgQV5lIIsvZSg_oSK-RknnOY6MiPU/s16000/xavier-navatte-_les-reflets-reciproques_-120x146cm.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Xavier Navatte, Los reflejos recíprocos, 2022. Prueba pigmentaria, 93x147cm. Foto del artista.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.navigart.fr/mamparis/artworks/authors/NAVATTE%20Xavier%E2%86%B9NAVATTE%20Xavier" target="_blank">Xavier Navatte</a></b> (1957) intenta captar situaciones que sugieren cierta consciencia del tiempo, de su movimiento como de su aparente inmovilidad. Quiere capturar el cuerpo, la figura u objeto como una presencia fugitiva. Sus representaciones humanas se reducen a una forma o silueta despojadas de todos los detalles superfluos, son representaciones sin identidad de contornos borrosos en camino de convertirse en ausencias. En esta pieza vemos primero una lluvia, una lluvia de colores, una lluvia de formas alargadas que se despegan de un fondo negro moteado con punticos blancos, a veces rayados. Desde más cerca entendemos que las formas alargadas son pedazos de emulsión arrancados a las películas, fragmentos despedazados. Son pieles fotográficas extraídas, despegadas, arrancadas, y luego depositadas en otro soporte fotográfico. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVjaEt3c0dinmDrg6MXSeb8tu2gof7JELEHwszz2Pwhz1LIr7CG6OawqE_DedVMVHpe5HaPuQu_ITmtrPDCi-uTXc0XPj0yYL9w7-relBc9ugk83hvYX_q8uScPV_2PnPOYj1BVykzljsjpBCmbcAKtR7oIjESzEvaeaVrcmKqOYJ9f8ymh2viMGGTkYJQ/s1032/20240120_173553.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1032" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVjaEt3c0dinmDrg6MXSeb8tu2gof7JELEHwszz2Pwhz1LIr7CG6OawqE_DedVMVHpe5HaPuQu_ITmtrPDCi-uTXc0XPj0yYL9w7-relBc9ugk83hvYX_q8uScPV_2PnPOYj1BVykzljsjpBCmbcAKtR7oIjESzEvaeaVrcmKqOYJ9f8ymh2viMGGTkYJQ/s16000/20240120_173553.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i>Les Époux P., Atardeceres universales, 2022. Instalación fotográfica de impresiones de fotografías autocromos sobre vidrio, 90X195X30cm. Foto del autor.</i></span></p><div><br /></div></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><br /></b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b>Pascale</b> (1962)<b> y</b> <b>Damien </b>(1961) <b>Peyret</b> trabajan juntos desde 2015 con el desfasado nombre </span><span style="font-family: verdana;">«<b> <a href="https://www.lesepouxp.com/" target="_blank">Les Époux P</a>.</b> » Exploran el campo de la memoria de lugares y objetos dedicándose a las problemáticas de territorio al tiempo que se encuentran con los habitantes y analizan archivos. Es una búsqueda que con frecuencia se aúna con la exploración de técnicas fotográficas recientes o antiguas. La instalación <i>Atardecer universal</i> se inspira del ritual de proyección inventado por Albert Kahn para sus invitados a Boulogne: cada sesión se terminaba con un atardecer fotografiado por uno de sus operadores alrededor del mundo, Cartagena, Delhi, Haïfa, Sweida, Constantinopla, ... Entre los miles de autocromos de crepúsculos disponibles en el Museo Albert Khan (Archivos del Planeta), reprodujeron cinco veces 24 sobre láminas finas de vidrio, arregladas en cinco coronas solares instaladas en soportes de madera que recuerdan las cajas originales de los autocromos. Es como si fuera un himno cósmico a la belleza del mundo que refleja el pacifismo de Albert Khan. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUwdGuQ7ZmtH3YpAo7ksWP72NXKnFwimSYwW3he_sgucd6rG_YhISSVZvWv-sxKTc3BnGPMDXFHoyBBHQiEl1HcJdoKFL-hrW0yDloJtGhlvFJDfwRyRoIHhmGIsQQIrJ3pi-QEVxW596l791aPy2OjD0RdRdxX9Fy-sFqkoVI73EjjxscawdvctRQtp0-/s600/savatier.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="352" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUwdGuQ7ZmtH3YpAo7ksWP72NXKnFwimSYwW3he_sgucd6rG_YhISSVZvWv-sxKTc3BnGPMDXFHoyBBHQiEl1HcJdoKFL-hrW0yDloJtGhlvFJDfwRyRoIHhmGIsQQIrJ3pi-QEVxW596l791aPy2OjD0RdRdxX9Fy-sFqkoVI73EjjxscawdvctRQtp0-/s16000/savatier.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><p style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i>Pierre Savatier, Plissé-quadrillé (2009), 2 Froissés (2006) & 2 Quadrillés pliés (2011). Vista de la exposición. Foto H. Foucault.</i></span></p><div><br /></div></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.pierresavatier.com/" target="_blank">Pierre Savatier</a></b> (1954) utiliza principalmente la técnica del fotograma, es el caso de 5 de las 7 obras presentadas aquí. En el momento de la insolación la luz actúa en categorías dobles, contacto y proyección, nitidez y borroso. Para él, trabajar la luz con la idea de visión, es abrirle posibilidades a la imaginación. Su cuestionamiento es: «¿Qué mostrar de lo real que no pueda verse de otra manera?» Entre sus objetos predilectos tenemos las telas, la luz cae en sus pliegues y arrugas. Los<i> Arrugados</i> son fotogramas realizados con una luz rozada que atraviesa, se difunde o choca en la tela arrugada. Evocan superficies minerales erosionadas. El <i>Plisado cuadriculado</i> es un fotograma de alzado de los pliegues de una tela con un cuadriculado luminoso tal un paisaje imaginario. Es la acumulación de los trazos de luz que revela la vista conjunta y sobreexpone los márgenes. En vista de la desaparición de los papeles Cibachrome, ahora Savatier realiza «escanogramas», como los de <i>Cuadriculados doblados</i>. La flexibilidad, la transparencia y la cuadrícula se mezclan para mostrar un pedazo de tela pero también para dibujar una abstracción. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUjJ1l1yovVbXreRzMDjm_JgGOQviitH4MPvWvIl2iTAuJtPGTRDcSJAtSIDqUGV9szrzFeI4Q-HnluRmivrBKNZ_vKql1CySKMUtzkA-K27XQ5m9XV5tpcGQulndMEpBlEEEdpRbQnkvHpyga7NzsPJqU50JVTKubjo7ncqSWcOFyzUc9fSJS9T7D7vn_/s600/20240118_112038.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="290" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUjJ1l1yovVbXreRzMDjm_JgGOQviitH4MPvWvIl2iTAuJtPGTRDcSJAtSIDqUGV9szrzFeI4Q-HnluRmivrBKNZ_vKql1CySKMUtzkA-K27XQ5m9XV5tpcGQulndMEpBlEEEdpRbQnkvHpyga7NzsPJqU50JVTKubjo7ncqSWcOFyzUc9fSJS9T7D7vn_/s16000/20240118_112038.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Pierre Savatier, Francia geológica (2007) & Cuadriculado coloreado (2011). Vista de la exposición. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><span style="font-family: verdana;"><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El <i>Cuadriculado coloreado</i> realizado con el mismo método, muestra un motivo «escocés» de colores fundidos debidos a las variaciones regulares de los trazos de luz. También vemos las mezclas que produce la luz de colores. La Francia geológica vuelve a salir del mismo procedimiento, utilizando un mapa desplegado.</div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx64x0uUUbhTHh-90zwCmjZYH6Xv4VFW_fOvyV9hyQlmmFohcrkppdxA-hEZX3k9sW0vyZQwQ4pn8lOO63lzVXe2sJZmcqT9q5n7UEps08PbESpYJlT0xPjJpkTHhqjZV1QrIBp6xbyVKBmY1KmiKiTITjv5My2FQm8lflgBpJK86l8ArvUCljVUaJukMN/s600/20240120_174233.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="212" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx64x0uUUbhTHh-90zwCmjZYH6Xv4VFW_fOvyV9hyQlmmFohcrkppdxA-hEZX3k9sW0vyZQwQ4pn8lOO63lzVXe2sJZmcqT9q5n7UEps08PbESpYJlT0xPjJpkTHhqjZV1QrIBp6xbyVKBmY1KmiKiTITjv5My2FQm8lflgBpJK86l8ArvUCljVUaJukMN/s16000/20240120_174233.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Laure Tiberghien, 2 Affresco (2023) & 3 Séquence (2019). Vista de la exposición. Foto del autor.</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://lauretiberghien.com/" target="_blank">Laure Tiberghien</a></b> (1992) explora los límites del medio fotográfico al cuestionar sus dos elementos fundamentales, la luz y el tiempo. A lo largo de sus experimentaciones se liberó de la obligación del tema para volver a la herramienta fotográfica más sencilla, la imagen en su misma inmaterialidad. Lo que ella fija, sin encerrarlo es el registro de la acción directa de los rayos luminosos en una superficie sensible. Solemniza el papel fotográfico como cuerpo y sustancia (Michel Poivert). Crea unos objetos fotográficos que no se pueden reproducir, son únicos; se ayuda de un dispositivo técnico (ampliadora, filtros color, gelatinas, placas de vidrio, linternas y celular) en la oscuridad. Al querer explorar el espectro luminoso y materializar ese invisible, Laure Tiberghien recibe toda clase de luz y propone unas imágenes que se vuelven tanto espacios meditativos como un retorno a la esencia de la fotografía. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC9ZsVYkE4NULmDEvQU__fRmobGkPcPlGkvlx2UzKYT5qeDTcSo_2lZQVpaje146PoW_iGu2WuA_3gTVDAnspHWIYFWKAUdyfisqpdqRV7oGBTKNa57T_oy-dy7RZ9AZdgGTzovknwlN167IQsSicAyvGhGne0atz7ssWWUYdSejnd2loV11PV1jMuZcZZ/s888/20240120_173627.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="888" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC9ZsVYkE4NULmDEvQU__fRmobGkPcPlGkvlx2UzKYT5qeDTcSo_2lZQVpaje146PoW_iGu2WuA_3gTVDAnspHWIYFWKAUdyfisqpdqRV7oGBTKNa57T_oy-dy7RZ9AZdgGTzovknwlN167IQsSicAyvGhGne0atz7ssWWUYdSejnd2loV11PV1jMuZcZZ/s16000/20240120_173627.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Nancy Wilson-Pajic, Falling Angels # 12 (Letters), 1995-1997.</span><span style="font-family: verdana;"><span style="text-align: left;"> </span>Cianotipia, 142x200cm. Préstamo galería Miranda. Foto del autor<br /><br /><br /></span></span></i></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La artista estadounidense residente en Francia </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://pajic-wilson-pajic.com/NANCY_WILSON-PAJIC.html" target="_blank"><b>Nancy Wilson-Pajic</b> </a>(1941), conocida además por su trabajo feminista sobre texto y sonido, se ha impuesto desde 1980 como precursora de la fotografía experimental, por sus experimentos con procedimientos fotográficos tradicionales, como la goma bicromada, el revelado al carbón, el fotograma, la cianotipia, ... Para ella un fotograma no es verdaderamente una imagen, más bien una huella, el testimonio de la existencia del tema que no se sustituye a él. Los Falling Angels, unos fotogramas de ángeles cayéndose de cabeza del cielo van rodeados de una constelación de objetos que causaron la caída: dólares, coronas de laurel, fotografías, cartas... La serie <i>Las Divas</i> está constituida con fotogramas de trajes de teatro del Museo de Mónaco. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieF4i70R2SkAJxapBCt8Kf42MaVf5Fmcs18BKLu6SB98q1A0X-A-osQKQ0LFrr1JAKL_j5OTNAAaQR9Qynn2G71_TCD0D7NKTPS5JYgT5069TGqlwTJCu8kiJ0iYG5kBQOWvLgRuQ9VWSCXFPrIVCHbe7bxCr7aI9Zrau4ETnM1xrlPC4eK38RxcLb2zXJ/s894/20240120_174124.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="894" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieF4i70R2SkAJxapBCt8Kf42MaVf5Fmcs18BKLu6SB98q1A0X-A-osQKQ0LFrr1JAKL_j5OTNAAaQR9Qynn2G71_TCD0D7NKTPS5JYgT5069TGqlwTJCu8kiJ0iYG5kBQOWvLgRuQ9VWSCXFPrIVCHbe7bxCr7aI9Zrau4ETnM1xrlPC4eK38RxcLb2zXJ/s16000/20240120_174124.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i>Nancy Wilson-Pajic, Gazelle 2 (serie Las Divas), 2004. </i></span><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana;">Cianotipia, 113x200cm. Préstamo galería Miranda. Foto del autor</span></span></i></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Un gran agradecimiento a los artistas por sus préstamos y su colaboración, al Museo de artes de Nantes, a la galería Miranda y a la galería </span><span style="font-family: verdana;">Baudoin Lebon; también les agradecemos a los equipos de la ciudad de Nantes y del Atelier, por su apoyo y su confianza.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-66766400038952582272024-01-29T21:26:00.001+01:002024-01-29T21:26:59.476+01:00Suzanne Valadon, la verdad sobre el desnudo<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">23 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/23/suzanne-valadon-la-verite-du-nu/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6a9N9z1XD3iWrLyt8fGLgaEt4n8SrHVH5WZ-wAoEMTHXNz2Lpyv9nAhnZb9N2ThGQ_YMTz3iIB-BewZFY9jPq2Q5sO2T_ypfp3oxvc72J9bL-n4S6uPZnF4dMWQBeBVN1qalkx6SvJP9jpWnEch3VmhfAqTiiT0EIKJOifZ16zFig4dR79nUhbVi178e4/s600/20240120_150121.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6a9N9z1XD3iWrLyt8fGLgaEt4n8SrHVH5WZ-wAoEMTHXNz2Lpyv9nAhnZb9N2ThGQ_YMTz3iIB-BewZFY9jPq2Q5sO2T_ypfp3oxvc72J9bL-n4S6uPZnF4dMWQBeBVN1qalkx6SvJP9jpWnEch3VmhfAqTiiT0EIKJOifZ16zFig4dR79nUhbVi178e4/s16000/20240120_150121.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, Un Mundo propio, Museo de Artes de Nantes, vista de la exposición</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición sobre <b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Suzanne_Valadon" target="_blank">Suzanne Valadon</a></b> en el <a href="https://museedartsdenantes.nantesmetropole.fr/suzanne-valadon" target="_blank">Museo de Artes de Nantes</a> (hasta el 11 de febrero; antes estuvo en el<a href="https://www.centrepompidou-metz.fr/fr/programmation/exposition/suzanne-valadon" target="_blank"> Centro Pompidou Metz</a>) hizo una elección excelente al concentrarse sobre su pintura de desnudos, principalmente, pero no exclusivamente femeninos. Después de recorrer un largo vestíbulo en donde la vemos pasar de modelo a artista, la sala central está dedicada a los desnudos. Luego, ante los bodegones, los paisajes y los retratos de amigos o de encargo, para ser sincero, uno se aburre un poco, el interés no es sino histórico (delante de su lienzo con su madre, hijo y amante, el cuarteto infernal), pero nada artístico. La única queja: demasiados dibujos de niñas (de las que </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.paginedarte.ch/fr/catalogue/mots--images/#!prettyPhoto[pp_gal][]/2/" target="_blank">Elisabetta Rasy</a> sabe hablar muy bien). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2QBC7DV6OHGAlYz2njB7fynxXihnHjtMsg1pFPKPOXGv13stsHLroZBS_j_7HQsur8xQBA3wTTgKxM4G6klqYU6gv2LyH8ijpRAw598qVy7c2e-ILKCK4N0f2deh30NvVnEFpminKq3uLJTzuSw8H766OF1Gggnv0Pplnc-ef53qvOaRn41hkRBwGyf1s/s694/20240120_141732.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="694" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2QBC7DV6OHGAlYz2njB7fynxXihnHjtMsg1pFPKPOXGv13stsHLroZBS_j_7HQsur8xQBA3wTTgKxM4G6klqYU6gv2LyH8ijpRAw598qVy7c2e-ILKCK4N0f2deh30NvVnEFpminKq3uLJTzuSw8H766OF1Gggnv0Pplnc-ef53qvOaRn41hkRBwGyf1s/s16000/20240120_141732.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, Autorretrato con senos desnudos, 1931, 46x38cm, col. Anne Bernardeau</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El primer lienzo que vemos al entrar es el último de sus tres autorretratos de cabeza y hombros, desnuda, a los 66 años (en 1931; los anteriores, más joven pero tampoco más halagadores, datan de <a href="https://www.artnet.fr/artistes/suzanne-valadon/femme-aux-seins-nus-autoportrait-vDo5ykCNuXSTfeeXTNKRZg2" target="_blank">1917</a> y <a href="https://www.flickr.com/photos/7208148@N02/49668216333" target="_blank">1924</a>, no están en la exposición). Qué otra mujer tuvo la audacia de pintar así, sin la mínima indulgencia, su cuerpo que envejece, sus senos pesados, la piel marchita, al tiempo que exhibe una seguridad tranquila y el orgullo de asumir su edad. No busca seducir, acaba de echar a su marido infiel, no le teme a la muerte (que llegará 7 años más tarde). </span><span style="font-family: verdana;">Ni Artemisia Gentileschi</span><span style="font-family: verdana;"> quien sin decirlo abiertamente se pinta después de en <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Cleopatra_(Artemisia_Gentileschi,_Milan)#/media/File:Artemisia_Gentileschi_Cleopatra2.jpg" target="_blank">Cleopatra</a>, en una joven <a href="https://pt.m.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Artemisia_Gentileschi_-_Susanna_and_the_Elders_near_a_Balcony.jpg" target="_blank">Suzana</a> seductora siendo que tiene 59 años, ni Lavinia Fontana camuflada en una <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Lavinia_Fontana#/media/Fichier:LFontana.jpg" target="_blank">Minerva</a> </span><span style="font-family: verdana;">improbable, </span><span style="font-family: verdana;">a los 61, ni Paula </span><span style="font-family: verdana;">Modersohn-Becker, primera pintora que asume su <a href="https://awarewomenartists.com/magazine/paula-modersohn-becker-lintensite-dun-regard/" target="_blank">desnudez</a>, como si estuviera embarazada, a los 30 años, ni <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Autoportrait_nu#/media/Fichier:Selfportrait_(Rozanova,_1914).jpeg" target="_blank">Olga Rozanova</a>, quien murió demasiado joven, tuvieron la misma audacia. Me parece que hay que esperar 1970 y la fotógrafa estadounidense <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Noggle" target="_blank">Anne Noggle</a> para encontrar a otra artista capaz de <a href="https://lunettesrouges1.files.wordpress.com/2020/10/stonehenge-noggle.jpg" target="_blank">representarse</a> asumiendo así su feminidad y su <a href="https://traubephoto.com/2014/09/11/anne-noggle-a-unique-talent/" target="_blank">sexualidad</a> de tercera edad (y actualmente la pintora <a href="https://www.sothebys.com/en/articles/the-groundbreaking-self-portrait-that-launched-jenny-savilles-career" target="_blank">Jenny Saville</a> continúa en esa línea). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6u5qYlfuZPD1GtjCBuSweh9sWgHSoJ981fUdC2iM6dQCO5or3INL_5WGsgk-nCiuPSxVVZyoPloVxMOu7p7RvXCDpseJCx7FhIzcff0VRKGIMMPI5bcjxug11aJq6mgAm-d-jSM9SSfwb8TP-clwY0yjjqp4KEZxaZUUwKt5l7IY9PhLCDzIlPORYeiFe/s600/gustav_wertheimer_-_the_kiss_of_the_siren_1882.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="452" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6u5qYlfuZPD1GtjCBuSweh9sWgHSoJ981fUdC2iM6dQCO5or3INL_5WGsgk-nCiuPSxVVZyoPloVxMOu7p7RvXCDpseJCx7FhIzcff0VRKGIMMPI5bcjxug11aJq6mgAm-d-jSM9SSfwb8TP-clwY0yjjqp4KEZxaZUUwKt5l7IY9PhLCDzIlPORYeiFe/s16000/gustav_wertheimer_-_the_kiss_of_the_siren_1882.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><span style="font-size: x-small;"><i>Gustav Wertheimer, El Beso de la Sirena, 1882, 85x112cm, Indianapolis Museum of Art</i></span></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Empezar la exposición con este lienzo nos da el tono: Suzanne Valadon es una mujer libre que no se molesta con convenciones de decoro o de censura, y a la que le gusta pintar el cuerpo femenino, el suyo como los de sus modelos, alejada de los cánones estéticos (masculinos) dominantes. Aunque el relato de su vida es bastante fantasioso (¿fue realmente acróbata de circo?), primero fue conocida como modelo, con el nombre de María, desde los catorce años. Los lunes f</span><span style="font-family: verdana;">recuentaba el mercado de modelos de la plaza Pigalle y su belleza atraía el ojo de tantos pintores, y como de costumbre también compartía sus camas y a veces sus vidas: el viejo Puvis de Chavanne, el egoísta Renoir, el galante Utrillo, el alcohólico Boissy, el atormentado Satie, el cortés Toulouse-Lautrec (con quien le hubiera gustado casarse para volverse condesa), y muchos otros (y uno de ellos -¿pero quién?- la deja <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Maurice_Utrillo" target="_blank">encinta </a>a los 18 años). Entre los cuadros que presentan y para los que posó, vemos <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Baile_en_la_ciudad" target="_blank">Baile en la ciudad</a> de Renoir, <a href="https://www.artehistoria.com/obras/la-gorda-maria" target="_blank">La Gorda Maria</a>, impúdica de sonrisa sarcástica de Toulouse-Lautrec, pero voy a mostrarles un lienzo de menor calidad y que muestra bien la mirada erótica puesta en ella: el Beso de la Sirena, del </span><span style="font-family: verdana;">mediocre </span><span style="font-family: verdana;">pintor austriaco </span><span style="font-family: verdana;"><b>Gustav Wertheimer</b>. Y es la fuerza de Maria convertida en Suzanne (Toulouse-Lautrec la llama así, una muchacha codiciada por viejos), capaz de superar esa mirada, de salirse del lienzo y bajarse de cuadro para apropiarse </span><span style="font-family: verdana;">así</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">su cuerpo. Toulouse-Lautrec (el primero que le dice pintora), luego el viejo Degas son los primeros que reconocen su talento y la apoyan. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVFRRz9xsS3XOMXvqUzNON-atE7L4sYS1iSBrr88NSQOPpsNZ3iw-eZj6LWTkYOojuxbvHOgzUA5yij4SylPppy9yO1RvYgPyS92v8u1RwnxHO9GbcluxTU4TGgsEkT_4i5u6aNOtMzYZLyKbw5OSPJHcdsMa7mUN-DL01ZilX66FCWT1aEGJxppKWWePs/s1067/20240120_145517.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVFRRz9xsS3XOMXvqUzNON-atE7L4sYS1iSBrr88NSQOPpsNZ3iw-eZj6LWTkYOojuxbvHOgzUA5yij4SylPppy9yO1RvYgPyS92v8u1RwnxHO9GbcluxTU4TGgsEkT_4i5u6aNOtMzYZLyKbw5OSPJHcdsMa7mUN-DL01ZilX66FCWT1aEGJxppKWWePs/s16000/20240120_145517.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, El Desnudo al espejo, 1909, detalle</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Es hora de afrontar las mujeres desnudas de Suzanne Valadon, a veces agrupadas, siempre indiferentes, desnudas para ellas mismas y no para un amante o un voyeur, sin el mínimo pretexto estético, por ejemplo <a href="https://www.connaissancedesarts.com/wp-content/thumbnails/uploads/2023/04/cda23_diapo_valadon_pompidou_photo1-tt-width-1064-height-801-fill-1-crop-0-bgcolor-ffffff.webp" target="_blank">las dos gordas</a> que se asean, lejos de todo «ideal femenino». Valadon las pinta con ternura, complicidad, empatía, como nadie, o casi, las ha pintado antes (<a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Pubert%C3%A9_%28Munch%29#/media/Fichier:Puberty_(1894-95)_by_Edvard_Munch.jpg" target="_blank">Munch</a> quizás, a veces). Valadon rodea los cuerpos con un color negro protector y con frecuencia satura el fondo con motivos de colores invasivos y elimina toda perspectiva, pinta con el cepillo para afirmar la intrepidez de los colores. El detalle aquí arriba, de un <i><a href="https://www.centrepompidou-metz.fr/fr/programmation/conference/nu-au-miroir-1909" target="_blank">Desnudo con espejo</a></i> de 1909, es una gran audacia: una hendidura depilada bien visible de carnes doradas jaspeadas de azul, violeta, verde, colores que en lugar de evocar la descomposición realzan la luminosidad tierna del cuerpo de la joven. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTFFDiINNPEjZFGhOjfa6JeoXH9heE4zDIH1mcOMxzPlRHOs7WT6ybKI3JzEl9yya67pAV2ayp1OYojZY0Cs7JTeOkHIzWkOMwPpT7K586FWkTWbyg1yEcZFv1mHo-x7GaRY4VHzD3xKceVtkVDdFzhRWyCsySwxbq3RZR0Mz_H5FOGcRHDVUcfiMlQnig/s914/valadon-3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="914" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTFFDiINNPEjZFGhOjfa6JeoXH9heE4zDIH1mcOMxzPlRHOs7WT6ybKI3JzEl9yya67pAV2ayp1OYojZY0Cs7JTeOkHIzWkOMwPpT7K586FWkTWbyg1yEcZFv1mHo-x7GaRY4VHzD3xKceVtkVDdFzhRWyCsySwxbq3RZR0Mz_H5FOGcRHDVUcfiMlQnig/s16000/valadon-3.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, La Venus negra, 1919, 162x97cm, Centro Pompidou</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Pintar es su manera de conocer a los demás y de amarlos. Les regala a sus modelos una intimidad alejada de la mirada masculina, las deja afirmar su sensualidad para uso propio, las libera de los cánones y de los lastres. Este conjunto de desnudos femeninos procedentes de una mujer que tanto quiere a los hombres, y a tantos, es una afirmación feminista excelente. En medio de tantos lienzos potentes, tenemos aquí a la Venus negra, orgullosa y púdica, fuerte y confiante: quizás el primer </span><span style="font-family: verdana;">verdadero </span><span style="font-family: verdana;">cuadro de una mujer negra en calidad de mujer, ni exótica, ni condescendiente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxWMQmGpnymx5ZUURXFR3hxcsQ2WYTzZUY_6Wf3V1wU5eN7N2bVJxZh6MPoHmULwcVUNrXPmtIHxe1SuWnF2ksttnjnwDgwhJECzssUAQxwmBk70PcWrSV5tVN728B-xxvlX0eT2CqJlTzE8TqAzEb5qT0WbFizh8qpxIQGIoil-_4nck3Ri_kzqlLMY0/s731/20240120_145125.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="731" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxWMQmGpnymx5ZUURXFR3hxcsQ2WYTzZUY_6Wf3V1wU5eN7N2bVJxZh6MPoHmULwcVUNrXPmtIHxe1SuWnF2ksttnjnwDgwhJECzssUAQxwmBk70PcWrSV5tVN728B-xxvlX0eT2CqJlTzE8TqAzEb5qT0WbFizh8qpxIQGIoil-_4nck3Ri_kzqlLMY0/s16000/20240120_145125.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, Adán y Eva, 1909 (estado en 1920), 162x131cm, Centro Pompidou</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">También desnudos masculinos, con, aquí, siempre el mismo modelo, su amante y después marido <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Utter" target="_blank">André Utter</a>, 21 años más joven que ella, pintor fracasado pero buen administrador de las carreras de Suzanne y de Maurice Utrillo. Lo echa porque le es infiel, él le escribe que ella «no supo entender que hubiera debido ser solamente y totalmente de él». En <i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Joy_of_Life_(Valadon)" target="_blank">La Alegría de Vivir</a></i>, él es el voyeur a la derecha. Hermoso y atlético, es el único modelo de los tres hombres del <i><a href="https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/czy5RR" target="_blank">Lanzamiento de la red</a></i>, y tiene la audacia de mostrarlo desnudo, de frente y a su lado en Adán y Eva, un cuadro en el cual, ocurrencia rara, idealiza su propio cuerpo para ser la pareja digna de su amante (en ese momento ella tiene 44 años y él 23). Cuando muestra este cuadro erótico-religioso en el Salón de Otoño de 1920, hará en su obra lo que hizo<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Daniele_da_Volterra" target="_blank"> </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Daniele_da_Volterra" target="_blank">Volterra il Braghettone</a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Daniele_da_Volterra" target="_blank"> </a> con los frescos de Miguel Ángel. Y, en una época en que las mujeres no podían asistir a las sesiones de dibujo con modelos masculinos, podemos subrayar su osadía: ella es tal vez la primera mujer que pinta un penis. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoud-WzY4du61HlnV5FvLHGjAyNhJMTxCHelizBoSkCBjDCJn4jlY4Z_CLF_HkUiU6lPje4dmCxRcLMA30KTEHwzBq_n5myWhducf9RhZeGlGeGlQgW_Le4iz1OLaNZaofCnxHkmgQwB2FLDYQgdmug7LALb9MjjbpFhgb2sAh-EMIWSv14Z9KB8MJ4Ywz/s1101/adam-et-eve.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1101" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoud-WzY4du61HlnV5FvLHGjAyNhJMTxCHelizBoSkCBjDCJn4jlY4Z_CLF_HkUiU6lPje4dmCxRcLMA30KTEHwzBq_n5myWhducf9RhZeGlGeGlQgW_Le4iz1OLaNZaofCnxHkmgQwB2FLDYQgdmug7LALb9MjjbpFhgb2sAh-EMIWSv14Z9KB8MJ4Ywz/s16000/adam-et-eve.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Suzanne Valadon, Adán y Eva, 1909, estado original</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Además tenemos la oportunidad de hacerle un cumplido a la exposición: su admirable esfuerzo de contextualización con numerosos textos cortos sobre la condición de los modelos, la enseñanza artística, sobre la importancia que se les concede a las pintoras y sobre las galerías. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-56092813311308524832024-01-28T17:31:00.002+01:002024-01-29T07:36:01.400+01:00 Lo invisible, lo Unheimlich y la resiliencia<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">21 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/21/linvisible-lunheimlich-et-la-resilience/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-f4U_NJEnlN25J2zecOLtoy6qbvWQH9ORaKfDke66mbXv_uhe8r-4Cwrub3qGBhcMgu5DluakTTwCOHyvAJcZe5Mm5Xggih8Vp6h0BBK_eiVUXj-eZmRwXriN9sVZjRhjigeX-z3VeX49tkDUOvIfMjCmtX1VbWPRL_gYpf0MuV4rJS5LA9Q8YZ2f_VVq/s600/20240114_161947.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="392" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-f4U_NJEnlN25J2zecOLtoy6qbvWQH9ORaKfDke66mbXv_uhe8r-4Cwrub3qGBhcMgu5DluakTTwCOHyvAJcZe5Mm5Xggih8Vp6h0BBK_eiVUXj-eZmRwXriN9sVZjRhjigeX-z3VeX49tkDUOvIfMjCmtX1VbWPRL_gYpf0MuV4rJS5LA9Q8YZ2f_VVq/s16000/20240114_161947.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Irene Kopelman, Clouds, 2022-2023, tinta sobre papel foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición <i><a href="https://www.galeriewolff.com/exhibitions/volume-invisible" target="_blank">Volumen Invisible</a></i> en la </span><span style="font-family: verdana;">Galería Jocelyn Wolff en Romainville (hasta el 24 de febrero) recuerda un poco la exposición <a href="https://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/c4rd4Xr" target="_blank">Vacíos </a>en el Centro Pompidou en 2009, pero más modesta y menos radical. En la misma línea de las <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Zone_de_Sensibilit%C3%A9_Picturale_Immat%C3%A9rielle" target="_blank">Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial </a>de Yves Klein, aquí presentan diferentes piezas más o menos desmaterializadas y perceptibles por el calor que emiten </span><span style="font-family: verdana;">(Katinka Bock), el sonido que producen </span><span style="font-family: verdana;">(Hilario Isola & Enrico Ascoli)</span><span style="font-family: verdana;"> o el soplo que emanan </span><span style="font-family: verdana;">(Francisco Tropa). Se ven dibujos de humo hechos con hilo de cobre </span><span style="font-family: verdana;">(Christoph Weber) y la vista del cielo a través del tragaluz del estudio de </span><span style="font-family: verdana;">Miriam Cahn, cuya cámara puesta sobre su pecho se levanta siguiendo su respiración (pensamos en la pieza «Quince minutos en la noche al ritmo de mi respiración» de la asmática </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2014/11/alix-cleo-roubaud-o-el-pequeno_24.html" target="_blank">Alix Cléo Roubaud</a>). Aquí arriba, según la tradición de las representaciones de nubes (de los pintores del siglo XVIII a los<a href="https://www.musee-orsay.fr/es/obras/equivalent-124146" target="_blank"> Equivalentes de </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.musee-orsay.fr/es/obras/equivalent-124146" target="_blank">Alfred Stieglitz</a> y a <a href="https://www.valterventura.com/" target="_blank">Valter Ventura</a>), unos dibujos de siluetas de nubes de <b><a href="https://www.irenekopelman.com/" target="_blank">Irene Kopelman</a></b>, espacios confusos que delimita. Lo invisible, lo inm<span>aterial, lo borroso, lo incierto: breviario de nuestro mundo. </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSQpbuBxMd3v1S5uBYWbrwyo3VioD3IlD5DcwxZL0Wxi1PJahBmkPP_eoMh-GWZCntBY7ZMie7iIc3AK5-A0efbcxZGv19mNMcj9kSrIBiMt7q4KLd1TYJP4k7HglYd3H3zLgjgm38lPN6aU48L8yxCZjv_pm2q31q6RJ_tQaOJt-czbj91KLG4-_w81W_/s2047/20240114_173405.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2047" data-original-width="1544" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSQpbuBxMd3v1S5uBYWbrwyo3VioD3IlD5DcwxZL0Wxi1PJahBmkPP_eoMh-GWZCntBY7ZMie7iIc3AK5-A0efbcxZGv19mNMcj9kSrIBiMt7q4KLd1TYJP4k7HglYd3H3zLgjgm38lPN6aU48L8yxCZjv_pm2q31q6RJ_tQaOJt-czbj91KLG4-_w81W_/w483-h640/20240114_173405.webp" width="483" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Caroline Delieutraz, Seed 890, 2024, impresión digital sobre tela poliéster, acolchado, perlas, 164x148cm, foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Unheimlich, concepto freudiano mal traducido como «singularidad </span><span style="font-family: verdana;">inquietante</span><span style="font-family: verdana;">», es la sensación al mismo tiempo de fascinación e inquietud ante las piezas de <b><a href="https://www.delieutraz.net/fr/" target="_blank">Caroline Dieuletraz</a></b> en el nuevo espacio de la galería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.2248m2.com/78">22.48m2</a> en Romanville (hasta el 24 de febrero). En la pared, formas extrañas de tela acolchada con colores cobrizos que evocan insectos monstruosos y también textos de </span><span style="font-family: verdana;">Rorschach, úteros con trompas de Falopio o riñones que se prolongan con vejigas. La exposición se llama Bleen, entre Blue y Green, aunque el fulgor de los colores irisados cubre una paleta más amplia que recuerda los élitros de los escarabajos (<a href="http://www.artaujourdhui.info/q3704-les-scarabees-de-la-reine.html" target="_blank">Jan Fabre en el Palais Royal</a>, por ejemplo). Triunfo del reino animal, ¿de los artrópodos? Pero las formas son el producto de la interacción de la artista con un programa de inteligencia artificial antes de la actividad manual intensa de costura y acolchonado para producir esos tutos gigantes. Buen texto de presentación de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.linkedin.com/in/indira-b%C3%A9raud/" target="_blank">Indira Béraud</a>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM-Bkj9YAMk7EdGQrv3muJ232nYu8NrcVRGRyCpa2GbyQR7qvr6iC_g__585uzgdSo50WJGa8CgCeWVsxJk3ZbBTfj4FcShr43a93AIEdrBnL94VJsoZCEVzKeecuSR4_62MsqEgPp-NCIlFg2ewC9hXNJQTnLhmar18XUOhUrW1Y10fnAd3m_RqRlliaA/s600/20240112_161903.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM-Bkj9YAMk7EdGQrv3muJ232nYu8NrcVRGRyCpa2GbyQR7qvr6iC_g__585uzgdSo50WJGa8CgCeWVsxJk3ZbBTfj4FcShr43a93AIEdrBnL94VJsoZCEVzKeecuSR4_62MsqEgPp-NCIlFg2ewC9hXNJQTnLhmar18XUOhUrW1Y10fnAd3m_RqRlliaA/s16000/20240112_161903.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Saoussen Tatah, Pour Taos, 2023, video – pruebas de cámara captura de pantalla por el autor<br /><br /><br /></span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.noussommesauregret.com/" target="_blank">Nous sommes au regret</a></span><span style="font-family: verdana;"> -Lamentamos- (hasta el 27 de enero) es un <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Salon_des_Refus%C3%A9s" target="_blank">Salón de los Rechazados</a>. Bajo el auspicio de Eduardo Manet (con el grabado del Torero muerto) y de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Roger_Somville" target="_blank">Roger Somville</a> (con una diatriba de 1964 contra la negativa del Museo de arte de Bruselas de comprar sus cuadros no-abstractos), presentan el trabajo de 14 artistas que el sistema del mercado del arte rechaza (o lo sienten así). Más allá de la reflexión socio-económica sobre la resiliencia de los artistas frente a esas tensiones (tema de simposio más que de exposición), podemos reflexionar sobre las causas del rechazo: demasiado exuberantes como la magnífica Reina Muerta de Lidia Martinez, o sobre los colores demasiado llamativos de </span><span style="font-family: verdana;">Nastaran Shahbazi), obras que representan personajes o temas que no están de moda (los ancianos en EHPAD de Adrien Eyraud o los punks viejos de Zoé Bernardi), obras que nos son permanentes (dibujo muy bonito de Eve Malherbe hecho con polvo o pasteles oscuros y frágiles de </span><span style="font-family: verdana;">Nathalie Redard), obras abiertamente sexuales (las cerámicas fálicas y vulvianas de </span><span style="font-family: verdana;">Margaux Laurens-Neel). Reticencia de los comisarios, sin duda: no hay una sola obra rechazada por motivos políticos (aunque la censura se ejerce a fondo, por ejemplo sobre <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2019/10/censura-walid-raad-le-negaron-el-premio.html" target="_blank">Palestina</a>; pero es tal vez otro tema). No es seguro que haya un nuevo Manet pero hay dos obras que me atrajeron en especial. Primero, haciéndole eco a Manet y a sus espárragos, las fotografías de <a href="https://www.helene-langlois.com/portfolio/still/" target="_blank">bodegones</a> de <a href="https://www.helene-langlois.com/" target="_blank">Hélène Langlois</a> que combinan la sensualidad de frutas y verduras, enaltecidas con una magnífica fotografía con fondo negro, con la dureza de los objetos industriales, luz de bicicleta para los espárragos o globo verde para el limón, ante las cuales uno para y respira lentamente. Las pruebas de película (23 minutos) del proyecto de película <i><a href="https://www.saoussentatah.com/films" target="_blank">Para </a></i></span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://www.saoussentatah.com/films" target="_blank">Taos</a></i> de <b><a href="https://www.saoussentatah.com/" target="_blank">Saoussen Tatah</a></b>, quien no obtuvo la financiación para realizarlo: una europea joven en el Magreb, sus amigas, el contraste entre la dureza del desierto, arena y viento, y la dulzura del oasis en donde se bañan alejadas de las miradas, los tiernos ritos conviviales que las unen. Bonito cuento con estética depurada (también ella...). «</span><span style="font-family: verdana;">Saoussen Tatah decidió cambiar su suerte. Se tomó el rechazo y lo utilizó como material nuevo, como barro manipulable y sin forma que abre sin embargo mil posibilidades para construir y llegar a ser. </span><span style="font-family: verdana;">[Ella]</span><span style="font-family: verdana;"> cuenta un fracaso de la mejor manera posible, primero aceptando, dándole la vuelta para transformarlo para que viva y se convierta en otra cosa que una condena y en una suspensión de toda creación.» (la co-comisaria </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.association-ecoledulouvre.fr/alumni/portraits/laure-saffroy-lepesqueur" target="_blank">Laure Saffroy-Lepesqueur</a> </span><span style="font-family: verdana;">en el folleto de la exposición). Discurso emblemático de la resiliencia de esos artistas. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-13239588126708179182024-01-28T13:08:00.000+01:002024-01-28T13:08:26.495+01:00 Gilles Aillaud, en dos tiempos y algunos movimientos<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">17 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/17/gilles-aillaud-en-deux-temps-et-quelques-mouvements/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_vXgnn2WF2fLbH2LeXaZjBv9-le8btiQW1NdSDH89FAgKji6TDKvegNdEOUqnjf-2YrSVSwoBTVIbgxSXe-VYGUDG1T8T9idx6Hh_wFYKzN1dWxPtqy_F8CO0DcjLJN4DbeOaN6O2E1oB6lVexq1MW5NyVoi8cD6v1CaLnTokKZpfIDbl5lYxEUpONLqo/s793/le-judas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="793" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_vXgnn2WF2fLbH2LeXaZjBv9-le8btiQW1NdSDH89FAgKji6TDKvegNdEOUqnjf-2YrSVSwoBTVIbgxSXe-VYGUDG1T8T9idx6Hh_wFYKzN1dWxPtqy_F8CO0DcjLJN4DbeOaN6O2E1oB6lVexq1MW5NyVoi8cD6v1CaLnTokKZpfIDbl5lYxEUpONLqo/s16000/le-judas.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Gilles Aillaud, La Mirilla (pared amarilla), 1969, 117x90cm, col. part.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Desde luego que a <b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Gilles_Aillaud" target="_blank">Gilles Aillaud</a></b> siempre le gustaron los animales, y los cuadernos de su infancia en la<a href="https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/DgS6TDU" target="_blank"> exposición</a> del Centro Pompidou (hasta el 26 de febrero; ver las imágenes <a href="http://japprendslechinois.over-blog.com/2023/12/gilles-aillaud-animal-politique.html" target="_blank">aquí</a>) nos lo recuerdan. Pero estamos lejos del naturalismo de François Pompon o de la cursilería de <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2022/10/el-marketing-de-la-bonheur.html" target="_blank">Rosa Bonheur</a>. Y el subtítulo de la exposición, «Animal político», es revelador. Aillaud fue filósofo antes de ser pintor, también fue dramaturgo y decorador, y ante todo fue poeta. Podemos decir de él (como decía Jean Gênet en <i><a href="https://www.actes-sud.fr/node/11881" target="_blank">Gênet à Chatila</a> -</i>existe en inglés-) que su relación con la política es «una relación amorosa inédita puesta en juego en </span><span style="font-family: verdana;">[…] un arte poético», frente a las «sirenas desengañadas que cantan el espíritu de la época.» Aillaud dijo que aunque pintara animales encerrados o desplazados, no se trataba de pintar la condición humana sino más bien la ambigüedad de la relación entre el hombre y el animal y «la singularidad de los lugares en donde se lleva a cabo el secuestro silencioso e impune». Leer el bonito <a href="https://www.centrepompidou.fr/fr/magazine/article/gilles-aillaud-eco-artiste-avant-lheure" target="_blank">texto </a>de <a href="https://mica.u-bordeaux-montaigne.fr/ferrand-mylene/" target="_blank">Mylène Ferrand</a>. Aquí tenemos dos lienzos directamente políticos, el uno sobre <a href="https://image.over-blog.com/h_PDnnnM8XHrt4ConjtMC-ffByQ=/filters:no_upscale()/image%2F1508962%2F20231228%2Fob_ebb350_img-1973-4.JPG" target="_blank">Viêt-Nam</a> y el otro sobre la catástrofe de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://image.over-blog.com/x2HBKYSIFE29ZTQvlGA6z_LwqDA=/filters:no_upscale()/image%2F1508962%2F20231228%2Fob_c6ec2a_img-2666-2.JPG" target="_blank">Fouquières-lès-Lens</a> (pero no está el lienzo <a href="https://www.linkedin.com/pulse/des-soutiens-majeurs-et-historiques-au-mus%C3%A9e-national/" target="_blank">adquirido recién</a> por Pompidou y pintado con otros cuatro artistas, entre ellos Arroyo, y cuyo título completo que con demasiada frecuencia abrevian, es «La Datcha, o Louis Althusser dudando en entrar en la datcha tristes mieles de Claude </span><span style="font-family: verdana;">Lévi-Strauss en donde están reunidos </span><span style="font-family: verdana;">Jacques Lacan, Michel Foucault y Roland Barthes en el momento en que </span><span style="font-family: verdana;">la radio está anunciando que los obreros y los estudiantes decidieron abandonar alegremente su pasado»; por esta vez podemos leer a <a href="https://www.artpress.com/2013/07/17/quotles-aventures-de-la-veritequot-peinture-et-philosophie-a-la-fondation-maeght-du-29-juin-au-11-novembre-2013-saint-paul-de-vence/" target="_blank">BHL</a>). Pero el otro lienzo no animal (aquí arriba) es mucho más elocuente: data de 1969, dos años después de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/La_sociedad_del_espect%C3%A1culo" target="_blank">La Sociedad del Espectáculo</a>, seis años antes de <a href="https://www.ivanillich.org.mx/Foucault-Castigar.pdf" target="_blank">Vigilar y Castigar </a>(Foucault fue el único que salió de la datcha con la creación del <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Groupe_d%27information_sur_les_prisons" target="_blank">GIP</a>), justo después del compromiso de Gilles Aillaud con Mayo 68. No es sino una puerta, un dispositivo técnico sencillo, arquitectural; la pintura amarilla se agrieta, el suelo de pequeñas baldosas multicolores parece inestable y la mirilla está prevista para un enano al menos que la puerta mida 4 metros de altura. Nada trágico a primera vista, pero enseguida, uno se siente encerrado, atrapado en una estructura de control, de vigilancia, de opresión. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs-yRFJ_xyoVGUFt7hLjrL76sRoeAyyYY7xWBq4q3YZlVwS9t4YLx1sLefyr0tVCWiswFzP48uVvX7pDP694B1FFG8KtvUckAYfzFkrT2aG1qz4q0ArBaAzFUBKRRj7uHMn8t_tLkLJl7MfxFGnuhkdg0_pOq1y8w5oWwLyvYsIk-5eGMxurDaG882UQaI/s600/grille-et-grillages.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs-yRFJ_xyoVGUFt7hLjrL76sRoeAyyYY7xWBq4q3YZlVwS9t4YLx1sLefyr0tVCWiswFzP48uVvX7pDP694B1FFG8KtvUckAYfzFkrT2aG1qz4q0ArBaAzFUBKRRj7uHMn8t_tLkLJl7MfxFGnuhkdg0_pOq1y8w5oWwLyvYsIk-5eGMxurDaG882UQaI/s16000/grille-et-grillages.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Gilles Aillaud, Reja y alambrado, 1971, 195×250.5cm, Fundación Gandur, Ginebra</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Más que animales, Aillaud pinta rejas, jaulas, fosas, ataduras, encierros: da la casualidad de que las víctimas son los animales pero podríamos ser nosotros. La reja podría ser un <i>checkpoint </i>en Palestina ocupada. El patio podría ser en la cárcel de la Santé. La jaula podría ser la de </span><span style="font-family: verdana;">Abu Ghraib o de Sde Teiman. El cercado... etc. Especista o no, es para estremecerse. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-6tpr6mZmtoRa83hB2g433bsslkb5VrW0Sq0pLFf9LMeL4EWB3wbSnTvV7qLHMEN7hwYataKgOzhELb1A1EnYxNQQiHlVriMTRMNv8N2kXWpA2k3u13etZeK7VXdwZsaIpmRkMW052d5dGwRE27E8ldV-OZZaILr6ABjMu8nHctCK4KHc1nJG5MyHaV8i/s935/orang-outan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="935" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-6tpr6mZmtoRa83hB2g433bsslkb5VrW0Sq0pLFf9LMeL4EWB3wbSnTvV7qLHMEN7hwYataKgOzhELb1A1EnYxNQQiHlVriMTRMNv8N2kXWpA2k3u13etZeK7VXdwZsaIpmRkMW052d5dGwRE27E8ldV-OZZaILr6ABjMu8nHctCK4KHc1nJG5MyHaV8i/s16000/orang-outan.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Gilles Aillaud, Orang-outang, 1967, 195x130cm, col. part.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y cuando detrás de las rejas se encuentran <a href="https://image.over-blog.com/znV1djn4AReO2l5GrnkHv60H55Y=/filters:no_upscale()/image%2F1508962%2F20231228%2Fob_ca35e4_img-1982-5.JPG" target="_blank">felinos</a> o un primate, sentimos más intensamente la cesura, la fractura entre el hombre y lo que le hace a otros seres vivos, aquí animales, allá humanos. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTEtrB3hgqoraoWGkIRTpW4l2Dl18Zi7_9Gt99SaBVAbeLHvcO6eyC3lexSQmyx-IZX6g8VbO0-PlL-Oeodzaj5lbfVqID54e41gO9KPGufn5S92-H3Tzeq_AE_4ngKnTF935rY09tRjVmXxX3kzEbH5aup_ZMeFJXItNzOzowS2ybMI1z3-OiKW0K-JhO/s600/oiseaux.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="264" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTEtrB3hgqoraoWGkIRTpW4l2Dl18Zi7_9Gt99SaBVAbeLHvcO6eyC3lexSQmyx-IZX6g8VbO0-PlL-Oeodzaj5lbfVqID54e41gO9KPGufn5S92-H3Tzeq_AE_4ngKnTF935rY09tRjVmXxX3kzEbH5aup_ZMeFJXItNzOzowS2ybMI1z3-OiKW0K-JhO/s16000/oiseaux.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Gilles Aillaud, Los pájaros del lago Nakuru, 1990, 200.3x452cm, col. part.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En 1988, Gilles Aillaud se va cuatro meses para Kenia con Franck Bordas quien le permite producir allí unas litografías para su <i><a href="https://librairiemetamorphoses.com/boutique/oeuvres-graphiques/aillaud-gilles/encyclopedie-de-tous-les-animaux-y-compris-les-mineraux/" target="_blank">Enciclopedia de todos los animales, incluyendo los minerales</a></i> (cuyas planchas exponen <a href="https://image.over-blog.com/2LW9Px5ET2j8tiYd4Ee518Khs9I=/filters:no_upscale()/image%2F1508962%2F20231228%2Fob_342a75_img-2707.jpg" target="_blank">aquí</a>) y Jean-Claude Bailly quien redacta los textos, la descripción de su experiencia está en un ensayo en el <a href="https://boutique.centrepompidou.fr/fr/product/31353-gilles-aillaud-animal-politique-catalogue-de-exposition.html" target="_blank">catálogo</a>. Viaje exclusivamente animalista: el país no le interesa para nada, ni los kenianos, ni los derechos del hombre y, salvo error, a la vuelta, por su parte, no expondrá su trabajo. Un viaje exótico vagamente colonial quizás, pero ante todo, una experiencia casi iniciática de reconciliación con la naturaleza. De una pintura del encierro, Aillaud pasa a una pintura de apertura, de grandes espacios, de respiración; </span><span style="font-family: verdana;">de ahí en adelante </span><span style="font-family: verdana;">una fusión sin trabas de formas entre los animales y la naturaleza, con una paleta más suave de líneas menos duras: se siente su felicidad. Se acaba la denunciación (¿demasiado simplista?) del encierro: otro artista, otra reflexión sobre la animalidad y la humanidad. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-45301579317760871532024-01-27T18:21:00.000+01:002024-01-27T18:21:30.541+01:00 Berthe Morisot : una exposición rancia<p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">16 de enero de 2024, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2024/01/16/berthe-morisot-une-exposition-retrograde/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnp5hKt5YOaJ0XuCXJOds6V0dQA5v8oNz7M316WYM8urFooK4FvnXXRANovxnuKn0cmZu2BkjJGlkvZtZlwmWk0Qe0F9-1p3exXv5MrURlkpKN_rfESoC9vh6Sfz4ILV_fS50XFCoJYq10zYokHiccRxA4jfOAwkBXMkDIZVoxHt5XdaiZaAlDLnnPfa5N/s600/8f1dad8_305431-3342657.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="492" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnp5hKt5YOaJ0XuCXJOds6V0dQA5v8oNz7M316WYM8urFooK4FvnXXRANovxnuKn0cmZu2BkjJGlkvZtZlwmWk0Qe0F9-1p3exXv5MrURlkpKN_rfESoC9vh6Sfz4ILV_fS50XFCoJYq10zYokHiccRxA4jfOAwkBXMkDIZVoxHt5XdaiZaAlDLnnPfa5N/s16000/8f1dad8_305431-3342657.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Édouard Manet, Retrato de Berthe Morisot recostada, 1873, 26x34cm, Museo Marmottan</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En el templo del buen gusto francés que tanto les gusta a la viejas metomentodo que es el Museo Marmottan, hay una <a href="https://www.marmottan.fr/expositions/berthe-morisot-et-le-xviiie-siecle/" target="_blank">exposición</a> (hasta el 3 de marzo) que podemos calificar de rancia, es decir que va hacia atrás, hacia el pasado, siendo además, un pasado bastante idealizado. Su objetivo es mostrarnos que <b>Berthe Morisot</b> fue ante todo una pintora heredera de la tradición de los libertinos del siglo XVIII, Boucher y Fragonard, mas que una pintora anunciadora de la modernidad impresionista e incluso más. Tres argumentos: su medio familiar, citaciones de la tonta de su hija </span><span style="font-family: verdana;">(«a mamá sí que le encantaba Fragonard»), algunas consideraciones vagas sobre sus «colores vivos y vibrantes», la «sabia libertad de hechura», su «filiación con un buen vivir que exalta la felicidad y la gracia» y otros discursos desabridos, su práctica episódica del pastel (un arte tan del siglo XVIII...), incluso, de manera más machista, su feminidad y su virgíneo (según Renoir, quien comparaba la pintura de las mujeres como ella, con una vaca que pintaba con la cola, un <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Joachim-Rapha%C3%ABl_Boronali" target="_blank">Aliboron</a> por anticipado). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHuJEdqVun3d3tA68S_VJEHh7jGO2hsDVIB8SFPww4jwcC0PGKdWhMOuk8AXilPmSAkzQfNqNQODVLhPvU5xtoeolKtph1hjT-ZUT9ipsnz2COfKE2hQQ8rxPvi6gwEMgWaCLNQzvUSl9F07-CbsutmcRmz2Z3pOu__GjArj2fP3e1llVvXxMThWiZedXP/s600/20240116_144315.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="337" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHuJEdqVun3d3tA68S_VJEHh7jGO2hsDVIB8SFPww4jwcC0PGKdWhMOuk8AXilPmSAkzQfNqNQODVLhPvU5xtoeolKtph1hjT-ZUT9ipsnz2COfKE2hQQ8rxPvi6gwEMgWaCLNQzvUSl9F07-CbsutmcRmz2Z3pOu__GjArj2fP3e1llVvXxMThWiZedXP/s16000/20240116_144315.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">François Boucher, Apolo revelando su divinidad a la pastora Isse, 1750, detalle, Museo de Tours, f. del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDY9Ykry0wW8XOAkwd3ST5Cs_fbR81YbFr9pfwRXD0XtaRXCuYwuOwyhB4v30hyphenhyphenz9-8QJFUhrYrnNa8c5qoBdIe7P64QGDeYANo9ZuWjpYp-DD2UYJnOGhsOzJ5m7y0eK4TRuhl_q3LCeICSiCLKtTlainp3BqfQK4BXRCXk_Mzz186dr5UEq5rR4Ybk19/s600/17.berthe_morisot_apollon_revelant_sa_divinite_a_la_bergere_isse-scaled-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="472" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDY9Ykry0wW8XOAkwd3ST5Cs_fbR81YbFr9pfwRXD0XtaRXCuYwuOwyhB4v30hyphenhyphenz9-8QJFUhrYrnNa8c5qoBdIe7P64QGDeYANo9ZuWjpYp-DD2UYJnOGhsOzJ5m7y0eK4TRuhl_q3LCeICSiCLKtTlainp3BqfQK4BXRCXk_Mzz186dr5UEq5rR4Ybk19/s16000/17.berthe_morisot_apollon_revelant_sa_divinite_a_la_bergere_isse-scaled-1.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Berthe Morisot, </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Apolo revelando su divinidad a la pastora Isse,</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">, según François Boucher, 64.2×79.4cm, Museo Marmottan, f. Christian Baraja SLB</span></span></i></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Lo ridículo es que ese discurso hueco no va respaldado, en absoluto, con la comparación de los cuadros cuando están juntos. Tomemos por ejemplo el cuadro de François Boucher, <i>Apolo revelando su divinidad a la pastora Isse</i>, del <a href="https://mba.tours.fr/TPL_CODE/TPL_COLLECTIONPIECE/98-18e.htm?PIECENUM=121&NOMARTISTE=BOUCHER+Fran%C3%A7ois" target="_blank">Museo de Tours</a> (a donde Berthe Morisot va religiosamente después de la muerte de su marido, como una promesa hecha al difunto). Primero, claro, Morisot no pinta a Apolo: en 2019 las preciosas ridículas feministas <a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2019/09/19/berthe-morisot-lentre-femmes/comment-page-1/#comment-1386" target="_blank">me atacaron </a>pues a propósito de la exposición Morisot en el Museo de Orsay yo <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2019/09/berthe-morisot-el-entre-mujeres.html" target="_blank">había anotado</a> que Morisot casi no pintaba hombres, ni amigos, ni pintores, ni escritores, que sin embargo frecuentaba constantemente; sólo un hombre en sus lienzos, tres o cuatro veces en total, Eugène Manet, un marido insignificante con el que se casó pues no tenía nada mejor, y que su amor apasionado por el hermano, Eduardo, sifilítico y ya casado, no podía ser. Androfobia pictórica aunada con androfilia social: una <a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com/2019/09/19/berthe-morisot-lentre-femmes/#comment-1392" target="_blank">ambigüedad</a> que según lo que sé, nunca ha sido aclarada realmente, cuando ninguna otra artista había renunciado tan radicalmente a la mitad de la humanidad. Además, tenemos aquí el <a href="https://www.leparisien.fr/resizer/56oSViHhuCha0PFCJSDcZIt-o2I=/932x582/cloudfront-eu-central-1.images.arcpublishing.com/leparisien/QNE22ITYZTFHTYJSALJI3YZAHA.jpg" target="_blank">retrato</a> revelador de su marido en la Isla de Wight, encerrado en su casa mientras que unas mujeres libres se pasean por la calle. Así que, en este caso, copiando a Boucher, Morisot se contenta pintando a las dos ninfas de abajo a la izquierda. Pero mientras que las de Boucher son unas criaturas carnales, las de Morisot parecen ser simples espíritus que se funden con los cañizales: pasamos de una pintura realista a una representación más etérea. Es verdad que podemos encontrar colores parecidos pero la línea es fundamentalmente diferente, las formas se disuelven, se vuelven nebulosas, inciertas, sin contornos demasiado definidos (resalta en los retratos de <a href="https://lunettesrouges1.files.wordpress.com/2019/09/11.-morisot_femme-a-sa-toilette-1.jpg" target="_blank">mujeres en traje de noche</a>). ¿Podemos pretender ver allí una verdadera filiación?</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQxvzlDbdoNTplyR6ARkhAlbWUqC_LttuswBVwrZKtay8Ygt30ca1rQ8Ci7pfcYJhL10ibjDZZsxkcqC5rN6YKm7-Q8UKaYR9Hqb12DJ8JwsBWOWqKSIzY32IF2JzfFuDdBGZzkaBEQElg3AMJ-O_qBQ6btnvyLMhHvfpB9Pq9BsBPfJXl33ExvR2x9FgG/s600/21.jean-francois_boucher_jeune_fille_endormie-scaled-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQxvzlDbdoNTplyR6ARkhAlbWUqC_LttuswBVwrZKtay8Ygt30ca1rQ8Ci7pfcYJhL10ibjDZZsxkcqC5rN6YKm7-Q8UKaYR9Hqb12DJ8JwsBWOWqKSIzY32IF2JzfFuDdBGZzkaBEQElg3AMJ-O_qBQ6btnvyLMhHvfpB9Pq9BsBPfJXl33ExvR2x9FgG/s16000/21.jean-francois_boucher_jeune_fille_endormie-scaled-1.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">François Boucher, Muchacha dormida, 35x55cm, Fundación Jacquemart André Chaalis</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><span style="font-family: verdana;"><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf2puB7ywP5jdkQFAP_SWDHRfOUqyRasNSGHxnaLLqQSH2zCsD99pg7V2TWaVersIuMSbzU-iZsxmuXm69Nh_N4r8TAuUYd6dUIifAq8ub82d9l-2QBPPreBmLMG539rqtg4beuXv-PVotU0crxOI6I0AlaFQ6Fd1D6BX5ag6tEr5F7r9dbbdbt2iWpagm/s600/22.berthe_morisot_repos-scaled-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="491" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf2puB7ywP5jdkQFAP_SWDHRfOUqyRasNSGHxnaLLqQSH2zCsD99pg7V2TWaVersIuMSbzU-iZsxmuXm69Nh_N4r8TAuUYd6dUIifAq8ub82d9l-2QBPPreBmLMG539rqtg4beuXv-PVotU0crxOI6I0AlaFQ6Fd1D6BX5ag6tEr5F7r9dbbdbt2iWpagm/s16000/22.berthe_morisot_repos-scaled-1.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berthe Morisot, Descanso (Muchacha dormida), 1892, 38x46cm, col. part., f. Thierry Jacob</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Otro ejemplo que presentan, el Descanso. El de Boucher es deliciosamente erótico: la jovencita está soñando, los ojos cerrados, los labios húmedos y sonrientes, los pezones endurecidos (y a Morisot le parece «extremadamente atrevida»). Nada de eso en la obra de Morisot («el siglo XVIII sin libertinaje» dice cruelmente Focillon, y sin embargo su pintura sabe ser sensual, si no voluptuosa): su muchacha de aire alelado, de boca entreabierta quizás esté roncando levemente, su seno está flácido. Y ante todo, se trata nuevamente, de una pintura diferente: en lugar de las líneas claras y realistas de Boucher, Morisot logra un borroso vaporoso del más bello efecto. Entonces, como esta exposición sólo ira hacia el pasado, no se dejen engañar, pues además no verán aquí (tampoco en Orsay) sus lienzos «sin terminar», ni su evolución después de la muerte de su marido, hacia una pintura más sencilla que va casi hacia la abstracción. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHTj8aWPLX7TKYRXJXZw_uVbfVE3So7DRiZVEHzeOiuSXGRGnIEUjIRHUtRAmjy_nfAF1kPGKfPI_vfFTDcTmt9oQNpi5z1VHGKP0HxzMioy9C3MivNCeE-A83BIDhBl5Qic5sK6BHZd3wFSe5a8QRhJxD_S7yN-h6IOZbmfd-6We6_uLdbf2QlDwujQLu/s600/20240116_145720.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="435" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHTj8aWPLX7TKYRXJXZw_uVbfVE3So7DRiZVEHzeOiuSXGRGnIEUjIRHUtRAmjy_nfAF1kPGKfPI_vfFTDcTmt9oQNpi5z1VHGKP0HxzMioy9C3MivNCeE-A83BIDhBl5Qic5sK6BHZd3wFSe5a8QRhJxD_S7yN-h6IOZbmfd-6We6_uLdbf2QlDwujQLu/s16000/20240116_145720.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Anne-Laure Sacriste, Retrato de B.M. recostada, 2023, huecograbado (<a href="https://www.valentineschopfer.com/" target="_blank">Valentine Schopfer</a>), 45x60cm, f. del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">A la vez encantado por la belleza de la pintura de Morisot y algo agobiado por la vacuidad pasadista que reina en la exposición, el espectador desamparado se refugia en el sótano en donde siente dos momenticos deliciosos. Primero (arriba) uno de los retratos de Morisot por Manet </span><span style="font-family: verdana;">que <a href="https://www.calmann-levy.fr/livre/la-tristesse-des-femmes-en-mousseline-9782702163658/" target="_blank">Jean-Daniel Baltassat</a> (autor de la mejor biografía novelada de Morisot) califica de «obras alucinadas, inmostrables en esa época, pues no se trata tanto de «retratos» sino de erupciones de deseos (negros)». Este pequeño retrato, de un erotismo intenso, es mucho más que una declaración de amor, es el grito de un hombre devastado por una pasión que no puede saciar. Basta compararlo con el triste y melancólico <a href="https://www.marmottan.fr/wp-content/uploads/2023/04/3.marcello_portrait_de_berthe_morisot-scaled.jpg" target="_blank">retrato</a> (mal expuesto en una alcoba) que Marcello (la duquesa </span><span style="font-family: verdana;">de Castiglione Colonna) hace de su «amiga de corazón» para asir la diferencia entre la llama y la ceniza, entre la modernidad y el pasadismo. El otro momentico delicioso es el <a href="https://www.marmottan.fr/expositions/morisot-sacriste/" target="_blank">trabajo</a> de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="http://www.annelauresacriste.com/" target="_blank">Anne-Laure Sacriste</a></b> sobre este retrato, visto como una infracción, que reinterpreta en un huecograbado descentrado, fantasmal y saturado de negro y que <a href="https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2023/10/18/berthe-morisot-par-edouard-manet-le-desir-en-peinture_6195133_4500055.html" target="_blank">acompaña</a> con una instalación mínima entre monocromos casi negros y aros y placa de cobre, para tratar la falta y la inhibición. Un juego que va acompañado con un corto grisallante. <i>Los gemelos</i>, sobre dos figuras atléticas del Museo arqueológico de Nápoles: una tensión y un equilibrio que estructuran la sala. Aquí se respira. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-84487000248162851652023-12-27T10:46:00.002+01:002023-12-27T10:48:22.424+01:00El blog se detiene aquí… y sigue en otro lugar<p><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">23 de diciembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/12/23/ce-blog-sarrete-ici-et-continue-ailleurs/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Este blog, que empezó hace casi 19 años, el 29 de mayo de 2005 y que ha publicado 2878 artículos, ya no será publicado por el periódico Le Monde.</span></p><p><span style="font-family: verdana;">Las prioridades del periódico en cuanto a este tema han cambiado, lo que puedo entender aunque lo siento. </span></p><p><span style="font-family: verdana;">Le agradezco a Le Monde el haberme dado esta oportunidad y el haber promovido el blog desde el principio. Sin ellos, no hubiera tenido la audiencia que tengo, que en los mejores años pasó el millón de visitantes. </span></p><p><span style="font-family: verdana;">Seguiré escribiéndolo en un blog espejo: </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://lunettesrouges1.wordpress.com">https://lunettesrouges1.wordpress.com</a>/.</span></p><p><span style="font-family: verdana;">En el nuevo blog usted podrá suscribirse y yo mismo moderaré los comentarios, no lo hará un algoritmo. </span></p><p><span style="font-family: verdana;">Todos los artículos serán trasladados al nuevo blog.</span></p><p><span style="font-family: verdana;">Igualmente siguen almacenados y accesibles aquí. </span></p><p><span style="font-family: verdana;">A partir de ahora el blog se puede consultar en la BnF: </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.bnf.fr/fr/consulter-les-archives-de-linternet">https://www.bnf.fr/fr/consulter-les-archives-de-linternet</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Espero que continúen siguiéndome y que siga interesándoles.</span></p><p><span style="font-family: verdana;">Les deseo unas felices fiestas.</span></p><p><span style="font-family: verdana;">Cordial saludo,</span></p><p><span style="font-family: verdana;">Marc Lenot</span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-55507748091960736442023-12-27T10:25:00.003+01:002023-12-27T10:25:37.533+01:00Resumen del cuarto trimestre de 2023, balance anual y otras informaciones<p><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">23 de diciembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/12/23/sommaire-du-4eme-trimestre-2023-bilan-annuel-et-autres-informations/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">Este trimestre 11 reseñas</span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">1 de octubre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/retratos-mas-o-menos-marginales.html" target="_blank">Retratos (más o menos) marginales</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">5 de octubre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/cuando-la-forma-no-le-sirve-al-fondo.html" target="_blank">Cuando la forma no le sirve al fondo (Kubra Khademi)</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">15 de octubre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/materialidad-de-la-fotografia.html" target="_blank">Materialidad de la fotografía</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">26 de octubre:<a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/que-no-le-importa-julia-margaret-cameron.html" target="_blank"> ¿Qué no le importa a Margaret Cameron?</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">29 de octubre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/10/sexo-y-muerte-berlinde-de-bruyckere-en.html" target="_blank">Sexo y muerte : Berlinde de Bruyckere en el museo ex Berardo</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">5 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/mis-chicas-de-la-tele-tom-wilkins.html" target="_blank">Mis chicas de la tele (Tom Wilkins & friends)</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">11 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/mi-semana-foto-parisiense-noticias.html" target="_blank">Mi semana foto parisiense (noticias cortas)</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">13 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/las-madres-muertas-en-el-bal.html" target="_blank">Las madres muertas en el BAL</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">15 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/verdad-y-ficcion-fotograficas-luc.html" target="_blank">Verdad y ficción fotográficas (Luc Delahaye)</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">16 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/jugar-contra-el-apparatus-de-la.html" target="_blank">Jugar contra el apparatus de la inteligencia artificial (Brodbeck & de Barbuat)</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">22 de noviembre: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/12/el-tiempo-y-el-amor-el-tiempo-y-la.html" target="_blank">El Tiempo y el Amor, el Tiempo y la Mentira</a></span></p><p><br /></p><p><span style="font-family: verdana;">Recordatorio: Todos los artículos son traducidos por par Pili Ospina Silvain en <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/12/el-tiempo-y-el-amor-el-tiempo-y-la.html" target="_blank">este blog</a>. Algunos artículos son traducidos al portugués en este <a href="https://www.artecapital.net/home.php" target="_blank">sitio</a>. </span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><b>Balance 2023 </b>: 51 reseñas (+ 4 resúmenes):</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– 12 sobre libros</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– 13 sobre exposiciones parisinas</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– 6 sobre exposiciones en Arles</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– 13 sobre exposiciones en Portugal</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– 7 sobre exposiciones en otros lugares (Marruecos, Países Bajos, Suiza)</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><b><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">Palmarés:</span></b></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– mejor exposición parisina : la de la fotografía en el <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/05/la-fotografia-la-vez-herramienta-de.html" target="_blank">Quai Branly</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– mejor exposición portuguesa : <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/01/aurelia-de-souza-sentimientos.html" target="_blank">Aurélia de Souza</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– mejor exposición de otros lugares : <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/04/vermeer-que-decir.html" target="_blank">Vermeer</a>, claro</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– mejores libros: <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/09/el-borroso-libros.html" target="_blank">El borroso y la fotografía</a>, de Pauline Martin, y <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/02/marte-en-vez-de-venus-botticelli.html" target="_blank">El sueño de Botticelli</a>, de Stéphane Toussaint</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p><span style="font-family: verdana;"><b>Otras publicaciones</b> que hice:</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– la página Flusser France ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « Nostalghia. Cuando Andreï Tarkovski se encontraba con Piero della Francesca », <i><a href="https://www.tk-21.com/Nostalghia" target="_blank">TK-21 LaRevue</a></i>, nº 142, mayo 2023 ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « L’abstraction rétinienne », <i><a href="https://esadhar.fr/sites/default/files/documents/radial05_pages.pdf" target="_blank">Radial</a></i>, nº5, mayo</span><span style="font-family: verdana;"> 2023, p. 19-23 ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « Rita Magalhães, Paisagem, 2022 », <i>Derivas e Criaturas</i>, Porto, Galeria Municipal de Porto, 2023, p. 8 ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « More somehow / The swing », Meggan Gould & Stig Marton Weston, <i>More somehow</i>, Oslo, Heavy books, 2023, avec Laara Matsen ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « Fragilité de la photographie », Héloïse Conésa (dir.), <i>Épreuves de la matière</i>, Paris, Bibliothèque nationale de France, 2023, p. 29-33 ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « Flusser s’intéressa-t-il VRAIMENT à la photographie ?», Rodrigo Duarte, Pedro Hussak, Jacinto Lageira & Luciana Nacif (dirs.), <i>Philosophies de Vilém Flusser, </i>Mimésis, 2023, p. 51-61 ;</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– « Estefanía Peñafiel Loaiza », <i>100 Critiques, 10 ans d’art contemporain. Le Prix AICA France</i>, in fine, 2023, p.23.</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p><span style="font-family: verdana;">Y para terminar, por una vez, <b>anuncio para una exposición futura</b>:</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">A partit del 18 de enero y hasta el 10 de marzo, en la galería municipal <a href="https://metropole.nantes.fr/sortir/vie-locale/culture/galeries-art/galerie-latelier" target="_blank">L’Atelier,</a> en Nantes</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Exposición «Jugar contra los aparatos: de la fotografía experimental»</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Comisaría Xavier Navatte (y soy el consejero científico)</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Con los siguientes artistas, por orden alfabético:</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2014/12/fotografia-o-posesion-morgane-adawi.html" target="_blank">Morgane Adawi</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.baillymaitregrand.com/" target="_blank">Patrick Bailly-Maître-Grand</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">–<a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2011/01/26/photographier-la-lumiere/" target="_blank"> Rossella Bellusci</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.christelleboule.com/" target="_blank">Christelle Boulé</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">–<a href="https://www.evelynecoutas.net/" target="_blank"> Évelyne Coutas</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.florafanzutti.com/" target="_blank">Flora Fanzutti</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://oneartyminute.com/artistes/henri-foucault" target="_blank">Henri Foucault</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="http://indexgrafik.fr/raymond-hains-graphisme-et-photographie/" target="_blank">Raymond Hains</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.galeriemiranda.com/exhibitions/past/alchemy-of-landscape/" target="_blank">Chuck Kelton</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.ladiagonaledelart.com/photo/la-photographie-explosive-de-jean-franc%CC%A7ois-lecourt/" target="_blank">Jean-François Lecourt</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://fondazioneninomigliori.org/it/fondazione/chi-siamo/" target="_blank">Nino Migliori</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://onedrive.live.com/edit?id=625DC28F6D5A69A4!329715&resid=625DC28F6D5A69A4!329715&ithint=file%2cdocx&authkey=!ADi_OPraDvMl2qA&wdo=2&cid=625dc28f6d5a69a4" target="_blank">Xavier Navatte</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">–<a href="https://www.lesepouxp.com/" target="_blank"> los esposos P.</a> : Pascale et Damien Peyret</span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">–<a href="https://www.pierresavatier.com/" target="_blank"> Pierre Savatier</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://lauretiberghien.com/" target="_blank">Laure Tiberghien</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://pajic-wilson-pajic.com/NANCY_WILSON-PAJIC.html" target="_blank">Nancy Wilson-Pajic</a></span></p><p><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><span style="font-family: verdana;">Inauguración el 18 de enero a las 18h30. Visitas acompañadas el 19 a las 2:30 pm y el 20 a las 4 pm.</span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-85414557072224255692023-12-05T13:05:00.001+01:002023-12-05T13:05:53.581+01:00El Tiempo y el Amor, el Tiempo y la Mentira<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">22 de noviembre de 2022, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/22/le-temps-et-lamour-le-temps-et-le-mensonge/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8nWuRO7t6Kys7M1AufSj9al5SxIVExsXffb2fUJ8gYz9R0UBto-84nrD4Ht3OWp2jjc0nbMa6yoiDlOZUMc4P8BUqLvihDecQhjGNIDil6crRqhs5OFeW-tO4meWFmz_Zg7_1kvC0i9k0VqpbEppGIi9ODuFNPuwfsmLUl-bz3nSZK0KC_U7ePWJSnz64/s746/pierre-mignard-le-temps-coupant-les-ailes-de-lamour.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="746" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8nWuRO7t6Kys7M1AufSj9al5SxIVExsXffb2fUJ8gYz9R0UBto-84nrD4Ht3OWp2jjc0nbMa6yoiDlOZUMc4P8BUqLvihDecQhjGNIDil6crRqhs5OFeW-tO4meWFmz_Zg7_1kvC0i9k0VqpbEppGIi9ODuFNPuwfsmLUl-bz3nSZK0KC_U7ePWJSnz64/s16000/pierre-mignard-le-temps-coupant-les-ailes-de-lamour.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Pierre Mignard, <a href="https://fisicartes.wordpress.com/2020/03/02/cronos-corta-las-alas-a-cupido/" target="_blank">El Tiempo le corta las alas al Amor</a>, 1694, óleo sobre lienzo, 62 x 47,2 cm, col. Guy y Héléna Motais de Narbonne.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición <i><a href="https://domaine-de-sceaux.hauts-de-seine.fr/exposition-allegoria" target="_blank">Allegoria</a></i>, en las <a href="https://domaine-de-sceaux.hauts-de-seine.fr/le-domaine/patrimoine-bati/ecuries" target="_blank">antiguas caballerizas</a> (difíciles de encontrar) en el <a href="https://domaine-de-sceaux.hauts-de-seine.fr/" target="_blank">Parque de Sceaux</a> (hasta el 14 de enero) presenta argumentos ricos y documentados sobre la alegoría en Francia en el siglo XVII. Esta vez los carteles explicativos son claros, tanto para un historiador del arte como para un simple curioso, por lo que podemos agradecerle al comisario </span><span style="font-family: verdana;">Dominique Brême. Aquí debajo tenemos un ejemplo excelente, una presentación alegórica del universo del grabador </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Theodor_de_Bry" target="_blank">Jean Théodore de Bry</a></b>, «Espejo de la naturaleza entera e imagen del arte», que ilustra el libro publicado en 1617 Historia metafísica física y técnica del uno y el otro mundo, es decir del grande y del pequeño, de<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Fludd" target="_blank"> Robert Fludd</a> (el hombre del primer <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/09/soles-negros.html" target="_blank">monocromo negro</a>): sin entrar en detalles (que pueden leer aquí, páginas 8 y 9), han ordenado, lo mineral, vegetal, animal, humano, los planetas, las estrellas y las esferas celestes; mientras uno más se eleva más liviano se siente, despojado de la materia vil. Vemos que la agudeza de la exposición consiste en combinar conceptos e imágenes: una parte importante presenta los libros fundadores de la iconografía de las alegorías, para empezar </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k130641h" target="_blank">Iconologia</a> </i>de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Cesare_Ripa" target="_blank">Cesare Ripa</a><i> </i>(1593) que fue una referencia para todos los pintores clásicos, aunque se hayan tomado muchas libertades con sus recomendaciones. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicnMS4MeOBqfVGEeyGFTVAh9fzPgs_Dizzkl3TPlYeiAq2zji9k07mfhbb1bUFbHthLWAfvbKbjjkIjh5vPSJTI4zfgmvBR35MhfWzCh17nOa_7VbatoTttWp8RkpxUB-r0CcVxjP3NxwHqbb5c1n4C3aITSRX4w7lxwCXPB1jn9e0SgLDfe4GKBGH4EuZ/s600/fludd-bry.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="590" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicnMS4MeOBqfVGEeyGFTVAh9fzPgs_Dizzkl3TPlYeiAq2zji9k07mfhbb1bUFbHthLWAfvbKbjjkIjh5vPSJTI4zfgmvBR35MhfWzCh17nOa_7VbatoTttWp8RkpxUB-r0CcVxjP3NxwHqbb5c1n4C3aITSRX4w7lxwCXPB1jn9e0SgLDfe4GKBGH4EuZ/s16000/fludd-bry.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Jean Théodore de Bry, Integrae Naturae Speculum Artisque Imago, en Robert Fludd, Utriusque Cosmi Majoris scilicet et Minoris Metaphysica, Physica atque Technica Historia, Oppenheim, 1617.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Es verdad que solamente hay 25 lienzos (además de muchos libros, objetos, reproducciones de obras del <a href="https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010061143" target="_blank">Louvre</a> o de otras partes -por ejemplo de las seis de Las <i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Laurent_de_La_Hyre#Works_by_Laurent_de_La_Hyre" target="_blank">Artes Liberales</a></i> de la Hyre, solamente presentan <i><a href="https://mateturismo.wordpress.com/2014/04/28/la-astronomia-de-la-hyre-en-orleans/" target="_blank">La Astronomía</a></i>- y algunos grabados y dibujos): no hay ninguna obra maestra imperdible, pero hay obras de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Philippe_de_Champaigne" target="_blank">Philippe de Champaigne</a> y de su <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Jean_Baptiste_de_Champaigne" target="_blank">sobrino</a>, de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Laurent_de_La_Hyre" target="_blank">La Hyre</a>, de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Le_Brun" target="_blank">Le Brun</a> y otros menos conocidos. Son lienzos que ilustran perfectamente el tema de la exposición. Una de las alegorías que más me atrae es, la de arriba, pintada por <b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Mignard" target="_blank">Pierre Mignard</a></b>: el Tiempo, un viejo alado, canoso, barbudo y siniestro, con guadaña y reloj de arena, contiene, digamos que de cierta manera, castra, a otra alegoría corriente, la del Amor, que en vano protesta. El Tiempo triunfa sobre todo, el Amor, también la Belleza, la Gloria y la Mentira (ver el Botti de abajo); los sentimientos se atenúan y el desorden amoroso se desdibuja (¿qué hacer cuando <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Fichier:Charles_Le_Brun_-_Venus_cort%C3%A1ndole_las_alas_a_Cupido.jpg" target="_blank">Venus misma</a> ayudada por Minerva la juiciosa, le corta las alas al desamparado Cupido para que sea menos inconstante?).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_EhcgBN6cwXto2pc43pIVMJS1n40OEfs9uQe2r2DEQnIs_Y1KvIYq-Z_Ymkq0hXmEhYLIce69mu5dFEfLoWG2tCTb34pTjgHvURefFLq6e3jvxcMQ43UGuzQocO-mdnHH8AEogfW4eZL4n80ofsXlGO_L16x1erGXxYFC21ifDn91wqUjDCBuowakca5i/s600/simon-renard-de-saint-andre-vanite.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="503" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_EhcgBN6cwXto2pc43pIVMJS1n40OEfs9uQe2r2DEQnIs_Y1KvIYq-Z_Ymkq0hXmEhYLIce69mu5dFEfLoWG2tCTb34pTjgHvURefFLq6e3jvxcMQ43UGuzQocO-mdnHH8AEogfW4eZL4n80ofsXlGO_L16x1erGXxYFC21ifDn91wqUjDCBuowakca5i/s16000/simon-renard-de-saint-andre-vanite.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Simon Renard de Saint-André, Vánitas, hacia 1660, óleo sobre lienzo, 50,5 x 60,4 cm, col. Guy et Héléna Motais de Narbonne.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Descubrimos el sentido de numerosos símbolos, la pirámide, el huevo, las flores y las frutas (granada=unidad, higo=sexo, manzana=amor prohibido, durazno=verdad), la metáfora de la mariposa (el gusano es la vida humana, la crisálida la tumba, la mariposa la resurrección). La naturaleza muerta de <b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Simon_Renard_de_Saint-Andr%C3%A9" target="_blank">Simon Renard de Saint André</a></b>, es una vanidad que toma todos los símbolos del género (que no aparece como alegoría moral sino a principios del siglo XVII): vemos objetos que simbolizan los bienes materiales y los placeres de este bajo mundo (instrumentos de música, partituras, telas preciosas), objetos que recuerdan la moral y la necesidad de meditar sobre el sentido de la vida (libro religiosos con escenas de la Resurrección de los muertos y el Juicio final, conchas vacías y la serpiente símbolo del mal), otras que evocan la fuga del tiempo y la muerte ineluctable (además de la calavera volcada, el reloj de arena, la vela que se apaga), y para terminar la mariposa, promesa de la vida después de la muerte. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXoCziiUxRrLnjdZg2AO1OOPSJdKbw9tIvFiSjapP_mUyBEw1tHGjmynX-0pyt3D-0-AShQN0J1ulq0r5WF3de9GPmgAY2gBz-uVBefTk_-LuAT8rg9m8yk34op6BPw6I3Y3HVKFZW0MfpzMuiUvjcOTNbYOmv8XZbcl_5ZUx_0c29S3sYM4stsGyETKEP/s600/7237d205-20231107_154400-bis.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="479" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXoCziiUxRrLnjdZg2AO1OOPSJdKbw9tIvFiSjapP_mUyBEw1tHGjmynX-0pyt3D-0-AShQN0J1ulq0r5WF3de9GPmgAY2gBz-uVBefTk_-LuAT8rg9m8yk34op6BPw6I3Y3HVKFZW0MfpzMuiUvjcOTNbYOmv8XZbcl_5ZUx_0c29S3sYM4stsGyETKEP/s16000/7237d205-20231107_154400-bis.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Francesco Botti, El Tiempo le arranca le arranca la máscara a la Mentira, hacia 1680-1690, óleo sobre lienzo, 76 x 94 cm, coll. Guy et Héléna Motais de Narbonne; foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Más de la mitad de las obras proceden de colecciones particulares, <a href="https://notesdemusees.blogspot.com/2018/10/13-orleans-2018-collection-motais-de.html" target="_blank">ésta </a>(y <a href="https://www.francebleu.fr/infos/culture-loisirs/les-motais-de-narbonne-exposent-leur-collection-privee-a-orleans-1536930756" target="_blank">también</a>). La gran mayoría son lienzos de artistas franceses; única excepción, un anónimo flamenco sobre los cinco sentidos y <i>El Tiempo arrancando la máscara a la Mentira</i> del florentino </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Francesco_Botti" target="_blank"><b>Francesco Botti</b></a>, es un bonito cuadro a la Caravaggio en el que la Mentira no solamente va enmascarada sino que es también una mujer travestida... La última sección, igual de importante históricamente es menos estimulante desde el punto de vista iconográfico: cómo las alegorías sirvieron en la educación de los príncipes y más generalmente para exaltar las virtudes del poder. Es una bonita exposición bastante instructiva que se puede completar con la visita del <a href="https://domaine-de-sceaux.hauts-de-seine.fr/le-domaine/patrimoine-bati/pavillon-de-laurore" target="_blank">Pabellón de la Aurora</a> en el Parque de Sceaux. Es una lástima que no haya catálogo, especialmente porque el único <a href="https://www.faton.fr/editions/livre/peinture-allegorique-grand-siecle.1821.php" target="_blank">libro</a> disponible en la pequeña librería habla precisamente de la última sección. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-18470531635466123432023-11-21T19:02:00.000+01:002023-11-21T19:02:50.343+01:00Jugar contra el apparatus de la inteligencia artificial (Brodbeck & de Barbuat)<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">16 de noviembre por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/16/jouer-contre-lapparatus-de-lintelligence-artificielle-brodbeck-de-barbuat/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdBucg24chq3e2CGJZgHi4faemGBFKy8PmuiFM4LhDuoWmXG8KBdg2GhLThc-4MAqETVqU0Zs_mv5OrwqQsFwxhMbVkhgBugokSswraDih_CCuYJlQ88jsNVfAwqsMpajEsZbuIyGg_VaAX-Prvk8LV7E1DhnChnCSaiwp60phocG5L61EXI99MgPcGpmC/s600/unnamed-1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdBucg24chq3e2CGJZgHi4faemGBFKy8PmuiFM4LhDuoWmXG8KBdg2GhLThc-4MAqETVqU0Zs_mv5OrwqQsFwxhMbVkhgBugokSswraDih_CCuYJlQ88jsNVfAwqsMpajEsZbuIyGg_VaAX-Prvk8LV7E1DhnChnCSaiwp60phocG5L61EXI99MgPcGpmC/s16000/unnamed-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Brodbeck & de Barbuat, Estudio según Dorothea Lange, Madre migrante, Nipomo, California, 1936, 2022. Revelado único sobre papel Baryta. 47 x 39 cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Se están viendo muchas obras de arte hechas con la ayuda de la IA, de la cual <a href="https://chatonsky.net/" target="_blank">Gregory Chatonsky</a> es el pionero; pero entre las que vimos en </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/mi-semana-foto-parisiense-noticias.html" target="_blank">Paris Photo</a> hay </span><span style="font-family: verdana;">una gran cantidad que son bastante mediocres desde el punto de vista creativo, es igual que la fascinación de un niño con un juguete nuevo (por ejemplo las presentaciones detalladas de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://mansimov.io/" target="_blank">Elman Mansimov</a> <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-4e5b5f9f-a729-479e-8b50-f19912847b13.html#/" target="_blank">aquí</a>). Y la <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant.html?refinementList%5B0%5D%5B0%5D=sponsoredCategory.id%3A789575&refinementList%5B0%5D%5B1%5D=filters.Secteur.lvl0%3Aid-789575#/" target="_blank">feria</a> mezcló sin distinción arte digital, NFT e Inteligencia Artificial. Es mucho más interesante ver a artistas que juegan contra la inteligencia artificial, que van en contra de sus algoritmos en lugar de plegarse a sus reglas. Es el caso por ejemplo de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://bayolthemines.fr/" target="_blank">Lionel Bayol-Thémines</a> que lleva los algoritmos hasta sus límites para hacer producir imágenes aberrantes, y es el caso también de la pareja </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.brodbeckdebarbuat.com/#/histoires/" target="_blank">Brodbeck & de Barbuat</a></b> (ex Lucie & Simon) quienes, muestran en la <a href="http://galeriepapillonparis.com/?expocommunique/Une-histoire-parall%C3%A8le2&navlang=fr" target="_blank">galería Papillon</a> (hasta el 13 de enero) una selección de interpretaciones de obras de arte que conocemos bien y hechas con la IA, con el título «Una historia paralela». Adeptos del juego con la tecnología para cuestionar la fotografía, le dieron a la máquina </span><span style="font-family: verdana;">(<a href="https://www.midjourney.com/home" target="_blank">Midjourney</a>) la descripción textual detallada de unas 200 fotografías: nombre del autor, título, fecha, lugar o país, descripción precisa de la imagen, de sus protagonistas, de la luz, los colores, las formas, detalles técnicos (aparato, objetivo, ajustes, tipo de revelado,...). Después de varias iteraciones con la máquina seleccionaron las imágenes obtenidas y eliminaron las más y las menos parecidas, aquellas demasiado «monstruosas». </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhARLl1glhbzhwGLfuNcOjFBIAGI87Ugz4bNZeJtf6vrIeNR1xDANXfMhVSguM5unzVanyRo6Cut8c02TozDyZEvDw9mi6IwkbS0EcQu1jblXI2FlX-7VMVf31Vz5_jvcealPGeoW0GD6uNgA1ivUsAfn9nIYgnv4nAGJgdqsKC_2tHdZifut75MwmBUY5R/s1831/unnamed-2.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1831" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhARLl1glhbzhwGLfuNcOjFBIAGI87Ugz4bNZeJtf6vrIeNR1xDANXfMhVSguM5unzVanyRo6Cut8c02TozDyZEvDw9mi6IwkbS0EcQu1jblXI2FlX-7VMVf31Vz5_jvcealPGeoW0GD6uNgA1ivUsAfn9nIYgnv4nAGJgdqsKC_2tHdZifut75MwmBUY5R/s16000/unnamed-2.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Brodbeck & de Barbuat, Estudio según Horst P. Horst, Hands, Hands, Hands, 1941, 2022. Revelado único sobre papel Baryta. 166 x 37.5 cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En la exposición no muestran las imágenes originales pues en general las tenemos en la memoria (o las miramos discretamente en nuestros teléfonos). Los algoritmos de Midjourney escarban entonces en la </span><span style="font-family: verdana;">inmensa </span><span style="font-family: verdana;">base de datos de imágenes disponibles por internet y se esfuerzan por contestar lo mejor posible a lo que se les pide. Pero, es evidente, no sale bien. Me parece que hay dos tipos de distorsión. Las más evidentes se deben a la técnica: las caras en una multitud son todas idénticas, las manos mal representadas. Es así que las tentativas del fotógrafo estadounidense </span><span style="font-family: verdana;"><a href=" https://www.horstphorst.com/" target="_blank">Horst P. Horst</a> para representar este <a href="https://drouot.com/fr/l/21066001-horst-p-horst-1906-1999-aleman-americano-hands-hands-new" target="_blank">estudio de manos</a> son un magnífico fracaso, los dedos se multiplican y se tuercen. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg68CWHvv4a4he4pPP8i-aic3wqmMonDhz59xnRgNPbJ-Lvlq15nD3boI3VxA_yMxJ0FlfCVY0SOPueUbfVZ1knAYkHBavDujytIf0WTkkXauURPNceailgh5pxS1eFRtve1qWWS4RjuWjofGbiVdZp-zUyw3ZcsakEmTDPPqJwEfJIfT0eL7USQrGFSDpN/s600/unnamed-1-1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg68CWHvv4a4he4pPP8i-aic3wqmMonDhz59xnRgNPbJ-Lvlq15nD3boI3VxA_yMxJ0FlfCVY0SOPueUbfVZ1knAYkHBavDujytIf0WTkkXauURPNceailgh5pxS1eFRtve1qWWS4RjuWjofGbiVdZp-zUyw3ZcsakEmTDPPqJwEfJIfT0eL7USQrGFSDpN/s16000/unnamed-1-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Brodbeck & de Barbuat, Estudio según Annie Leibovitz, John Lennon y Yoko Ono, 1980, 2022. Revelado único sobre papel Baryta. 47 x 39 cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Pero lo más interesante es la censura ideológica. Para la máquina las mujeres tienen que ser bellas y serenas: </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Florence_Owens_Thompson" target="_blank">Florence Owens Thompson</a> ya no tiene arrugas y rejuvenece 15 años, vuelve a la adolescencia; ya no tiene niños en brazos sino que gana dedos (<i>arriba</i>). Ya </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/03/dorothea-lange-y-las-palabras.html" target="_blank">Dorothea Lange</a> había deformado un poco su historia, Midjourney deforma su apariencia. Otro estereotipo cultural: las mujeres pueden estar desnudas pero los hombres tienen que estar vestidos. Aunque </span><span style="font-family: verdana;">Annie Leibovitz haya fotografiado a John Lennon desnudo y a Yoko Ono vestida, la máquina, a pesar de habérselo pedido varias veces, no soporta ver nalgas masculinas (con mayor razón en <a href="https://www.nationalgalleries.org/art-and-artists/42479/john-lennon-and-yoko-ono" target="_blank">la pose original</a>), sino que impone un (discreto) trasero femenino. ¡Así es! La moralina de la IA también toca la política: los artistas cuentan que para la famosa fotografía de</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Evgu%C3%A9ni_Jald%C3%A9i" target="_blank">Yevgeny Khaldei</a></span><span style="font-family: verdana;"> de </span><span style="font-family: verdana;">la toma del Reichstag </span><span style="font-family: verdana;">(ya alterada por la <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Alzando_una_bandera_sobre_el_Reichstag#Retoques" target="_blank">censura</a> por los relojes -robados- del sargento </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Abdulkhakim_Ismailov" target="_blank">Abdulkhakim Ismailov</a>), aunque se lo pidieron a la maquina varias veces, no pudieron obtener </span><span style="font-family: verdana;">en la bandera soviética izada sobre el Reichstag, </span><span style="font-family: verdana;">el martillo y la hoz, sino una sigla confusa. Bastante preocupante, ¿no? La inteligencia artificial es un dispositivo, un apparatus, en el sentido <a href="https://www.flusserstudies.net/node/615" target="_blank">flusseriano</a>, y, si no queremos ser víctimas pasivas de sus programas, no se ha ganado la batalla. </span><span style="font-family: verdana;">¿Tienen las imágenes una veracidad? Todavía no. </span><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Todas las imágenes cortesía de Galerie Papillon</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-54016564359460585922023-11-20T17:21:00.001+01:002023-11-20T17:21:48.285+01:00Verdad y ficción fotográficas (Luc Delahaye)<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">15 de noviembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/15/verite-et-fiction-photographiques-luc-delahaye/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><span style="font-family: verdana;"><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSVF0FFp12hkm4PXnwMNzfNtKel10VpADp3JNcp_IJEXtTtCn7RBjtkD2fseUlBdSb1ybDORfteXGw-UruCUoBGUnaCd4HgMZXehEIdcthuUfNY5RQXPQQeeS5cZrV1LmjCV84rQk1-E4jp8Iz3G9OWOJVW5TU_GyDmAPKXx6iQZ6M2EUeTZB5CamHHXKB/s600/fond-ecran-abstrait-noir-grunge-photo-gratuit_1340-33848.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSVF0FFp12hkm4PXnwMNzfNtKel10VpADp3JNcp_IJEXtTtCn7RBjtkD2fseUlBdSb1ybDORfteXGw-UruCUoBGUnaCd4HgMZXehEIdcthuUfNY5RQXPQQeeS5cZrV1LmjCV84rQk1-E4jp8Iz3G9OWOJVW5TU_GyDmAPKXx6iQZ6M2EUeTZB5CamHHXKB/s16000/fond-ecran-abstrait-noir-grunge-photo-gratuit_1340-33848.webp" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Lo que no ve aquí arriba, es una fotografía de <b><a href="https://www.nathalieobadia.com/fr/artists/38-luc-delahaye/overview/" target="_blank">Luc Delahaye</a></b>, que la galería <a href="https://www.nathalieobadia.com/fr/exhibitions/311-luc-delahaye-reportage/overview/" target="_blank">Nathalie Obadia</a> expone actualmente (</span><span style="font-family: verdana;">Faubourg Saint-Honoré, hasta el 23 de diciembre, <i>Reportage</i>). Esta fotografía que no ve se llama </span><span style="font-family: verdana;">« <i>Il va mourir</i> »</span><span style="font-family: verdana;"> -Se va a morir- y data de 2022. Muestra la cabeza levemente inclinada hacia adelante y el busto de un joven con uniforme; tiene los ojos vendados. A la derecha de la imagen se ve una rama con algunos botones: debe de ser la primavera. El joven es un soldado ruso hecho prisionero por el ejército ucraniano. Y poco tiempo después de que Delahaye lo fotografiara fue fusilado por los soldados ucranianos. Usted no puede ver la fotografía porque Luc Delahaye no quiere, por pudor, por respeto por la joven víctima de un crimen de guerra, para que no difundan su imagen a través de las redes sociales, para que sus amigos y su familia, que quizás no sepan su fin trágico no se enteren de esa manera; y el fotógrafo tiene perfectamente razón. Si usted quiere ver la fotografía, si quiere confrontarse con un hombre que va a morir, tiene que desplazarse hasta la galería (y tener la decencia de no robarse la imagen con un smartphone). Tiene los ojos vendados. No podrá ver su mirada mientras que no podrá olvidar la de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Powell" target="_blank">Lewis Payne</a> (o Powell), que tenía quizás la misma edad, 23 años, y que fue condenado a muerte por haber intentado asesinar al Secretario de Estado estadounidense </span><span style="font-family: verdana;">William Henry Seward en 1865. La mirada de Payne la conoce porque <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Lewis_Powell_%28conspirator%29#/media/File:Lewis_Payne_cwpb.04208_(cropped).jpg" target="_blank">Alexandre Gardner</a> lo fotografió la víspera de que lo colgaran. La conoce porque Roland Barthes le consagró el capítulo 39 de la <i>Cámara Lúcida</i> </span><span style="font-family: verdana;">(págs. 148-151), en el cual define el </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://semiramisgonzalez.com/el-studium-y-el-punctum-en-la-fotografia/" target="_blank">punctum</a>: «la foto es bonita, el joven también: es el <i>stadium</i>. Pero el </span><span style="font-family: verdana;"><i>punctum</i> es: <i>él va a morir</i>. Lo leo al mismo tiempo: <i>será y fue</i>; observo con horror un futuro anterior en el cual lo que está en juego es la muerte». Debajo de la reproducción de la fotografía, Barthes escribe: «Murió y va a morir.» Pero tampoco veremos nunca la fotografía de su madre: «Delante de la fotografía de mi madre niña, me digo: va a morir: me estremezco </span><span style="font-family: verdana;">[…] <i>por una catástrofe que ya tuvo lugar</i>. Que la persona ya esté muerta o no, toda fotografía es esa catástrofe.»</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHFae8KQmmpPTnfQtYc5tj0Rxuh9_L1xnqmvG-81Lkks8bAeIGaMJ3t9OVf2UTc_rgvtZcJxG1O9pd89d090ZsUaKpwxqbfd-g4eCH_bv_WLj_k0YK5pnytzs90Nej8OxyMhNXGNjILpfyjOKT18Tkk5XJP4u8S8ix65eG0RFw6nUqKK2FEptSU3T2-3eq/s600/unnamed.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="467" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHFae8KQmmpPTnfQtYc5tj0Rxuh9_L1xnqmvG-81Lkks8bAeIGaMJ3t9OVf2UTc_rgvtZcJxG1O9pd89d090ZsUaKpwxqbfd-g4eCH_bv_WLj_k0YK5pnytzs90Nej8OxyMhNXGNjILpfyjOKT18Tkk5XJP4u8S8ix65eG0RFw6nUqKK2FEptSU3T2-3eq/s16000/unnamed.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Luc Delahaye, Una Hoguera, 2023, revelado cromogénico numérico, 195.5×269.4cm, enmarcado : 201,5 x 275,4 x 6,2 cm.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Luc_Delahaye" target="_blank">Luc Delahaye</a> fue primero fotoperiodista y corresponsal de guerra, antes de <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2005/04/17/2005_04_photography_pri_8/" target="_blank">evolucionar</a> hacia una fotografía menos documental, más <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2011/01/21/distance-et-empathie/" target="_blank">distanciada</a>, más construida. Aparte de aquel soldado ruso que va a morir, en la exposición no hay sino una sola fotografía que podemos calificar como verdaderamente documental, la de unos migrantes durmiendo en el suelo en 2007, también en blanco y negro. Justo al lado, esta fotografía grande, en color, en el mismo lugar, en el mismo contexto, muestra a unos migrantes que se calientan con una hoguera improvisada. Pero, si fuera una foto documental, me parece que no sería tan buena: sólo se ve a un personaje, los demás no forman sino una masa imprecisa, no es sino un bloque en el cual los cuerpos se confunden sin caras, y otros dos a la derecha salen del campo. Aquí cuenta únicamente el hombre de suéter verdusco con la cabeza inclinada hacia <a href="https://www.instagram.com/p/CzJxjEKNnSP/" target="_blank">la hoguera</a>, parece irreal, </span><span style="font-family: verdana;">fantástico, </span><span style="font-family: verdana;">como si flotara. Se trata de una representación imaginaria, es una escena que no ha tenido lugar, un montaje de fragmentos tomados en lugares diferentes. Es un cuadro fotográfico, una construcción mental, lo que conduce a cuestionarse sobre la representación fotográfica y su pertinencia.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5vUpApnnHvd-D3Zo6ys_Ec2gj_O4wfhyphenhyphenBryGpB6t23ZcgMsVvuf__zGNa1FCiRnQum-OxBXiGiE8zjiWTp3tNqP9jyI94j-KpYvOCaNEaxdiRDvAVRoRr6FWu9c9aUzecEyfcgmwqgNonLt7jYl-0lmerz482Mp51bfgb8H91yQX8RbfVGMycdRwWxlL3/s600/cop26-12-novembre-2021-5h00-md.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5vUpApnnHvd-D3Zo6ys_Ec2gj_O4wfhyphenhyphenBryGpB6t23ZcgMsVvuf__zGNa1FCiRnQum-OxBXiGiE8zjiWTp3tNqP9jyI94j-KpYvOCaNEaxdiRDvAVRoRr6FWu9c9aUzecEyfcgmwqgNonLt7jYl-0lmerz482Mp51bfgb8H91yQX8RbfVGMycdRwWxlL3/s16000/cop26-12-novembre-2021-5h00-md.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Luc Delahaye, COP26, 12 de noviembre de 2021, 5h00, 2023, revelado cromogénico, 194,7 x 309,4 cm, enmarcado 200,7 x 315,4 x 6,2 cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La misma lógica de composición precedió la confección de esta fotografía, a partir de personajes tomados en diferentes eventos contiguos a la </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Conferencia_de_las_Naciones_Unidas_sobre_el_Cambio_Clim%C3%A1tico_de_2021" target="_blank">COP26</a> y ensamblados aquí en esta sala (cerrada a los periodistas) en donde </span><span style="font-family: verdana;">a última hora están </span><span style="font-family: verdana;">elaborando el <a href="https://unfccc.int/es/news/la-cop26-alcanza-un-consenso-sobre-las-acciones-clave-para-hacer-frente-al-cambio-climatico" target="_blank">comunicado final</a>, el 12 de noviembre de 2021 a las 5 de la mañana. Y </span><span style="font-family: verdana;">sin embargo </span><span style="font-family: verdana;">esta imagen falsa o en todo caso ficticia, </span><span style="font-family: verdana;">nos está diciendo la realidad: las negociaciones, las presiones, la tensión. El cráneo calvo y brillante del único hombre que está hablando en el centro, el aspecto cerrado de su interlocutor de pelo excesivamente pintado y que no se deja convencer, la cara de taimado del consejero que le susurra al oído, la mirada equívoca (¿decepcionada? ¿despectiva?) del hombre sentado a la izquierda: todos esos fragmentos sacados de diferentes lugares, construyen una escena en la cual las presencias corporales y las miradas tejen una arquitectura compleja. Hay solamente cuatro, cinco mujeres en aquel lugar del poder. Y solamente blancos... Es el talento de <a href="https://www.artpress.com/2020/11/13/luc-delahaye-une-position-dans-le-reel/" target="_blank">Delahaye</a>, saber ensamblar así piezas de rompecabezas bien concretas, al servicio de un «cuadro vivo» que narra una historia y lleva así al espectador a interrogarse sobre la historia y sobre la representación, como lo hecho ya varias veces, en la <a href="https://www.getty.edu/art/exhibitions/delahaye/conference.html" target="_blank">OPEC</a> o en <a href="https://www.mutualart.com/Article/World-Mergers/30F08ACC4E32B474" target="_blank">Davos</a>, otros lugares del poder. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUmmA___0542CJWT-iLeOTo-QuljHTvcOtObxqjIw53DDua8GGWJ0cuaWicPf8dNDN-L9l1GiV1TCJzNtq7CEzExMWd6GPM9ni1V7M_cuoJgXEcqCfgzD5UKCA34P_KyVFVjwxyQfDDL4MPl3brywm19Vi3U1F_0e4Ri4cHGDpHHuNdmpVEyFDg5KTfN4n/s726/23b-paris-08.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="726" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUmmA___0542CJWT-iLeOTo-QuljHTvcOtObxqjIw53DDua8GGWJ0cuaWicPf8dNDN-L9l1GiV1TCJzNtq7CEzExMWd6GPM9ni1V7M_cuoJgXEcqCfgzD5UKCA34P_KyVFVjwxyQfDDL4MPl3brywm19Vi3U1F_0e4Ri4cHGDpHHuNdmpVEyFDg5KTfN4n/s16000/23b-paris-08.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Vista de la exposición Reportaje, Galería Nathalie Obadia, Paris, 2023, con Luc Delahaye, Monumentos, 2022, 9 revelados chorros de tinta blanco y negro, cada uno 27.3×20.4cm, enmarcado 28.5×21.7×2.6cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">También tenemos en la exposición nueve fotografías de caras de soldados que adornan monumentos soviéticos en honor al ejército: la mayoría parecen pensativos, tristes, sin mucha gloria, sin ánimo de conquistadores; uno tiene la boca bien abierta, otro en el suelo, está muerto o herido. Al lado de esas imágenes sacadas del realismo socialista y que de hecho se vuelven retratos de una época gloriosa pasada, hay 45 fotografías pequeñas en blanco y negro de ucranianos refugiados debajo de un puente para protegerse de los bombardeos: en sus caras leemos la preocupación y la incertidumbre más que el miedo o la muerte; una mujer yace en el suelo, los demás examinan el cielo o los alrededores. No son 45 fotografías individuales sino, igualmente, fragmentos de fotografías más grandes que Delahaye había tomado del gentío durante esos dos días (6 y 7 de marzo de 2022). Al contrario de las dos composiciones de arriba, aquí ya no es una composición sino una yuxtaposición. Si estos retratos me hacen pensar en <a href="https://www.amazon.fr/LAutre-Luc-Delahaye/dp/071483842X" target="_blank">los desconocidos del metro</a> que Dehalaye fotografió a escondidas hace más de 25 años, su extracción me recordó un <a href="https://chelouchegallery.com/work/people-i-met-project/" target="_blank">proyecto</a> de <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2011/03/29/lesthetique-et-lethique-miki-kratsman/" target="_blank">Miki Kratsman</a> que subió a <a href="https://www.facebook.com/kratsman.people.i.met/" target="_blank">Facebook</a> cantidades de fotos de palestinos anónimos, fragmentos de imágenes de grupos o de multitudes que había fotografiado durante la Intifada y preguntaba: «¿Qué habrá sido de él?». Y aquellos ucranianos anónimos arrancados del anonimato por Luc Delahaye, </span><span style="font-family: verdana;">¿qué habrá sido de ellos?. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Todas las imágenes (salvo el cuadro negro) : Edición de 3 + 1 EA. © Luc Delahaye. Cortesía del artista y de la Galería Nathalie Obadia Paris / Bruxelles.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-40468794068489523112023-11-19T19:26:00.000+01:002023-11-19T19:26:39.718+01:00Las madres muertas, en el BAL<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">13 de noviembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/13/les-meres-mortes-au-bal/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2RAKSEnAdaMYzIIjE8BmTFZcrxf-Zmb0QxP3kgQSvHuvucgsDJC6XchmrmdGZv3qKmsJses1xdYB1gtz0colUsw0N92v-BfQS1D_l-2zO0Ac7V1LBVYmQoGWfP0pGfELVsVkWVzMXdtNqEP3FhTcx3MKtyVqoih1EsUikZU1vp-lx8N4cxdNni2lgpgn4/s600/rapiecer-01.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="449" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2RAKSEnAdaMYzIIjE8BmTFZcrxf-Zmb0QxP3kgQSvHuvucgsDJC6XchmrmdGZv3qKmsJses1xdYB1gtz0colUsw0N92v-BfQS1D_l-2zO0Ac7V1LBVYmQoGWfP0pGfELVsVkWVzMXdtNqEP3FhTcx3MKtyVqoih1EsUikZU1vp-lx8N4cxdNni2lgpgn4/s16000/rapiecer-01.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Rebekka Deubner, Strip (remendar), video, 2023, captura de pantalla, cortesía de la artiste</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición «A partir de ella» en el <a href="https://www.le-bal.fr/2023/09/partir-delle-des-artistes-et-leur-mere" target="_blank">BAL</a> (hasta el 25 de febrero) está dedicada a la relación que tienen los artistas y escritores con su madre (cuyo apellido, generalmente desconocido, está listado en la contraportada). Entre las 26 obras y escritos, los más intensos son indudablemente los de los huérfanos, o más bien (salvo Roland Barthes y su texto famoso </span><span style="font-family: verdana;">–reproducido en una pared</span><span style="font-family: verdana;">– en la <i>Cámara lúcida </i>sobre la fotografía de su madre como herramienta<i> </i>accesoria), de las huérfanas. Por ejemplo, la japonesa </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Miyako_Ishiuchi" target="_blank">Ishiushi Miyako</a> que fotografía objetos que le pertenecían a su difunta madre; una imagen fantasmal de <a href="https://galeriegaillard.com/artists/117-helene-delprat/overview/" target="_blank">Hélène Delprat</a>; las famosas fotografías desdobladas de la sudafricana </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/07/mujeres-artistas-y-negras.html" target="_blank">Lebohang Kganye</a>; el periplo de Sophie Calle yendo a depositar en la banquisa el collar (Chanel, por supuesto), el diamante y una foto de su madre. Pero, de todas las obras, las más conmovedora es la de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="http://rebekkadeubner.com/" target="_blank">Rebekka Deubner</a></b>. ¿Qué hacer con la ropa de una muerta? Todavía impregnada de su olor o con la impronta de su cuerpo, la huella de sus formas: </span><span style="font-family: verdana;">¿habrá que quemarla, tirarla, regalarla? </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.instagram.com/p/CzLNuz_AtG4/?hl=fr&img_index=1" target="_blank">Rebekka Deubner</a> hace su duelo apropiándosela, de dos maneras. Se la pone, y se envuelve acumulándola sobre ella hasta la desmesura. Un <a href="https://www.instagram.com/p/CyDFIG-gpY-/?hl=fr&img_index=1" target="_blank">video</a> (<i>remendar</i>) la muestra primero desnuda, como el día de su nacimiento, mirando al objetivo con una mirada quieta, alucinada y tristísima, de melancolía; después de una larga espera, de incertidumbre, se pone una blusa de su madre después abotona otra con la primera y se enrolla y así sucesivamente, cantidades de veces, alternando blusas blancas y de colores, hasta no poder continuar. Es una espiral de prendas ligadas las unas con las otras, como si fuera una cadena, una mortaja enrollada diez veces alrededor de su cuerpo frágil que se ahoga: ¿entonces siente más el sosiego o la restricción? </span><span style="font-family: verdana;">¿estará remendando su alma? Otro videos más cortos la muestran cubriéndose con un abrigo verde, <a href="https://www.instagram.com/p/CxuytZHIlT5/?hl=fr&img_index=6" target="_blank">anundando</a> una pelliza de piel o (en el stand de la <a href="https://www.espacejb.com/rebekka-deubner/" target="_blank">galería </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.espacejb.com/rebekka-deubner/" target="_blank">Jörg Brockmann</a> en <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-141eb548-6e22-41ad-a7ba-b2a5a6aaf73c.html#/" target="_blank">Paris Photo</a>) amarrando unas <a href="https://www.instagram.com/p/CujDI6CN-Eb/?hl=fr&img_index=2" target="_blank">botas </a>de su madre, y luego desamarrándolos para mostrar unas marcas negras en las piernas, como si fueran un rastro, una transmisión. Conociendo la predilección de </span><span style="font-family: verdana;">Rebekka Deubner por los cuerpos y en especial por los fluidos corporales y por el tiento, podemos imaginar la dimensión del tacto y del olfato de unas acciones que el espectador solamente puede ver a través de imágenes mudas. Vestirse así con las cosas de su madre, deslizarse así en lo que fue su vaina de tela, apropiarse aquella cáscara y la crisálida que también quedaron huérfanas, es para ella, tanto para su cuerpo como para su espíritu, el trabajo de duelo más íntimo que uno se pueda imaginar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8lGxmfrKseJEBN8eSGPUaQ3GJ9TozmC7EF6fJQE95qQ447o5P5-myY3MYevzZ0s_Akme7WY-4wNmICPLqafqK0jsvCD6Ydyr0SlsYgpb0vTiGf4-DHP-ZS3C3DOKGCLKuQG-JZUTNPwMG0eQ9BjGHoy7Xle-6Zg59ihjoteHJlFgTxH_qMzX9w3idK5Yb/s600/20231109_182021-1.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="369" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8lGxmfrKseJEBN8eSGPUaQ3GJ9TozmC7EF6fJQE95qQ447o5P5-myY3MYevzZ0s_Akme7WY-4wNmICPLqafqK0jsvCD6Ydyr0SlsYgpb0vTiGf4-DHP-ZS3C3DOKGCLKuQG-JZUTNPwMG0eQ9BjGHoy7Xle-6Zg59ihjoteHJlFgTxH_qMzX9w3idK5Yb/s16000/20231109_182021-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Rebekka Deubner, Strip, fotogramas, 2022/23, vista de la exposición</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Quizás por simetría con unos vídeos tan íntimos, la segunda parte de su trabajo es más distante, más fría, más «estética» también: <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/artwork/artwork-profile.exh-3cd2f452-a311-4330-ad8f-694a79aea745.untitled%2039%20from%20the%20series%20strip.pro-82062a8c-c683-4eec-a0d2-bf170b772f41.html#/" target="_blank">fotogramas</a> en colores de la ropa de su madre que componen un cuadro multicolor en el que se reconoce una manga, una tira, un encaje: es un retrato implícito de la difunta. La apropiación de la ropa (y, algo, de la apariencia) de su madre remite al trabajo bien conocido de Michel Journiac que transforma su imagen para parecerse a su padre o a su madre (no han fallecido) en un <i><a href="https://i-ac.eu/fr/collection/594_hommage-a-freud-constat-critique-d-une-mythologie-travestie-MICHEL-JOURNIAC-1972-1984" target="_blank">Homenaje a Freud</a></i> (como burla) y <i><a href="https://galeriegaillard.com/exhibitions/142-michel-journiac/works/" target="_blank">Propuestas para un travesti incestuoso y masturbatorio</a></i>. </span><span style="font-family: verdana;">[Pues, sería bueno hacer una expo sobre «ponerse la ropa de los demás», sobre la identidad y la apropiación del vestuario, podría se con estos dos, </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://hanseijkelboom.nl/" target="_blank">Hans Eijkelboom</a>, <a href="https://koregos.org/fr/charlotte-limonne-vetement-parure-doublure/" target="_blank">Lygia Clark</a>, Yoshi, y ¿con quién más?</span><span style="font-family: verdana;">]</span><span style="font-family: verdana;"> Entre las otras obras de la exposición, muchos retratos de madres, más o menos clásicos (</span><span style="font-family: verdana;">Dirck Broekman, Latoya Ruby Frazier, Gao Shan, Paul Graham, Jochen Gerz), puestas en escena graciosas </span><span style="font-family: verdana;">(<a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/04/ragnar-kjartansson-mas-forma-que-fondo.html" target="_blank">Ragnar Kjartansson</a>, los Blume), incluso grotescas </span><span style="font-family: verdana;">(Christian Boltanski), diálogos trágicos </span><span style="font-family: verdana;">(Mark Raidpere) o interrogadores </span><span style="font-family: verdana;">(Anri Sala que cuestiona el pasado comunista de su madre), textos de </span><span style="font-family: verdana;">Hervé Guibert y de Pasolini.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnmOd7YpuIdQ401ixDb_BZwyRgMZVxBavC_QrYktPMRJeyO6N0WsOyiDYg9juTjDfC6lQVWxjTh_uwniPtK5XfMqutVL6Kqs2oivApYBh9V25kRSjRkJFxpgTXTPYkTEzv518eTwFe1WvtkGKHYdqD4b7NkOHmZx8X9poVLtvkuXSiRQagZPOTOmuGUo7e/s600/20231109_183915.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="353" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnmOd7YpuIdQ401ixDb_BZwyRgMZVxBavC_QrYktPMRJeyO6N0WsOyiDYg9juTjDfC6lQVWxjTh_uwniPtK5XfMqutVL6Kqs2oivApYBh9V25kRSjRkJFxpgTXTPYkTEzv518eTwFe1WvtkGKHYdqD4b7NkOHmZx8X9poVLtvkuXSiRQagZPOTOmuGUo7e/s16000/20231109_183915.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Mona Hatoum, Measures of Distance, video, 1988, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La obra estrella de la exposición que, me parece, junto a la de Deubner, eclipsa todas las otras, es el video </span><span style="font-family: verdana;"><i>Measures of Distance</i> de Mona Hatoum, además no es un video sino una serie de fotografías de la madre de la artista, desnuda bajo la ducha, mujer fuerte y sensual; sobre las fotografías como si fuera una cortina, van inscritas frases en árabe; son cartas de la madre desde Beirut, para la hija en Londres, durante la guerra civil. Las dos se hablan y al mismo tiempo, Mona Hatoum lee la traducción de las cartas al inglés, único elemento comprensible para los que no hablan árabe, pero el fondo sonoro en árabe es indispensable: entramado de conversaciones entre madre e hija como si fuera un tejido. Se habla de exilio, de desarraigo, de depuración étnica (la Nakba, y es una de las obras en la cual Hatoum muestra más su dimensión palestina), de la separación de la madre y sus hijas, de la guerra, también se habla de intimidad, identidad, sexualidad y del peso agobiante del padre. Se siente uno (es decir el blanco heterosexual que está escribiendo aquí) un poco voyeur y cómplice. Es una celebración hermosa del amor filial y de la complicidad. Quizás sea su dimensión mediterránea, árabe, con todas las complejidades y ambigüedades que ello implica, que hacen que me guste. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-50082377783206960252023-11-15T08:43:00.000+01:002023-11-15T08:43:25.584+01:00Mi semana foto parisiense (noticias cortas)<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">11 de noviembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/11/ma-semaine-photo-parisienne-breves/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Solamente algunas notas cortas y rápidas sobre ferias y exposiciones de fotografía esta semana (con los complementos del domingo por la noche). Los flechazos y las diatribas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAtTg_2jUrVkeD7A1e9rO8cptCAO1OEtf69B6aH_HkOdDHAPqO-tp0MoU4UVFhWc3GcWuAutrpRaHk2J_FDOeD3ithYFt1MH30oyYLNRJYnFoJ3ONMpQmUhfpvl0me3SBmHuqdJO7IozQf3Kmzayi6finkTpZ2r8qhrTVQyxgcZNmNqyKjgY3-ptIsNfWQ/s600/jannemarein-renout.-photo-by-david-meulenbeld.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="371" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAtTg_2jUrVkeD7A1e9rO8cptCAO1OEtf69B6aH_HkOdDHAPqO-tp0MoU4UVFhWc3GcWuAutrpRaHk2J_FDOeD3ithYFt1MH30oyYLNRJYnFoJ3ONMpQmUhfpvl0me3SBmHuqdJO7IozQf3Kmzayi6finkTpZ2r8qhrTVQyxgcZNmNqyKjgY3-ptIsNfWQ/s16000/jannemarein-renout.-photo-by-david-meulenbeld.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Jannemarein Renout, serie RAIN, 2019-2023, detalle foto por D. Meulenfeld</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En el salón </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.approche.paris/" target="_blank">a ppr oc he</a></b> (40 rue de Richelieu) se juntan enfoques demasiado decorativos para mi gusto (juegos de colores y de formas bastante estériles) e investigaciones muy interesantes:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– <b><a href="https://www.jannemareinrenout.nl/" target="_blank">Jannemarein Renout </a></b>(galería Bart) destruye sus escáneres; o, más precisamente, pone uno bajo la lluvia que perturba sus sensores y le hace generar imágenes extrañas hasta el momento en que saca la mano. Muerte fulgurante de un aparato. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://sakikonomura.com/en_news/" target="_blank">Sakiko Nomura</a> (galería Écho 119) le impone al espectador un tiempo largo de aclimatación ante imágenes negrísimas antes de que la forma de los cuerpos desnudos aparezca (pero la negrura procede de la impresión y no de la toma como lo hace <a href="https://artamateur.wordpress.com/2011/03/19/the-magical-images-of-adam-fuss/" target="_blank">Adam Fuss</a>). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://laurewinants.com/" target="_blank">Laure Winants</a> (Fisheye Gallery) trae en sus imágenes vestigios polares, testigo de hielo o permafrost, que interactúan con la superficie fotosensible que filtran y perturban la luz en dos grandes formatos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.sophiezenon.com/" target="_blank">Sophie Zénon</a> (galería XII), de la cual me habían gustado las <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2010/07/09/vanites/" target="_blank">momias</a>, presenta una inspiración poética con unas manos sobre placas esmaltadas, medio raro, sobre las cuales, abajo, sus dedos imprimieron su marca.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– <a href="https://www.thomas-paquet.com/" target="_blank">Thomas Paquet</a>, después de su residencia en PICTO LAB, muestra sus experiencias con la no-perpendicularidad de la superficie fotosensible en relación con la luz procedente de la ampliadora, un juego contra el aparato que crea bonitos efectos luminosos de colores. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRluH1czP_gRp0oN5Yw_N3NhZVHbc0miiwFUps5vySLD0V1R9IMm3hyO5D5C_lozyczQ6j7huwSUa6mOZkiQN3IfMRdxl1SiUgCMQxr888ahaTYN5wWVNpk5RNqmqBSexyY572ctFOg6ZO0KpMqD98YpJ2lwNWnlfzwwI523YA3sFzRGeZoYF16C9GOou2/s755/7655970906878012291.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="755" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRluH1czP_gRp0oN5Yw_N3NhZVHbc0miiwFUps5vySLD0V1R9IMm3hyO5D5C_lozyczQ6j7huwSUa6mOZkiQN3IfMRdxl1SiUgCMQxr888ahaTYN5wWVNpk5RNqmqBSexyY572ctFOg6ZO0KpMqD98YpJ2lwNWnlfzwwI523YA3sFzRGeZoYF16C9GOou2/s16000/7655970906878012291.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Monsieur Roussel, S.T., años 1930/40, Impresión analógica única coloreada a mano</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><span style="font-family: verdana;"><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En <b><a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr.html" target="_blank">París Photo</a></b>, en medio de la gran cantidad de estimulaciones interesantes, he aquí una selección pequeña de lo más bonito que descubrí:</div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Escribí sobre los libros de <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/mis-chicas-de-la-tele-tom-wilkins.html" target="_blank">My TV Girls</a>, es la oportunidad para verlos (<a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-e4b7d8a8-af25-455f-b1fb-aae614a14e81.html#/" target="_blank">Christian Berst </a>A25).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– En la misma línea, en donde </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.michaelhoppengallery.com/viewing-room/37-paris-photo-2023-grand-palais-ephemere/" target="_blank">Michael Hoppen</a> (D16), las imágenes deliciosamente eróticas de </span><span style="font-family: verdana;"><b>Monsieur Roussel</b></span><span style="font-family: verdana;"><b> </b>que fotografía a su mujer desnuda en los años 30 y pinta en las impresiones para crear un universo onírico y tierno. Ver también en donde </span><span style="font-family: verdana;"><a href="http://www.sageparis.com/" target="_blank">François Sage</a> (C29) a unos artistas marginales que intervienen gráficamente en fotos encontradas, y especialmente los dibujos bastante trabajados de <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/artwork/artwork-profile.exh-dd7b82ba-9f1f-47ad-84da-6123a9f5f68d.adrien.pro-d6dd7fd0-6181-43de-bb20-bd53b696fd71.html#/" target="_blank">Margot</a>. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Para seguir con los obsesivos, las fotografías de accidentes de carros de <a href="https://www.gallery51.com/artist/marcel-de-baer/" target="_blank">Marcel de Baer</a> en la galería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-6c4bc02c-c48c-48e1-a07c-2e43685b1e7f.html#/" target="_blank">Fifty One</a> (B32), que pone de relieve también a Saul Leiter (¡<a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/07/arles-4-el-espectaculo-y-la-belleza.html" target="_blank">gracias a dios</a>, sus fotos y no sus cuadros!).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Con <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-027515f0-83be-4bc2-99b8-d02c238c7a32.html#/" target="_blank">Os Especialistas</a> (galería <a href="https://www.carloscarvalho-ac.com/" target="_blank">Carlos Carvalho </a>B31), ponen en escena la obsesión de un fabricante de maniquíes, con verdaderos retratos sensuales y un poco inquietantes, con la complicidad del poeta </span><span style="font-family: verdana;">Gonçalo M. Tavares.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Descubrí en la galería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-cb53511f-8bb5-4981-8dc9-7974037aa040.html#/" target="_blank">Binome</a> (B29) el trabajo de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.guenaelledecarbonnieres.com/" target="_blank">Guénaëlle de Carbonnières</a></b>, que arruga un pedazo de seda sobre la cual fue impresa una vista de ruinas antiguas inaccesibles (por ejemplo Palmira) y realiza con ello un fotograma: la <a href="https://www.guenaelledecarbonnieres.com/letempsvoile" target="_blank">imagen</a> de aquellos edificios destruidos doblemente, por el tiempo y por la guerra, es deconstruida, deformada, a penas si se reconoce (aquí abajo). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Del extraordinario trabajo de duelo de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="http://rebekkadeubner.com/" target="_blank">Rebekka Deubner </a>(<a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-141eb548-6e22-41ad-a7ba-b2a5a6aaf73c.html#/" target="_blank">Jörg Brockmann</a> SC02), trataré en una reseña futura sobre la exposición del<a href="https://www.le-bal.fr/" target="_blank"> BAL</a>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Tantas otras obras, tantos otros artistas, tantos otros puestos de galerías, no puedo hablar de todos. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Y mi diatriba: </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Takashi_Arai" target="_blank">Takashi Arai</a> (<a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-61088dbd-f3c9-4e68-93aa-cefeecfae68c.html#/" target="_blank">Camera Obscura</a> B33) quiere protestar contra la energía nuclear (es su derecho, claro); y para eso realiza daguerrotipos, que, como cada quien sabe, se desarrollan con vapor de mercurio, un proceso totalmente ecológico y nada contaminante. Perfectamente coherente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvjK-PLr2A4dHI-pc2jnmwMQZyYYaz2_KROhyphenhyphenevU1USbEi64MlTRyqLYz1uQ9iTiaH4p9o-Tj4KG4rJuq1OZhTBZwgK1mPle7KvUNrvCEABld9cCwEIwT2-Jqvks_MONS6CeXhRCdZJYDaBbKp72_aPfVTctnqh-ws3pl-MRv_v72ufAqfSbA5iKOJSdwG/s715/gdec.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="715" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvjK-PLr2A4dHI-pc2jnmwMQZyYYaz2_KROhyphenhyphenevU1USbEi64MlTRyqLYz1uQ9iTiaH4p9o-Tj4KG4rJuq1OZhTBZwgK1mPle7KvUNrvCEABld9cCwEIwT2-Jqvks_MONS6CeXhRCdZJYDaBbKp72_aPfVTctnqh-ws3pl-MRv_v72ufAqfSbA5iKOJSdwG/s16000/gdec.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Guénaëlle de Carbonnières, serie Le Temps voilé, fotograma fragmentado</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y <b>además</b> (sección enriquecida aquí abajo), especialmente en </span><span style="font-family: verdana;"><a href="http://www.photosaintgermain.com/" target="_blank">Photo Saint-Germain: </a></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– Las imágenes que </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/11/mis-chicas-de-la-tele-tom-wilkins.html" target="_blank">Miroslav Tichý</a></span><span style="font-family: verdana;"> hacía de los programas de la televisión austriaca, su escapada hacia la libertad, en la excelente librería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://placartphoto.com/" target="_blank">Plac’Art</a>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– En el recóndito <a href="http://www.photosaintgermain.com/editions/2022/parcours/musee-d-histoire-de-la-medecine" target="_blank">Museo de la Historia de la Medicina,</a> unas fotografías «psíquicas» de principios del siglo XX (hasta el 17 de febrero) y en especial el dermografismo, una facultad de la piel de las histéricas en crisis que conservan varios días en la piel las huellas de dibujos o escritos (sin tinta). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– En unos días escribiré una reseña sobre la exposición de la pareja </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.brodbeckdebarbuat.com/" target="_blank">Brodbeck & de Barbuat</a> en la <a href="http://www.galeriepapillonparis.com/" target="_blank">galería Papillon</a>, sobre la inteligencia artificial (un tema presente también en <a href="https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/gallery-profile.org-4e5b5f9f-a729-479e-8b50-f19912847b13.html#/" target="_blank">Paris Photo</a>, pero, me parece, de manera bastante mediocre). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigdVF0hkZoKlbEahVNH-hl6sRfeWzi2CFdQIpX40_YOLNcArA4IuNmdCi3J_YOxDhb3CT4apOvf_swD6sNeuEHZum1ExnnKc_paT96lujaZkGMXXiB0fSoRA7Cbl7cQUEyvdd3H_RKT2PnBDpoFBfTGdCm81MK7ObcHAkY9U_sXILqbNEbfurWQa-tq3sV/s600/98d2eeb5-20231111_145335.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="428" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigdVF0hkZoKlbEahVNH-hl6sRfeWzi2CFdQIpX40_YOLNcArA4IuNmdCi3J_YOxDhb3CT4apOvf_swD6sNeuEHZum1ExnnKc_paT96lujaZkGMXXiB0fSoRA7Cbl7cQUEyvdd3H_RKT2PnBDpoFBfTGdCm81MK7ObcHAkY9U_sXILqbNEbfurWQa-tq3sV/s16000/98d2eeb5-20231111_145335.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Ingeborg Lüscher, La Pupa Proibita, 2006, captura de pantalla</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Para seguir:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– exposición en forma de adivinanza en el espacio <a href="https://www.forma.paris/fr/" target="_blank">Forma</a>, llamada </span><span style="font-family: verdana;"><i>Fabbrica Rosa</i> (hasta el 16 de diciembre): ¿quién es el hombre que se interesó por los exvotos?, en </span><span style="font-family: verdana;">Miroslav Tichý (de ahí mi visita fotográficamente orientada), en las mitologías individuales, en Jean Tanguely, en Monteverita, en </span><span style="font-family: verdana;">Marcel Broodthaers, ¿la exposición hace así un retrato escondido? También hay un video, <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=DKvKhVzxp-M" target="_blank">La Puba Proibita</a></i>, sobre una figura femenina increíble de los Abruzos por <b>su esposa</b>. </span><span style="font-family: verdana;">¿Encontraron?</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– en la galería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.templon.com/exhibitions/eveningside/" target="_blank">Templon</a> (hasta el 23 de diciembre), una especie de desaliento frente a las imágenes de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/07/arles-5-y-fin-el-cine.html" target="_blank">Gregory Crewdson</a>, esta vez en blanco y negro, demasiado construidas, demasiado meticulosas, demasiado hechas para causar sentimientos demasiado previsibles, melancolía o compasión.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">– en la galería </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.fillesducalvaire.com/" target="_blank">Filles du Calvaire</a> (hasta el 20 de diciembre), bellas fotografías de <a href="https://lorestessel.com/" target="_blank">Lore Stessel </a>(<a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2012/07/28/arles-une-ecole-pas-decole-2/" target="_blank">la conocí aquí</a>) que muestran movimientos de bailarines, impresos (como </span><span style="font-family: verdana;">lo hace </span><span style="font-family: verdana;">siempre) en lienzo, con imperfecciones voluntarias; y un friso de combinaciones de dibujos y fotogramas de la actriz <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Lena_Nyman" target="_blank">Lena</a> sacados de las películas eróticas </span><span style="font-family: verdana;">«<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/I_Am_Curious_(Yellow)" target="_blank"> I am Curious (Yellow)</a> » y « <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/I_Am_Curious_(Blue)" target="_blank">(Blue)</a> » por <a href="https://www.katriendeblauwer.com/about" target="_blank">Katrien de Blauwer,</a> fotógrafa sin cámara </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2022/07/arles-6-los-libros.html" target="_blank">adepta</a> </span><span style="font-family: verdana;">siempre de collages y montajes.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– este año me decepcionó un poco la <a href="https://bit20.paris/edition-2023/exposition-phare" target="_blank">exposición emblemática</a> de la </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://bit20.paris/edition-2023" target="_blank">Biennale de l’Image Tangible</a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://bit20.paris/edition-2023" target="_blank"> </a>(hasta el 15 de noviembre; no tuve tiempo de ver otros lugares), en la cual </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.daubal.com/" target="_blank">Frédérique Daubal</a> sale del apuro (junto a </span><span style="font-family: verdana;">Roman Signer y Erwin Wurm) con un conjunto que me pareció flojo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">– y para terminar, presentaciones interesantes durante la <a href="https://www.fondationcarmignac.com/en/night-of-photojournalism-2023/" target="_blank">Noche del Fotoperiodismo</a>.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y es todo, algunos apuntes, algunas cosas vistas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-58971499002747928572023-11-14T18:22:00.000+01:002023-11-14T18:22:00.505+01:00Mis chicas de la tele (Tom Wilkins & friends)<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">5 de noviembre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/11/05/mes-filles-de-la-tele-tom-wilkins-friends/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4_sW1LOk0JkqZUzd4TTNJq5j7ti-MpFIGHtKZY6OW3KvABZjdBEaYi9Q4jAZ0_wYbUsdzbpAGHojDrinpde1tSBEKh_WkKbLCShcI2_YTqP-YVBNVB8PdgglxgyB-u2IegL8SOSZitGzDGUqT3PWO2nIO9zPP1gMll3Ie8uZrdSR5k5cHF79TV9yiqj8I/s600/diary_tom_wilkins_sebastien_girard_book_my_tv_girls_page83-1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4_sW1LOk0JkqZUzd4TTNJq5j7ti-MpFIGHtKZY6OW3KvABZjdBEaYi9Q4jAZ0_wYbUsdzbpAGHojDrinpde1tSBEKh_WkKbLCShcI2_YTqP-YVBNVB8PdgglxgyB-u2IegL8SOSZitGzDGUqT3PWO2nIO9zPP1gMll3Ie8uZrdSR5k5cHF79TV9yiqj8I/s16000/diary_tom_wilkins_sebastien_girard_book_my_tv_girls_page83-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Sébastien Girard, The diary of Tom Wilkins, páginas 82 & 83, del 18 de abril de 1981 #671 al 9 de mayo de 1981 #688</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Se trata de un libro desconcertante, de gran formato, se llama </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://www.sebastiengirard.com/portfolio/the-diary-of-tom-wilkins" target="_blank">The diary of Tom Wilkins</a> </i></span><span style="font-family: verdana;">y </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.sebastiengirard.com/" target="_blank">Sébastien Girard</a> </span><span style="font-family: verdana;">lo ha editado artesanalmente en 150 ejemplares</span><span style="font-family: verdana;"> <i>(recibido en servicio de prensa</i>). Ya en 2017 </span><span style="font-family: verdana;">había divulgado </span><span style="font-family: verdana;">algunas de esas fotografías en un <a href="https://www.sebastiengirard.com/portfolio/my-tv-girls-book-sebastien-girard" target="_blank">libro anterior</a>, pero aquí muestra la totalidad de esta curiosa colección de Polaroids que adquirió en 2011 a través de un albacea estadounidense. Durante 1248 días, del 14 de agosto de 1978 al 12 de enero de 1982, el autor de las fotografías, tomó 911 de la pantalla de su televisor con un </span><span style="font-family: verdana;">Polaroid SX70. Anotó en cada una de ellas, con letras mayúsculas, la fecha, un número de orden (aunque se equivocó un poco en la numeración), el nombre del programa y los comentarios sobre la imagen, lo que la describen y explican; son textos cortos escritos en una etiqueta pegada en el margen blanco del polaroid. Archivó minuciosamente sus imágenes en 12 álbumes de cuero rojo titulados con cuidado, lo que demuestra una seriedad metódica impresionante en la recensión. El libro, fruto de las investigaciones de </span><span style="font-family: verdana;">Sébastien Girard, reproduce todas las fotografías, a razón de 9 por página. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYJ6ON7p1ArHOOXoEJ-LrfCS5wXt5i2F7z0dB49Ym1YTCgIeVkZ4z8cTBxM2PSNkUwsemRWQsYBneuVta2zo5zDnyQPqQ8vFFNDbObbKqTiZTcZ7zNYU_hkZy2qiyMwG18GH8RgavKiyZjHmMtWBXr-ldIt95fhQ4lF3qCn8AaGAD1abnG5OmWgsIKFgk1/s729/unnamed-13.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYJ6ON7p1ArHOOXoEJ-LrfCS5wXt5i2F7z0dB49Ym1YTCgIeVkZ4z8cTBxM2PSNkUwsemRWQsYBneuVta2zo5zDnyQPqQ8vFFNDbObbKqTiZTcZ7zNYU_hkZy2qiyMwG18GH8RgavKiyZjHmMtWBXr-ldIt95fhQ4lF3qCn8AaGAD1abnG5OmWgsIKFgk1/s16000/unnamed-13.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tom Wilkins, « 13 OCT 80 #512 OFF T.V. MOVIE BARBARELLA – JANE FONDA – SHE’S NUDE BELOW T.V. SCREEN »</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Todas las imágenes representan a mujeres más o menos vestidas, o por lo menos, exhibiendo sus encantos con trajes más bien sugestivos. Todo eso desde la modelo totalmente desnuda de un programa pornográfico hasta actrices conocidas con escote profundo o desconocidas en traje de baño o sorprendidas por las cámaras de televisión en posturas que las aventajan. Se ven nalgas y algunos pubis, pero la obsesión principal del autor es la mamolatría: tenemos una muestra perfecta de la mujer ideal según la libido estadounidense de la época. La mayoría de las imágenes proceden de películas o series televisivas pero pueden venir también de programas ordinarios o de un noticiero (una mujer muerta en el suelo de un ascensor el 30 de abril de 1980, </span><span style="font-family: verdana;">#387, aquí abajo; salvo que sea un programa llamado «Vegas»). También fotografía gran cantidad de publicidades para sostenes, un programa sobre sostenes anticonceptivos </span><span style="font-family: verdana;">(« birth control bra » ??) del 15 de septiembre de 1980 </span><span style="font-family: verdana;">(#479-481), e incluso un programa sobre la mastectomía </span><span style="font-family: verdana;">(16 de abril de 1980, #366). Cada uno de los textos que acompañan combina rigor archivador y precisión descriptiva </span><span style="font-family: verdana;">(« 21 III 1980, #347, off TV, movie. Girl wearing bra, panties, garter belt, and stockings, in front of window [Chica con sostén, pantis, liguero y medias, delante de la ventana] ») ; off TV</span><span style="font-family: verdana;"> significa que está mirando un casete VHS con el que ha grabado el programa. La mayoría de las imágenes tienen una luz azulada bastante irreal. Si los fantasmas sexuales evidentes del autor son en general bastante implícitos y sencillamente sugeridos por lo que elige, a veces toman cuerpo abiertamente (aquí arriba): </span><span style="font-family: verdana;">« 12 X 1980, #512, off TV, movie Barbarella, Jane Fonda. She is nude below T.V. screen </span><span style="font-family: verdana;">[En la parte de abajo de la pantalla de la tele está desnuda</span><span style="font-family: verdana;">]» un fantasma de </span><span style="font-family: verdana;">« wishful thinking » Otra reseña es más enigmática: </span><span style="font-family: verdana;">« 25 IV 1979, #70, off TV, Real People </span><span style="font-family: verdana;">[personas verdaderas, o ¿es el nombre de algún programa?</span><span style="font-family: verdana;">]. This woman is a striper [sic] for god [Esta mujer hace striptís para Dios</span><span style="font-family: verdana;">] ». ¿O simplemente quería escribir </span><span style="font-family: verdana;">« for good » ?</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfuiyXTQxS88rA41Bd6PIFbxrSUCTID7VQup_HWneYigYz758hmmx8DODwBcLlD6LDi0cd1nMy6QM4GezOYG7GKe-kM0SAuu0IUsbsGKmXFA2REQhGIkpGa7Gdcm7e3FFPpNyvOKf_1hk9Iv5DHG5G22q-bOPBaC-B8QdmfiJ6YldNMRFjqeRvjfSzzQ14/s725/unnamed.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="725" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfuiyXTQxS88rA41Bd6PIFbxrSUCTID7VQup_HWneYigYz758hmmx8DODwBcLlD6LDi0cd1nMy6QM4GezOYG7GKe-kM0SAuu0IUsbsGKmXFA2REQhGIkpGa7Gdcm7e3FFPpNyvOKf_1hk9Iv5DHG5G22q-bOPBaC-B8QdmfiJ6YldNMRFjqeRvjfSzzQ14/s16000/unnamed.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tom Wilkins. « 30 de abril de 1980 #387 OFF T.V. VEGAS – DEAD GIRL IN ELEVATOR »</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Tenemos la construcción de una historia personal, una historia de éxtasis y de fascinación erótica que el libro-montage transforma en un escenario casi cinematográfico. Da vía libre a la pulsión escopofílica de Tom Wilkins. Los únicos hombres presentes en la imagen no están ahí sino para hacer quedar bien, con frecuencia se ven de espaldas y no se pueden identificar; pero una foto del 19 de septiembre de 1979 </span><span style="font-family: verdana;">(#190) fue tomada una fracción de segundo demasiado tarde (</span><span style="font-family: verdana;">« Badly Timed » dice el cartel) y vemos a un hombre de traje completo mientras que la mujer anunciada de escote profundo está a oscuras casi invisible. Prácticamente todas las mujeres son blancas; únicas excepciones, salvo error: mujeres negras el 31 de diciembre de 1978 </span><span style="font-family: verdana;">(#92)</span><span style="font-family: verdana;"> muestran la durabilidad de los sostenes africanos (¿?), una bailarina aparentemente negra en ropa interior 8 de mayo de 1981 </span><span style="font-family: verdana;">(#686), y una mujer árabe desnuda en una tienda de campaña el 21 de diciembre de 1980 </span><span style="font-family: verdana;">(#587). Hay (pero únicamente a partir de finales de 1980, como si con el tiempo fuera más audaz) unas doce imágenes de escenas sexuales, exclusivamente entre dos mujeres (única excepción, un abrazo juicioso el 2 de enero de 1978): muchos </span><span style="font-family: verdana;">« french kissing », y también imágenes más crudas y explícitas: </span><span style="font-family: verdana;">« 17 I 1981, #618, off TV, movie. Girl in black dress making love to topless girl in blue shirt. Girl is sucking left tit and finger fucking pussy. </span><span style="font-family: verdana;">[Una chica con vestido negro hace el amor con una chica sin camisa. Le chupa el pezón izquierdo y le soba la cuca</span><span style="font-family: verdana;">] » Y las dos últimas imágenes de la colección, del 12 de enero de 1982 </span><span style="font-family: verdana;">(#873 y 874) muestran a dos chicas abrazadas haciendo el amor, en una (aquí abajo) y chupándole el pezón a una tercera, en otra. Después de ese climax Tom Wilkins deja de fotografiar la pantalla. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXtmOUhROny1v5D0yKHdtFFPAFuxo3W6TTrWRrExQZEDTjTC5Pki3ErOHotGF9Z6zWVQ4r2t1XBmcRKrRS91jFAzobPryDIt1ybaVgC8LKkeZlGU42nLxQoRd52Bhx_UjECNFqeDE0jEbRb-ySI-cAQqptBln11WFqQuxeduTTJW-D5uqFjbAF-3Ahtccs/s729/unnamed10.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXtmOUhROny1v5D0yKHdtFFPAFuxo3W6TTrWRrExQZEDTjTC5Pki3ErOHotGF9Z6zWVQ4r2t1XBmcRKrRS91jFAzobPryDIt1ybaVgC8LKkeZlGU42nLxQoRd52Bhx_UjECNFqeDE0jEbRb-ySI-cAQqptBln11WFqQuxeduTTJW-D5uqFjbAF-3Ahtccs/s16000/unnamed10.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tom Wilkins, « 12 ENE 82 #873 OFF T.V. MOVIE – THE SWITCH – TWO GIRLS MAKING LOVE »</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Las fotografías se pueden ver (y comprar) durante Paris Photo (del 10 al 13 de noviembre) en el stand de la </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://christianberst.com/exhibitions/exhibition-328" target="_blank">Galerie Christian Berst</a> (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=cNzGgyeaCQA" target="_blank">corto</a>), que para la ocasión publica un <a href="https://christianberst.com/media/pages/exhibitions/exhibition-328/aa9e508b95-1698246266/dp_mytvgirls_tomwilkins_novembre_2023-fr_compressed-2.pdf" target="_blank">librito</a> en 500 ejemplares (<i>recibido en servicio de prensa</i>), que reproduce en página entera 150 de esas imágenes y las 101 páginas de 9 fotos cada una. Hay que saber que fotografiar una pantalla no es cosa fácil: esos polaroids con frecuencia son borrosos y su sentido de la composición discutible, lo que hace también su encanto. Además, Wilkins se interesa más por su acto de fotografiar que por la calidad de la imagen; la primera imagen, intitulada </span><span style="font-family: verdana;">« 14 VIII 1978, In Jordan Marsh » (gran almacén en Boston) es además totalmente negra, un revés asumido. Francamente les aconsejo que vayan a ver esas fotos en Paris Photo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZyPhTzZg-_8h3dJTtRcegO20Uq1YXdhVjedoOxsIF62WU37XtJVPKS2f0VU5AaKI7GuiJ9-IZ5QQE3y2Hry5x9nF8DUeDcFUr9XUI83YFmXckl9-QwTQsXNTJYjrOJ1KTeQx_x1jPiPBQgyWyoISZ4olqnV7niyAoPMVBsPr5B2hGjoyETV2yxx_0jdIf/s600/61satp2c-2l.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="488" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZyPhTzZg-_8h3dJTtRcegO20Uq1YXdhVjedoOxsIF62WU37XtJVPKS2f0VU5AaKI7GuiJ9-IZ5QQE3y2Hry5x9nF8DUeDcFUr9XUI83YFmXckl9-QwTQsXNTJYjrOJ1KTeQx_x1jPiPBQgyWyoISZ4olqnV7niyAoPMVBsPr5B2hGjoyETV2yxx_0jdIf/s16000/61satp2c-2l.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Portada del libro Type 42 [Anonymous]. « Fame is the name of the game ».</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El polaroid fue naturalmente una herramienta discreta y fácil para ese tipo de tomas que los puritanos Estados Unidos no podían tolerar y que posiblemente hubieran provocado una denuncia si hubieran sido tratadas por un laboratorio. Existe otro ejemplo de una práctica similar, la de un artista desconocido (hombre o mujer) conocido como « <b><a href="https://www.nga.gov/features/exhibitions/outliers-and-american-vanguard-artist-biographies/type-42-anonymous.html" target="_blank">Type 42</a></b> », del nombre del rollo empleado. Él / Ella hizo aproximadamente 950 fotografías instantáneas de su pantalla de televisión (y parece que en algunos raros casos, de la pantalla de una sala de cine). Todas las fotografías representan actrices o cantantes que aparecen en películas, en general de busto, pero de manera menos sexualizada que en el trabajo de </span><span style="font-family: verdana;">Tom Wilkins; algunas son bastante conocidas, otras son papeles secundarios o estrellas olvidadas de finales de los años 60 o principios de los 70. Algunas son europeas, principalmente francesas e italianas: </span><span style="font-family: verdana;">Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Romy Schneider, Anna Karina, Anouk </span><span style="font-family: verdana;">Aimée, Catherine Deneuve, Sophia Loren, Gina Lollobrigida. Al contrario de Wilkins, hay una buena cantidad de afro-estadouniden ses. Todas no son bellezas. Sólo un hombre aparece en primer plano: Sean Connery, en la película Operación Trueno; los demás no son sino figurantes de segundo plano. En el marco de cada fotografía está escrito en capitales rojas, el nombre de la actriz y a veces (en 31 casos) sus medidas en pulgadas (Sophia Loren: </span><span style="font-family: verdana;">40-24-35),</span><span style="font-family: verdana;"> que aquella persona debía buscar por separado posiblemente en revistas o libros sobre las actrices; en otro caso, el nombre de la película. Type 42 mira muchísimo la televisión con su cámara en mano y tiene bastante tiempo libre. Las imágenes, difíciles de tomar, son un poco borrosas, fantasmagóricas, pixelizadas. ¿Será un hombre obsesionado con las mujeres? </span><span style="font-family: verdana;">¿Será una mujer fascinada por las actrices? Como escribe Cindy Sherman en la introducción del libro que presenta 120 de esas imágenes: «se trata de un estudio exhaustivo de lo que es ser mujer, como si el/la fotógrafo buscara la esencia misma de lo femenino».</span></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8DvMantUC7BaCK542UJ2XCVjFL2Kec2vRkO5lUyrPzC5GbVf_bPwdQKcN3C_tz_v4IQMQ2vlqhi1JSRbQfKJcGOoiIe9E07AMdgf5QnoWynqjeE6mcxHIvxYm2aBz78Okj5ak9PwfM0l361jnYutvJSGTajeLeaux95LxyMj3QdWfdFvRFw336zhU3H1t/s600/tichy-screenshots-1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="397" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8DvMantUC7BaCK542UJ2XCVjFL2Kec2vRkO5lUyrPzC5GbVf_bPwdQKcN3C_tz_v4IQMQ2vlqhi1JSRbQfKJcGOoiIe9E07AMdgf5QnoWynqjeE6mcxHIvxYm2aBz78Okj5ak9PwfM0l361jnYutvJSGTajeLeaux95LxyMj3QdWfdFvRFw336zhU3H1t/s16000/tichy-screenshots-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Miroslav Tichý, portada del libro Screenshots.</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Otro gran aficionado a las mujeres en pantalla es </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2005/08/15/2005_08_miroslav_tichy/" target="_blank">Miroslav Tichý</a></b>. Como vivía a 50 km de Austria podía captar la televisión austriaca, mucho menos puritana que los programas de la televisión de la Checoslovaquia comunista. Como no podía tener un aparato polaroid, se confeccionó un aparato adaptado para la fotografía de pantalla y acumuló centenares de imágenes lo más eróticas y fantasmadas posible. Las desarrollaba él mismo y sin preocuparse por la censura pudo guardar aquel tesoro rebelde en su casa, la escapada más radical hacia un mundo de libertad y de ensueño que le estaba prohibido. Las ediciones </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://periferia.ch/de/" target="_blank">Edizioni Galleria Periferia</a> en Lucerna acaban de publicar un libro </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://periferia.ch/de/produkt/screen-shot-ein-buchprojekt-der-edizioni-periferia/" target="_blank">Screenshots</a></i>, con motivo de la <a href="https://periferia.ch/de/showroom/screenshots/" target="_blank">exposición</a> que hicieron el verano pasado a partir del fondo de la <a href="https://tichyocean.com/" target="_blank">Fundación </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://tichyocean.com/" target="_blank">Tichý Ocean</a> de <a href="https://www.conceptualfinearts.com/cfa/2023/05/19/on-artist-psychiatrist-and-collector-roman-buxbaum-and-miroslav-tichy/" target="_blank">Roman Buxbaum</a>. Es un libro de 250 páginas que presenta </span><span style="font-family: verdana;">en la solapa de la portada</span><span style="font-family: verdana;"> veinte líneas en inglés (idem en alemán y en checo) por la artista belga <a href="https://www.linkedin.com/in/c%C3%A9line-mathieu-33856413a/details/experience/" target="_blank">Céline Mathieu</a>. El libro y algunas de las fotografías están en venta en el </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://photosaintgermain.com/editions/2023/parcours/le-plac-art-photo" target="_blank">Parcours Saint-Germain</a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://photosaintgermain.com/editions/2023/parcours/le-plac-art-photo" target="_blank"> </a>(del 2 al 25 de noviembre) en la librería de <a href="https://placartphoto.com/" target="_blank">Clément Kauter</a>. Como siempre con </span><span style="font-family: verdana;">Tichý, la imperfección de sus imágenes intensifica su belleza. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfn7Yk31r3ft32orTI97cvrnmPjgkagk4EI20NgqweMibO5HUD1rDrMqBb7v7shvub3XBasOvltxjefto4WJY9WjQzXbb5LOYM1Vfv8vz0aO18RVzw_wtL9EAIG_iiBF9WibtTrQ0JgxtSvR2_EN049YQRZIh9pLCiurxi24KO6n91lp2zLI-mLtdhpZg1/s723/tom-wilkins-self-portrait-1-1920x.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="723" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfn7Yk31r3ft32orTI97cvrnmPjgkagk4EI20NgqweMibO5HUD1rDrMqBb7v7shvub3XBasOvltxjefto4WJY9WjQzXbb5LOYM1Vfv8vz0aO18RVzw_wtL9EAIG_iiBF9WibtTrQ0JgxtSvR2_EN049YQRZIh9pLCiurxi24KO6n91lp2zLI-mLtdhpZg1/s16000/tom-wilkins-self-portrait-1-1920x.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tom Wilkins, « 27 MAR 81 #646 – ME WEARING 38B BEIGE PLAYTEX BEAUTIFUL ONES LACE BRA. PHOTOGRAPH WAS TAKEN USING A DRESSING MIRROR AND AN SX70 CAMERA. TOM WILKINS »</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Si las fotografías de pantalla de Type 42 y de </span><span style="font-family: verdana;">Tichý</span><span style="font-family: verdana;"> son especialmente conmovedoras, la obra de Tom Wilkins tiene otra complejidad. Pues en la gran cantidad de polaroids que </span><span style="font-family: verdana;">Sébastien Girard</span><span style="font-family: verdana;"> recuperó además de los álbumes, hay algunos autorretratos de Tom Wilkins, entre ellos éste de arriba, del mismo estilo que </span><span style="font-family: verdana;">My TV Girls, pero en el cual oculta su cara a propósito con el aparato. El autorretrato lleva una leyenda en una etiqueta pegada en el margen del polaroid: </span><span style="font-family: verdana;">« 27 III 1981, #646. Me wearing 38B Beige Playtex beautiful ones [?] lace bra. Photograph was taken using a dressing mirror and an SX70 camera </span><span style="font-family: verdana;">[Yo con un hermoso sostén 38B beige Playtex con encaje. La fotografía fue tomada con un espejo de baño y un aparato SX70</span><span style="font-family: verdana;">] », y está firmado </span><span style="font-family: verdana;">Tom Wilkins, única aparición de su nombre (lo que le permite a Girard encontrar, después de una investigación casi policiaca de varios años, algunos elementos escasos sobre este señor, nacido en 1951 y fallecido en 2007, residente en el barrio de Jamaica Plain en Boston). La casi totalidad de las fotografías de </span><span style="font-family: verdana;">My TV Girls demuestran que el autor tiene una (banal) libido masculina bastante poco sofisticada que privilegia los pechos generosos (más cerca de 50H que de 38B). Una sola imagen, salvo error, evoca la transexualidad pero con distancia: </span><span style="font-family: verdana;">« 2 III 1980, #325, off TV, movie. That boy is really a girl</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">[Este chico es en realidad una chica</span><span style="font-family: verdana;">] ». Pero el autorretrato con sostén podría modificar el enfoque. Quizás sea un juego que recordaría los travestismos de <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/02/soy-amo-este-traje-mas-estetico-marcel.html" target="_blank">Bascoulard </a>por ejemplo, o <a href="https://christianberst.com/artists/le-fetichiste" target="_blank">el Fetichista</a>, fascinado con las medias y leotardos como Wilkins con los sostenes, y que <a href="https://christianberst.com/media/pages/artists/le-fetichiste/182f6b1f8a-1608547167/sans-titre-3-mai-2002-1024x.jpg" target="_blank">él mismo</a> se pone; habría otra alternativa al recordar a </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://centenaireduchamp.blogspot.com/2016/08/4-rrose-selavy-remise-lendroit.html" target="_blank">Rrose Sélavy</a>. </span><span style="font-family: verdana;">Sébastien Girard tiene otros autorretratos de Tom Wilkins con ropa femenina, sostén, panti, et incluso toalla higiénica: más que un juego entre inocente y perverso, quizás estemos ante una ambigüedad de género, un deseo de androginia, incluso más. Es verdad que estamos lejos de la sofisticación de los travestismos de </span><span style="font-family: verdana;">Alan Schaefer, fotógrafo profesional californiano que se transforma en </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.sfmoma.org/exhibition/april-dawn-alison/" target="_blank">April Dawn Alison</a>, y, naturalmente, todavía mas allá de Pierre Molinier. Es un caso bastante ambivalente: por un lado Tom Wilkins se apropia cotidianamente, como predador-voyeur, de centenares de pechos femeninos para satisfacer sus fantasmas masculinos, y por otro lado a veces se transforma en mujer y asume para él mismo las características femeninas que tanto aprecia en sus «modelos» y de esa forma se escapa de una identificación de género demasiado cerrada. </span><span style="font-family: verdana;">Travestismo equívoco sin duda alguna, pero ¿será suficiente para concluir en una intersexuación, transidentidad o no binariedad? Me parece que hay demasiada ambigüedad para afirmar que en él había una mujer; quizás otros autorretratos, cuando sean publicados nos aclaren más. </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Su atracción por la escenas sexuales lesbianas es simple voyerismo o algo que lo atrae, </span><span style="font-family: verdana;">un deseo participativo femenino? </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Será esa la clave absoluta para descifrar su obra? Nunca nadie lo sabrá. Tom Wilkins se disimula al tiempo que se desvela. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheGPflVcYYL9M2B-jFaB-k-We1rm7QGK6OWp5-JryzBU-B0igcKe7hcoO5CU0NQC_46b8r3mZgpLbmscTOQ4JQ9rHze5FMJZyFx206ptHBahK6YUDv5yidI05nEleg480hGDlo9V_fi1AylMwMTzxTdMQb-8LAcjkZob2MX2S5fMqUlWah6UDTz4Ck3Gu_/s737/capture-decran-2023-07-21-145425-400x.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="737" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheGPflVcYYL9M2B-jFaB-k-We1rm7QGK6OWp5-JryzBU-B0igcKe7hcoO5CU0NQC_46b8r3mZgpLbmscTOQ4JQ9rHze5FMJZyFx206ptHBahK6YUDv5yidI05nEleg480hGDlo9V_fi1AylMwMTzxTdMQb-8LAcjkZob2MX2S5fMqUlWah6UDTz4Ck3Gu_/s16000/capture-decran-2023-07-21-145425-400x.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Tom Wilkins, « 19 DIC 82, BAD TIMING »</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">El invento de los tesoros de Tom Wilkins sucede porque este hombre solitario poseía una colección extraordinaria de muñecas Barbie: después de su muerte su albacea llamó a un «barbiólogo» para que hiciera una expertisia de la colección y fue así que descubrieron los polaroids. También hay una colección (que quizás un día expongan) de polaroids y fotografías de juegos (a veces sexuales) entre muñecas Barbie, en su casa o afuera, que podría evocar, de manera más compuesta y más intuitiva, las <a href="https://www.artbrut.ch/fr_CH/auteur/bartlett-morton" target="_blank">puestas en escena</a> de otro bostoniano, </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Morton_Bartlett" target="_blank">Morton Bartlett</a>: es tentador imaginar un encuentro entre esos dos creadores de fantasmas. También hay fotografías de maniquíes en las vitrinas y refotografías de catálogos de lencería o de las páginas centrales de Playboy. Lo asombroso y significativo es que Tom Wilkins nunca fotografía mujeres en carne y hueso, solamente su imagen, su representación, ya sea en la pantalla de la televisión o a través de maniquíes, muñecas o imágenes imprimidas. Una singularidad que puede ser una forma de miedo (o, en todo caso, voluntad de distanciación) frente a la realidad, a lo corporal, lo vivo, y también una dimensión más conceptual de repropiación (sin pretender que fue influenciado por </span><span style="font-family: verdana;"><a href="http://www.richardprince.com/" target="_blank">Richard Prince</a> o <a href="https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1384" target="_blank">Robert Heineken</a>).</span><span style="font-family: verdana;"> Una de sus series polaroids se llama </span><span style="font-family: verdana;">« Bad Timing »: se trata de 35 fotos fallidas, accionadas demasiado pronto o demasiado tarde, que pierden el momento decisivo pero que no destruyó. La mujer que miraba se vistió demasiado rápido o salió del campo, o la cámara no funcionó bien, o Wilkins se movió, la imagen es demasiado confusa... <a href="https://christianberst.com/exhibitions/exhibition-329" target="_blank">La galería </a></span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://christianberst.com/exhibitions/exhibition-329" target="_blank">Christian Berst</a> se lo presenta (hasta el 14 de enero). Como con frecuencia, el error es creativo y la casualidad se impone. No hemos acabado de descubrir a Tom Wilkins. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i>Imágenes de Tom Wilkins cortesía de Sébastien Girard y Christian Berst.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><i><br /></i></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-76564637036364240672023-10-30T21:44:00.000+01:002023-10-30T21:44:53.344+01:00Sexo y muerte: Berlinde de Bruyckere en el Museo ex-Berardo<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">29 de octubre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/10/29/sexe-et-mort-berlinde-de-bruyckere-au-musee-ex-berardo/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkai9-XYWZLX9-w6cvnLnSTqmBNGMZpkIX8_vAFuXxaUXsifni06RMtLjgt1WDB0m1bOySINPYLW4h7zUqJQc7nZ3lLpf6nj15RQjlcJGRyiQHD8yXtPWFL6RK9f1pGOPezBLd4GEuxzBdYYsGcDKoukuY44gLs39W3KlSBlMXpvsCYoOQolESAiH2rPhw/s600/sans-titre.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="395" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkai9-XYWZLX9-w6cvnLnSTqmBNGMZpkIX8_vAFuXxaUXsifni06RMtLjgt1WDB0m1bOySINPYLW4h7zUqJQc7nZ3lLpf6nj15RQjlcJGRyiQHD8yXtPWFL6RK9f1pGOPezBLd4GEuxzBdYYsGcDKoukuY44gLs39W3KlSBlMXpvsCYoOQolESAiH2rPhw/s16000/sans-titre.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Enero de 2023 : bajan los distintivos que llevan el nombre Berardo. F. Nuno Ferreira Santos</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Bueno, me voy a dar con regla en los dedos, ya no hay que decir Berardo, hay que decir <a href="https://www.ccb.pt/en/macccb/" target="_blank">Museo de Arte Contemporáneo (del) Centro Cultural de Belém</a>, o </span><span style="font-family: verdana;">MAC/CCB: un nombre sin originalidad (ya existen unos veinte MAC en el mundo si contar los MAK y los MCA) y no es fácil de pronunciar, ni de memorizar (los otros se llaman </span><span style="font-family: verdana;">MACRO, MACBA, MAC VAL</span><span style="font-family: verdana;"> o simplemente </span><span style="font-family: verdana;">MAC Niteroi, etc.), con una <a href="https://www.instagram.com/p/Cy3Im3nonKw/" target="_blank">sigla</a> entre Gmail y una estación de metro. <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Berardo" target="_blank">Joe Berardo</a> es un hombre de negocios y coleccionista portugués que podemos comparar, por su insolencia, con un Bernard Tapie, que hubiera triunfado en los negocios y por la marginalidad social con un </span><span style="font-family: verdana;">François Pinault que no hubiera querido integrarse en la «buena sociedad». Constituyó una <a href="https://www.berardocollection.com/?sid=32&lang=en" target="_blank">colección</a> impresionante de arte moderno y contemporáneo y le dio <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_most_visited_art_museums_in_the_world?oldid=470100614" target="_blank">fama mundial</a> al nombre «Museo Berardo», una fama que le tomará tiempo alcanzar al </span><span style="font-family: verdana;">MAC/CCB</span><span style="font-family: verdana;"> (es como X remplazando a Twitter). Pero después de los enredos financieros (tres noches en la carcel) con los bancos quebrados que el estado portugués recuperó pues le debe casi mil millones de euros al fisco portugués, y que además, le confiscó 920 obras de su colección (estoy simplificando el culebrón para mis lectores que no son portugueses, claro). El proceso judicial no ha terminado pero <a href="https://www.publico.pt/2023/10/26/culturaipsilon/noticia/macccb-coleccao-berardo-fala-alto-ja-conversa-2068032" target="_blank">el nuevo museo acaba de abrir</a> y presenta 355 obras de la colección Berardo con 35 obras de dos otras colecciones, <a href="https://www.ccb.pt/en/macccb/colecao-ellipse/" target="_blank">una</a> de un <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%A3o_Rendeiro" target="_blank">banquero estafador</a> que también confiscaron y <a href="https://www.ccb.pt/en/macccb/colecao-cace/" target="_blank">otra</a> constituida directamente por el estado (y 113 dibujos depositados que pertenecen a una<a href="https://www.ccb.pt/en/macccb/colecao-teixeira-de-freitas/" target="_blank"> colección privada</a> en una <a href="https://www.ccb.pt/en/evento/ou-o-desenho-continuo/2023-10-31/" target="_blank">exposición particular</a>). Ello permite además acercamientos bastante interesantes, por ejemplo entre obras de </span><span style="font-family: verdana;">Josef Kosuth y de Vito Acconci. El problema es que la víspera de la inauguración se supo que Berardo acababa de comprar, a través de un mecanismo jurídico complejo que no voy a detallar aquí, <a href="https://www.publico.pt/2023/10/26/culturaipsilon/noticia/berardo-usou-associacao-comprar-214-obras-adquiridas-meias-estado-2068052" target="_blank">214 obras</a> de su propia colección que el estado no podrá confiscar y de las cuales unas 60 están expuestas en la exposición inaugural. Vayan rápido a verlas antes de que las descuelguen y de que las muestren en un nuevo Museo Berardo...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQVbhpvvu5oV2ouXtzsdQtyK0Zk1GbsZKmIZ_6GUz8O35c7DvwSWz2plx_6V3-FS0lRxd9OeOHgJQ-jtfHL9-RrJzVBnNFfglhN34XmJSn6zav_GKa-dgGQazJQF9WcM9eAeAlTt01Qj452jw6VPck-H31S4e2YwQq4S_8hP_1HlVUCmjPjysJD1m841Bx/s600/20231026_124625.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="372" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQVbhpvvu5oV2ouXtzsdQtyK0Zk1GbsZKmIZ_6GUz8O35c7DvwSWz2plx_6V3-FS0lRxd9OeOHgJQ-jtfHL9-RrJzVBnNFfglhN34XmJSn6zav_GKa-dgGQazJQF9WcM9eAeAlTt01Qj452jw6VPck-H31S4e2YwQq4S_8hP_1HlVUCmjPjysJD1m841Bx/s16000/20231026_124625.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berlinde de Bruyckere, Arcangelo I et II, 2022/23; bronce, plomo y acero cromado. Al fondo, Berlinde de Bruyckere, It almost seemed a lily VII, 2018; madera, papel pde colgadura, cira, pelos de animales, mantas, tela, cuerda, hierro; col. Buggenhout De Bruyckere. Con la artista a la derecha. F. del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Bueno, hablemos de arte: el </span><span style="font-family: verdana;">MAC/CCB ex Berardo presenta también una <a href="https://www.ccb.pt/en/evento/berlinde-de-bruyckere/2023-10-31/" target="_blank">exposición</a> de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.artefields.net/berlinde-de-bruyckere-sculpture/" target="_blank">Berlinde de Bruyckere</a></b></span><span style="font-family: verdana;"> (hasta el 10 de marzo); estoy viendo que este blog no tenía sino<a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2005/07/02/2005_07_berlinde_de_bru/" target="_blank"> tres meses cuando escribí </a>sobre ella por primera vez. Esta vez no hay ni caballos ni mujeres muertas pero sigue habiendo un perfume de muerte y de sexo. En una serie de cinco salas bastante altas nos reciben primero dos Arcángeles. Extraños pues sin alas y solamente emergen los pies: ¿soy el único que ve una evocación de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Abu_Ghraib_torture_and_prisoner_abuse#/media/File:AbuGhraibAbuse-standing-on-box.jpg" target="_blank">Abu Ghraib</a>?</span><span style="font-family: verdana;"> </span><span style="font-family: verdana;">¿serán arcángeles que están torturando y matando? </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">(</span><span style="font-family: verdana;">así como los ángeles de Lot en Sodoma, amenazados de violación)? </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Ecos del tratamiento occidental para los resistentes árabes (volvemos a la actualidad...)? Detrás de ellos un cuadro inmenso colgado en la pared hecho de entrañas, huesos y piel, que crean a la vez deseo y repulsión. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYCuTvsaZCD5CWm_kZ_YNPMEinEJX9Ma5qlcqRB-XKmGptGUkToU0Vhe484gZUf8t3NdOlpSLoBWgGGXJdAybKr-dxLsH-f6GB_1BoDNhpDY1kzNj4bMOG4KSbaRZ1BydfkQmRRT2jrS_2gl02x1oMhTOQpsj7r69j2Wl47XSWIYo2dUUsGvtohYet656H/s600/bis-20231026_122846.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="352" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYCuTvsaZCD5CWm_kZ_YNPMEinEJX9Ma5qlcqRB-XKmGptGUkToU0Vhe484gZUf8t3NdOlpSLoBWgGGXJdAybKr-dxLsH-f6GB_1BoDNhpDY1kzNj4bMOG4KSbaRZ1BydfkQmRRT2jrS_2gl02x1oMhTOQpsj7r69j2Wl47XSWIYo2dUUsGvtohYet656H/s16000/bis-20231026_122846.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berlinde de Bruyckere, Palindroom, 2019; cera, hierro, cuero plomo, textil, resina epoxi. Foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La siguiente sala se organiza alrededor de una escultura grande sobre una base en la cual creemos ver primero un lingam doble sobre un caballo con arcos. Se trata de recordar lo que los <a href="https://leplus.nouvelobs.com/contribution/1232023-mon-metier-recolter-le-sperme-des-chevaux-une-semence-precieuse-qui-se-vend-3-000-euros.html" target="_blank">criadores de sementales</a> llaman el maniquí de extracción, un artificio para engañar: una yegua falsa con vagina artificial caliente y lubricada en la que el caballo eyacula. Su dualidad hace que la artista lo haya llamado <i>Palíndromo</i>: no un macho penetrante sino una hembra penetrada. En la pared, collares de atelaje con formas de vulva marcadas con deyecciones diversas (el título significa «con una delicada piel»). Si como dice la artista esta exposición es una de sus exposiciones más marcadas por la sexualidad, aquí la vemos animal y ante todo deceptiva y engañosa. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAeLx2lzn22hOydz_XBVMZTQP4lzFJluDJXTzPlOqADqgv_6xQmQFnaSru6NOmNRrJTZprdPVAzKVEEZ1hFqbX77W6RnW0JqeC9PVwtQ67PCelQxjpLr-Pi0AQoOLK-duM5CqazUYMTxaNMjgbZPFznp58-gdbGcqflxHEJSyoxaJir1aMwIYxZQPYHC-f/s1229/20231026_122616.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1229" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAeLx2lzn22hOydz_XBVMZTQP4lzFJluDJXTzPlOqADqgv_6xQmQFnaSru6NOmNRrJTZprdPVAzKVEEZ1hFqbX77W6RnW0JqeC9PVwtQ67PCelQxjpLr-Pi0AQoOLK-duM5CqazUYMTxaNMjgbZPFznp58-gdbGcqflxHEJSyoxaJir1aMwIYxZQPYHC-f/s16000/20231026_122616.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berlinde de Bruyckere, Infinitum II, 2017/19 (detalle); cira, vidrio, hierro, madera, textil, resina epoxi; col. Rigo Saitta. Foto del autor. </span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En la oscuridad vemos un hermoso Cranach, <i><a href="http://www.museudearteantiga.pt/colecoes/pintura-europeia/salome-com-a-cabeca-de-sao-joao-batista" target="_blank">Salomé con la cabeza de Juan el Bautista</a></i> (nuevamente y siempre <a href="https://theconversation.com/salome-itinerario-de-una-joven-desvergonzada-155659" target="_blank">sexo y muerte)</a> frente a algo que parece ser una serie de falos enormes fosilizados protegidos por campanas de vidrio polvoriento. El Cranach lo prestó el MNAA en donde a cambio Bruyckere expone <a href="http://www.museudearteantiga.pt/exposicoes/berlinde-de-bruyckere" target="_blank">una de sus obras</a>, un ángel caído, en la sala de los Zurbarán. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPKQV34Yz8TT7UNbUDeT1XML5mxpldLaJpzm2Q70wJ5TC7gPvymI08tJLCt3BW4Oq0D2-vACDRv0eLIUGYemY4qWcjchyphenhyphendWf38sCRz62CZxJV1sxmBIUhcLDLzroMD-nFFZFCTJqjtauz0Vv72Fzh28vniiUJAoSDLSvIZExXqZkQF1VKvK9IF9E5PMjGp/s920/20231026_122517.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="920" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPKQV34Yz8TT7UNbUDeT1XML5mxpldLaJpzm2Q70wJ5TC7gPvymI08tJLCt3BW4Oq0D2-vACDRv0eLIUGYemY4qWcjchyphenhyphendWf38sCRz62CZxJV1sxmBIUhcLDLzroMD-nFFZFCTJqjtauz0Vv72Fzh28vniiUJAoSDLSvIZExXqZkQF1VKvK9IF9E5PMjGp/s16000/20231026_122517.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berlinde de Bruyckere, Penthesilea II, 2014/15; cira, aluminio, hierro, resina epoxi. Foto del autor</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="font-size: small; font-style: italic; text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Tenemos después tres Pentesilea, según la reina de las amazonas que Aquiles mató (se enamora de ella al verla morir), tres pieles ensangrentadas de un desollado como Marsias, suspendidas sobre escudos cóncavos: de nuevo un encuentro entre sexo y muerte, combinaciones de labios grandes excitados y de epidermis sangrienta, una revancha de la reina muerta cuyo sexo </span><span style="font-family: verdana;">quizás </span><span style="font-family: verdana;">siga vivo, (en cambio, la <a href="https://www.ccb.pt/en/evento/berlinde-de-bruyckere/2023-10-31/" target="_blank">referencia</a> a mi querida Madonna del Parto me parece totalmente inconveniente). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_h-K06mvpglOtn4vGgi7b9sXfH9z3VcXLCkXv9Jz54MI9RZpbv3wtGHYs-wYPsXwOft7wXYD9xtHW7sIlOwBnWnBAp68Xcz99iWPtGEqIoLslTADA7-LTQedHUU6_aTGFEaRxAEBD4jdr6tKsut7U8IpvIQ-jBUno4DPtSOGEgrD-FUxLBzTIYja57MB7/s600/berlinde-de-bruyckere-lissabon2023_0715c2a9mirjam-devriendt.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="399" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_h-K06mvpglOtn4vGgi7b9sXfH9z3VcXLCkXv9Jz54MI9RZpbv3wtGHYs-wYPsXwOft7wXYD9xtHW7sIlOwBnWnBAp68Xcz99iWPtGEqIoLslTADA7-LTQedHUU6_aTGFEaRxAEBD4jdr6tKsut7U8IpvIQ-jBUno4DPtSOGEgrD-FUxLBzTIYja57MB7/s16000/berlinde-de-bruyckere-lissabon2023_0715c2a9mirjam-devriendt.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Berlinde de Bruyckere, Aletheia (on-vergeten), 2019 ; cira, madera, hierro, sal, resian epoxi; col. Fondation Sandretto Re Rebaudengo. Foto Myriam Devriendt</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En resumen, acumulaciones de pieles sobre paletas, cubiertas de sal, a través de las cuales uno recorre un suelo también nevoso. <i><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Al%C3%A9theia" target="_blank">Aletheia</a></i>, desocultamiento, dice la artista o no olvido. Un paso de la piel muerta al cuero materia prima, sin duda, pero esta acumulación macabra evoca una fosa común, un genocidio (¿es la actualidad que se impone de nuevo?) Si se trata de la relación con el otro, como anunciado, se trata de una relación tóxica y violenta. Eros le cede el paso a Tánatos. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-205273045749605602023-10-30T08:30:00.000+01:002023-10-30T08:30:40.770+01:00¿Qué no le importa a Julia Margaret Cameron? <p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">26 de octubre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/10/26/de-quoi-julia-margaret-cameron-ne-sembarrassait-elle-pas/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy_8lXhHfTne2jqn9Fyr7Oc9mbMgVYpLDw43WANY-bkowBX3CQxqcWLHMhSaDjj_LAUWUjQ-undejBIoZZv9lEzwUSokjmDzjkL3xlspKX2pRMc5G6zgY2cyEQpCcDFmVV-E7oBZvlCYcVXP2fqKbo3t6wbRVC-xmTjkHanDX-cHXTAqiFQuJSb88pVjvo/s718/jmc-11.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="718" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy_8lXhHfTne2jqn9Fyr7Oc9mbMgVYpLDw43WANY-bkowBX3CQxqcWLHMhSaDjj_LAUWUjQ-undejBIoZZv9lEzwUSokjmDzjkL3xlspKX2pRMc5G6zgY2cyEQpCcDFmVV-E7oBZvlCYcVXP2fqKbo3t6wbRVC-xmTjkHanDX-cHXTAqiFQuJSb88pVjvo/s16000/jmc-11.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Julia Margaret Cameron, The Rosebud Garden of Girls, 1868, impresión albuminada, 34.9×29.2cm, col. V&A</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">La exposición en el <a href="https://jeudepaume.org/evenement/exposition-julia-margaret-cameron/" target="_blank">Jeu de Paume</a> (hasta el 28 de enero) presenta unas cien fotografías de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Julia_Margaret_Cameron" target="_blank">Julia Margaret Cameron</a></b>, de las más o menos 1200 que hizo, principalmente durante unos diez años, entre 1864 y 1875. Es, sin lugar a dudas la fotógrafa más visible del siglo XIX, los otros grandes fotógrafos de ese siglo son más conocidos por su técnica (</span><span style="font-family: verdana;">Daguerre, Talbot, Atkins, Bayard, ..) que por su contribución artística. Y es verdad que ella no se estorbaba para nada con la técnica. Sus impresiones al colodión con frecuencia van manchadas, incluso se ven sus huellas digitales y el enfoque se lo deja al azar, a contracorriente de las exigencias de aquel entonces. Y es precisamente la falta de precisión y su voluntad más o menos intencional de alejarse de la representación perfecta lo que hizo su éxito. Es la precursora de la estética fin de siglo de los pictoralistas, idolatrada por aquellos que se mueren por el borroso, pionera de la distanciación entre realidad y representación. A pesar de la distancia tanto como social como cultural con </span><span style="font-family: verdana;">Miroslav Tichý, <a href="https://magasin3.com/exhibition/miroslav-tichy-julia-margaret-cameron/" target="_blank">en 2008, en Estocolmo</a> la unieron con él en una exposición que se llamó «<a href="https://www.dashwoodbooks.com/pages/books/11802/miroslav-tichy-julia-margaret-cameron/long-moments" target="_blank">Largos Momentos</a>», un acercamiento únicamente formal basado en los borrosos, los accidentes y las manchas. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwMF-CnSQj5jhNar4ijMTzIzfTKfgCMdcGL8OzYBnLFKYTtzOJnsOam2wpBUEKSOQPcN8qrqETOxA48p-S1Fkklx8h6JtZFSzEC8idlPTXBgZ0Nhc9DEpgcr7yWxATk0zcevdzc7y731UryuCsDlUqZ0PKs1l6Nc9uUmbBuGuXIEwipkUPSe_jv59SiOAu/s782/jmc-09.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="782" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwMF-CnSQj5jhNar4ijMTzIzfTKfgCMdcGL8OzYBnLFKYTtzOJnsOam2wpBUEKSOQPcN8qrqETOxA48p-S1Fkklx8h6JtZFSzEC8idlPTXBgZ0Nhc9DEpgcr7yWxATk0zcevdzc7y731UryuCsDlUqZ0PKs1l6Nc9uUmbBuGuXIEwipkUPSe_jv59SiOAu/s16000/jmc-09.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Julia Margaret Cameron, The Astronomer, 1867, </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">impresión albuminada</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">, 25.5×21.3cm, col. V&A</span></span></i></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">En búsqueda de la belleza etérea, Cameron tampoco se preocupaba por las buenas maneras a pesar de ser una gran burguesa. Las imperfecciones de la fotografía corresponden con las imperfecciones de la ropa de los personajes, telas sin forma, drapeadas sobre ellos con posturas románticas (los más divertidos son W.H. Hunt en pijama tipo oriental, y aquí arriba Herschel con los ojos alzados al cielo como buen astrónomo que es) o vestidos mal planchados con cabelleras salvajes y mal peinadas. Al leer su diario, copiado en el catálogo (págs. 35-56) vemos que tampoco se estorbaba con la puntuación ni la gramática. </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">Será gracias a esta (muy relativa) marginalidad que sus retratos atraen tanto? Yo ignoraba que, empobrecida, sacaba una fuente de ingresos importante que compensaba los sinsabores de las plantaciones que la familia poseía en la India y Ceilán, y que la fotografía fue para ella una forma de extender sus relaciones sociales</span><span style="font-family: verdana;">. Pero </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">será esa la razón por la cual hay tal diferencia de género cuando selecciona a sus sujetos? Todas las mujeres de las que hace el retrato son o de la familia o empleadas domésticas: ninguna mujer influyente de la Inglaterra de entonces (aunque había algunas, ya fuera en la corte o en la ciudad, habrá fotografiado a George Elliot?). Para ella las mujeres no deben ser fotografiadas entre 18 y 50 años (pág.220 del catálogo): sólo importa sus belleza. Mientras que los hombres que fotografía son todos hombres maduros, poderosos, intelectuales, pintores, poetas: y en su gran mayoría son francamente feos. Salvo error, ningún empleado doméstico masculino con su uniforme, ningún joven encantador. La belleza femenina y la inteligencia masculina: </span><span style="font-family: verdana;">¿</span><span style="font-family: verdana;">puede hacerse mayor estereotipo y ser más arrogante? Una lectura feminista de su trabajo </span><span style="font-family: verdana;">(« Maternalization of photography », pág. 28, nota 26) </span><span style="font-family: verdana;">puede parecer totalmente fuera de lugar. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEK0Tgx8zjgplBeCDywEXEURREv01aRl5u3doajeX3FXXz-PuEQnaRXr_1HM2J9t9GQ29tcqoLYMLsfVJSMP249GGDaLIFy4rl5sy-ZSh3gIE1vB-OsbV4it3qQwGnPmdCDpYqQj4t4yYw56uj5IKhewFsBZB-3h_P0oyXFWwITwsGxnklvN10EynvOSYU/s801/jmc-05-674x900-1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="801" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEK0Tgx8zjgplBeCDywEXEURREv01aRl5u3doajeX3FXXz-PuEQnaRXr_1HM2J9t9GQ29tcqoLYMLsfVJSMP249GGDaLIFy4rl5sy-ZSh3gIE1vB-OsbV4it3qQwGnPmdCDpYqQj4t4yYw56uj5IKhewFsBZB-3h_P0oyXFWwITwsGxnklvN10EynvOSYU/s16000/jmc-05-674x900-1.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;">Julia Margaret Cameron, I Wait, 1872, </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;"> </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">impresión albuminada</span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">, 31.4×23.5cm, col. V&A</span></span></i></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Fuera de los retratos, Cameron no se incomodaba tampoco con la composición o la profundidad. Ilustra escenas bíblicas (cristiana ferviente) o escenas sacadas de Shakespeare, o alegorías. Entonces le reprochan que haga «fotografía de historia» un tema reservado a la (gran) pintura. Otros, por ejemplo </span><span style="font-family: verdana;">George Bernard Shaw, se ríen de esos artificios, las alas de papel de los ángeles. Hoy, esas puestas en escena nos parecen algo ridículas, pomposas e insípidas, y se necesita todo el entusiasmo del director del Jeu de Paume para encontrarle cualidades pos modernas que recuerdan a Cindy Sherman (pág.31), siendo que en la obra de Cameron no encontramos ni distancia ni acidez crítica. Todo eso lleva un perfume bastante anticuado y desfasado, de mal gusto victoriano. Hay dos lagunas esenciales en sus temas: ni autorretrato ni paisajes (apenas algunas fotografías de exterior); si la segunda se debe quizás a razones de orden técnico, la primera no deja de extrañarnos viniendo de una mujer voluntarista y afirmada. Todas sus puestas en escena son artificiales y tediosas: es interesante compararla con </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Lady_Clementina_Hawarden" target="_blank">Lady Haywarden</a> (más joven pero fallecida en 1865), quien al contrario componía con sus hijas, sainetes íntimos y sensuales, con una discreta sexualidad subyacente. Nada de eso</span><span style="font-family: verdana;"> en el trabajo de Cameron. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoyYutO-DfgsW8xBKkZCzcO4gY8f5Kh1UxQeGetKVdwoOqhWljjAQRolkh2aeIZbqs4F3HjQaVLF69emijt0zM_pSbt0ZGbPBZy8osL9cF-CAbVE62PsUBcIdQ0PNOz9mBc0qVHEwMrYkCFZVMaeZcRFnbJk4TyQ3ogfuo8-13kKW70DjQN370nYc0lwIZ/s735/julia-margaret-cameron.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="735" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoyYutO-DfgsW8xBKkZCzcO4gY8f5Kh1UxQeGetKVdwoOqhWljjAQRolkh2aeIZbqs4F3HjQaVLF69emijt0zM_pSbt0ZGbPBZy8osL9cF-CAbVE62PsUBcIdQ0PNOz9mBc0qVHEwMrYkCFZVMaeZcRFnbJk4TyQ3ogfuo8-13kKW70DjQN370nYc0lwIZ/s16000/julia-margaret-cameron.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;">Julia Margaret Cameron, Two Young Women, 1875-79, </span></i><i><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"> </span><span style="font-family: verdana; text-align: left;">impresión albuminada</span></span></i><i><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;">, 28×22.8cm, col. V&A</span></i></td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Descendiente de la gran burguesía colonial en la India (<a href="https://medium.com/the-history-inquiry/the-bizarre-end-of-james-pattle-the-greatest-liar-in-india-708344154fde" target="_blank">su padre</a> es uno de los dirigentes de la </span><span style="font-family: verdana;">East India Company y su abuelo, <a href="https://www.researchgate.net/publication/348000466_ANTOINE_DE_L'ETANG_THE_OTHER_CHIVALROUS_ADVENTURIST_in_Colonial_Calcutta" target="_blank">pequeño aristócrata francés</a>, fue oficial en Pondicherry y después colón en Calcuta), se casó con un funcionario colonial que le llevaba veinte años y que era uno de los grandes terratenientes de Ceylan, estuvo toda la vida en ese medio reaccionario y de allí sacó su riqueza. En Inglaterra, en donde se instaló a los 35 años, hace el retrato del general <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Napier" target="_blank">Robert Napier</a> quien después de haber combatido contra los cipayos dirige <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Expedici%C3%B3n_brit%C3%A1nica_a_Abisinia" target="_blank">la expedición</a> contra el <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Teodoro_II_de_Etiop%C3%ADa" target="_blank">emperador de Etiopía</a>, incendia su ciudad, se roba los tesoros y se lleva al <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Prince_Alemayehu" target="_blank">príncipe heredero</a> para Londres, y Cameron, sin más, hace dos retratos del joven secuestrado (quien muere a los 18 años). Es verdad que es una anécdota pero es reveladora. Cuando vuelve con su marido a Ceilán en 1875 para tratar de restablecer las ganancias de sus plantaciones, hace algunas fotografías, con alguna dificultad. Vemos en ellas el exotismo colonial y la arrogancia hacia el indígena, pero las dos jóvenes aquí arriba resisten a través de sus miradas orgullosas que desafían a la fotógrafa blanca. La agitación del mundo exterior, los levantamientos y el hambre en la India no la incomodan, tampoco las revueltas obreras en Inglaterra, no hay ningún reflejo de ello en su trabajo. Es normal dirá usted cuando vemos su medio, que produzca un trabajo intemporal y pasadista (por no decir reaccionario). Es verdad, pero podemos citar a dos mujeres fotógrafas del mismo momento o casi, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Isabella_Bird" target="_blank">Isabella Bird</a> que recorre el mundo con una mirada mucho más clara sobre los indígenas, y<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Alexine_Tinne" target="_blank"> Alexine Tinne</a> que hace un verdadero trabajo de etnógrafa en Africa del noreste. Pero sus fotografías son menos «bonitas». Lo que queda, en realidad, de las fotografías de </span><span style="font-family: verdana;">Julia Margaret Cameron es su belleza casi irreal, </span><span style="font-family: verdana;">sin duda </span><span style="font-family: verdana;">suficiente para olvidar todo el resto. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-188223045277582993.post-70993713341174291552023-10-18T07:45:00.001+02:002023-10-18T07:45:58.607+02:00Materialidad de la fotografía<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">15 de octubre de 2023, por Lunettes Rouges</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana; font-size: x-small;"><i><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2023/10/15/materialite-de-la-photographie/" target="_blank">(artículo original en francés, aquí)</a></i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW8kWklnfZYclYYNZo4vDn0p93JxkNb07yNEjJ1SK51Bf8vdxXPHLuPMvzrR6Rz2iE7oRJ4vxOu0jPgTKooAOMrA9wZ1K3FkqWKpeiHUWq8Glat4fVlDQQIJb5ftjFcHhsW8b0TfaKE8n99SWWlmAOpBpmuXFCCnG9L2KVK6bCPRz_aln0tyrzMG8_Hi7Q/s600/20231009_114353.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW8kWklnfZYclYYNZo4vDn0p93JxkNb07yNEjJ1SK51Bf8vdxXPHLuPMvzrR6Rz2iE7oRJ4vxOu0jPgTKooAOMrA9wZ1K3FkqWKpeiHUWq8Glat4fVlDQQIJb5ftjFcHhsW8b0TfaKE8n99SWWlmAOpBpmuXFCCnG9L2KVK6bCPRz_aln0tyrzMG8_Hi7Q/s16000/20231009_114353.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Isabelle le Minh, IPAD 1, serie «Digitometrías. After Yves Klein», 154x105cm & Andreas Müller-Pohle, Partituras digitales (según Nicéphore Niépce) III, 1998, 8 marcos, 264x132cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Hasta hace unos quince años, en el 99% de los casos y para el 99% de la gente, la fotografía era una imagen que representaba el mundo de manera más o menos fiel. Casi se habían olvidado los intentos de abstracción fotográfica de las vanguardias, la exposición </span><span style="font-family: verdana;">« <i><a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Immat%C3%A9riaux" target="_blank">Les Immatériaux</a></i> » de </span><span style="font-family: verdana;">Jean-François Lyotard en 1985 no era considerada verdaderamente pertinente en fotografía y la expresión «fotografía experimental» no se encontraba en ningún diccionario de fotografía; solamente algunos independientes (por ejemplo, </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://lr-develop.de/gottfried-jaeger/" target="_blank">Gottfried Jäger</a> en Bielefeld o <a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Roberta_Valtorta" target="_blank">Roberta Valtorta</a> en <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2010/01/10/est-ce-encore-de-la-photographie/" target="_blank">Cinisello Balsamo</a>) hacían exposiciones colectivas sobre el tema. Entonces sólo se trataba de referente, índice, fotografía de artista plástico, del vínculo de la imagen fotográfica con lo real; </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/La_c%C3%A1mara_l%C3%BAcida" target="_blank">Roland Barthes</a>, <a href="https://theoryofimage.files.wordpress.com/2014/12/lo-fotografico-rosalind-krauss.pdf" target="_blank">Rosalind Krauss</a>, <a href="https://lamarcaeditora.com/admin/files/libros/821/DUBOISElactofotogrficoMUESTRA.pdf" target="_blank">Philippe Dubois</a>, <a href="https://dokumen.tips/documents/dominique-baque-fotografia-plastica-cap6-apropiaciones-mestizajes-e-hibridacionespdf.html?page=1" target="_blank">Dominique Baqué </a>y otros gurús eran las únicas voces que se oían y únicamente sus conceptos dominaban el debate. Naturalmente, muchos fotógrafos realizaban discretamente un trabajo en contra de aquella corriente dominante pero se quedaban marginados y los exponían poco. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPJDxTU8EpFFfo9RrMAbNXnoIvJUwdWmyW4aon5k_3mJSdpdlvUbpHdeE17wSmL_Z7ziGWRSaHYysfeqByO47rIAjTUCv3ac29BpAdlF6BVpO2NH6hXzwiuqbLpzHRLC08eQO3Zdx0xqy4d-74iHUAqxrJoCNVrX5qYmhEwu6DM7eSfT93uV52G4ZZ56ZF/s1040/bellusci-2.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1040" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPJDxTU8EpFFfo9RrMAbNXnoIvJUwdWmyW4aon5k_3mJSdpdlvUbpHdeE17wSmL_Z7ziGWRSaHYysfeqByO47rIAjTUCv3ac29BpAdlF6BVpO2NH6hXzwiuqbLpzHRLC08eQO3Zdx0xqy4d-74iHUAqxrJoCNVrX5qYmhEwu6DM7eSfT93uV52G4ZZ56ZF/s16000/bellusci-2.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Rossella Bellusci, Bagliori B, 2013, 130x80cm</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Y después, hacía 2010, poco a poco, empezó a aparecer en las exposiciones y catálogos, una fotografía diferente: en </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://artamateur.wordpress.com/2010/12/01/shadow-catchers/" target="_blank">V&A</a> en 2010 en <a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2012/07/29/questionner-la-photographie-arles-3/" target="_blank">Arles</a> en 2012, </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://www.museum-folkwang.de/en/exhibition/misunderstanding-photography" target="_blank">Folkwang</a> en 2014, <a href="https://www.icp.org/exhibitions/what-is-a-photograph" target="_blank">ICP</a> en 2014 (luego en <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2015/04/que-contestar-las-preguntas-y-entonces.html" target="_blank">Pompidou</a> en 2015), en el <a href="https://www.getty.edu/art/exhibitions/process/" target="_blank">Getty</a> en 2015, el <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2016/06/revisita-de-la-historia-de-la.html" target="_blank">MAMVP con Jan Dibbets</a> en 2016, Lausanne en 2016, <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2017/11/materialidad-fotografica.html" target="_blank">GESTE</a> en 2017, <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2020/11/puede-la-fotografia-ser-abstracta.html" target="_blank">en la región parisina y Rouen</a> en 2020; también en algunos libros, por ejemplo el de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2023/02/sobre-la-fotografia-poivert-y-smith.html" target="_blank">Michel Poivert</a>, <a href="https://photographie-experimentale.com/" target="_blank">el mío</a>, los de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://aperture.org/books/the-edge-of-vision/" target="_blank">Lyle Rexer</a>, <a href="https://yannickvigouroux.fr/fr/accueil" target="_blank">Yannick Vigouroux</a>, <a href="https://www.routledge.com/On-Photography-A-Philosophical-Inquiry/Costello/p/book/9780415684491" target="_blank">Diarmuid Costello</a>, <a href="https://govettbrewster.com/shop/books/emanations-the-art-of-the-cameraless-photograph" target="_blank">Geoffrey Batchen</a> entre otros (que pueden descubrir en esta <a href="https://bigaignon.com/store" target="_blank">librería/galería</a>). Incluso actualmente hay festivales en <a href="https://www.experimentalphotofestival.com/" target="_blank">Barcelona</a> y en <a href="https://bit20.paris/" target="_blank">Paris</a>, y ferias </span><span style="font-family: verdana;">(<a href="https://www.approche.paris/" target="_blank">A ppr oche</a>, <a href="https://offscreenparis.com/fr" target="_blank">Offscreen</a>). La exposición </span><span style="font-family: verdana;">« <a href="https://www.bnf.fr/fr/agenda/epreuves-de-la-matiere" target="_blank">Épreuves de la matière</a> » -Pruebas de la materia- (comisaria <a href="https://experts.bnf.fr/page_personnelle/heloise-conesa" target="_blank">Héloise Conésa</a>) en la BnF</span><span style="font-family: verdana;"> (hasta el 4 de febrero) va en esa línea, y presenta en un espacio demasiado pequeño, obras de 135 artistas, principalmente europeos y estadounidenses procedentes de las ricas colecciones de la BnF. Se enfoca especialmente en la materialidad de la fotografía, se sitúa en el lugar de su función representativa. Trasciende las técnicas, desde la revisita de las técnicas del pasado (daguerrotipo, ambrotipia, etc.) a la analógica y la numérica hasta la inteligencia artificial (</span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://chatonsky.net/" target="_blank">Gregory Chatonsky</a> y <a href="https://bayolthemines.fr/" target="_blank">Lionel Bayol-Thémines</a>). La pieza más antigua data de 1963 y es un quimigrama de <a href="https://www.pierrecordier.com/" target="_blank">Pierre Cordier</a>.</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw3AQYITZzSSl9rkK-NC28JzhfV-b4ECs-WNYvc15fTE71l49_c1KLmkVrqX3VCMTmwblOG2Kw8Ha6fj1ehiymAK0VQ9TTyy-S9PKRvNF-8Y4yWAEHyktIKZ3w5vGh08vEi-wD2Se-1yCWvyGb3IqBZndp-Y86n3goiI03bufRt2kJRA1f_yCVOG7QZ53W/s600/20231009_113950.webp" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="337" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw3AQYITZzSSl9rkK-NC28JzhfV-b4ECs-WNYvc15fTE71l49_c1KLmkVrqX3VCMTmwblOG2Kw8Ha6fj1ehiymAK0VQ9TTyy-S9PKRvNF-8Y4yWAEHyktIKZ3w5vGh08vEi-wD2Se-1yCWvyGb3IqBZndp-Y86n3goiI03bufRt2kJRA1f_yCVOG7QZ53W/s16000/20231009_113950.webp" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: verdana; text-align: left;"><i><span style="font-size: x-small;">Los Esposos P., POLISEMIA III, 2012-2021</span></i></span></td></tr></tbody></table></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;">Las cuatro secciones de la exposición que muestran en las cuatro salas, se estructuran alrededor de una pieza central de los <b><a href="https://www.lesepouxp.com/" target="_blank">Époux P.</a></b> (</span><span style="font-family: verdana;">Pascale et Damien Peyret), es una acumulación casi arqueológica de pantallas de Ipad rotas que muestran la última imagen antes de su destrucción, es una revisita numérica del mito del <a href="https://aficionadaalarte.blogspot.com/2021/05/la-retina-fotografica-mito-del.html" target="_blank">optograma</a>. Las cuatro secciones van construidas entorno a los temas de la imagen tangible, lábil, híbrida y precaria. Como se trata de uno de mis temas predilectos, podría escribir páginas y páginas sobre el tema y sobre la exposición (escribí incluso la sección del <a href="http://editions.bnf.fr/%C3%A9preuves-de-la-mati%C3%A8re" target="_blank">catálogo</a> sobre la imagen precaria, «Fragilidad de la fotografía»), pero aquí no sería apropiado. Me contentaré entonces hablándoles de ciertas imágenes entre todas las que conozco bien. La imagen con la que empieza la reseña está en la entrada de la exposición: presenta dos trabajos que se sitúan en la intersección entre lo numérico y lo analógico. A la izquierda es una <a href="https://www.isabelleleminh.com/isabelle-le-minh---works/digitometries-after-yves-klein.html" target="_blank">fotografía</a> de </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://www.isabelleleminh.com/" target="_blank">Isabelle Le Minh</a></b> con las huellas de los dedos en la pantalla de un iphone: por más numérica que sea esa imagen electrónica, en la pantalla está necesariamente encarnada puesto que ha sido manipulada por el cuerpo a través de los dedos. A la derecha, el fotógrafo alemán </span><span style="font-family: verdana;"><b><a href="https://muellerpohle.net/" target="_blank">Andreas Müller-Pohle</a></b> (quien fue también <a href="https://equivalence.com/" target="_blank">editor</a> de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://equivalence.com/vilem-flusser" target="_blank">Vilém Flusser</a>) revisitó la <a href="http://whatart33.blogspot.com/2012/09/the-first-photography.html" target="_blank">primera fotografía</a> digitalizándola, volviendo la imagen inicial invisible a causa de la pixelización extrema. Luego una fotografía de la artista italiana residente en París <b><a href="https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2011/01/26/photographier-la-lumiere/" target="_blank">Rosella Bellusci</a></b>: una fotografía saturada de luz que incita a la contemplación lenta y en la cual la imagen ya no es una representación sino una construcción mental y espiritual (no está en el catálogo, una lástima). Y para terminar (aunque ninguna lo fotografía muestra bien) la instalación final de </span><span style="font-family: verdana;"><a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/Alain_Fleischer" target="_blank">Alain Fleischer</a>, </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="http://asso.le180.free.fr/?p=181" target="_blank">À la Recherche de Stella</a></i> -Buscando a Stella- en la cual la imagen no es visible sino hasta que el espectador la hace aparecer manipulando un espejo que proyecta un haz de luz en la pared (cubierta de fragmentos de su libro </span><span style="font-family: verdana;"><i><a href="https://www.actes-sud.fr/node/13269" target="_blank">La Nuit sans Stella</a></i> - La noche sin Stella-) para revelarnos así los retratos funerarios. Pero más allá de los golpes rápidos de proyector sobre tal o tal fotógrafo, me gustaría ante todo animarlos con entusiasmo para que vayan a ver esta exposición y puedan descubrir esta otra cara de la fotografía contemporánea. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: verdana;"><br /></span></p>PiLi OSPINA MOTTAhttp://www.blogger.com/profile/05046196274661631146noreply@blogger.com0